Non si sa molto su cosa sia l’arte. L'arte dopo la filosofia. Perché una persona a reddito medio non dovrebbe acquistare un'incisione da un artista?
Arte e artista
Cos'è l'arte? Ci sono poche domande che susciterebbero un dibattito così acceso e alle quali sarebbe difficile rispondere in modo soddisfacente come questa. E anche se non speriamo di dare una risposta certa, definitiva, possiamo pensare insieme: cosa significa per noi questa parola? Prima di tutto, è davvero una parola, e se esiste una parola del genere, significa che l'arte come idea e fatto è riconosciuta dalle persone. È vero, questo termine stesso non esiste in tutte le lingue e non in ogni società umana, ma una cosa è certa: l'arte viene creata - o creata, o "prodotta" - ovunque. Il risultato - un'opera d'arte - è quindi un certo oggetto o oggetto, e non tutti gli oggetti meritano di essere classificati come opere d'arte: devono avere un certo valore estetico. In altre parole, un'opera d'arte deve essere vista e valutata alla luce delle sue proprietà speciali. Queste proprietà sono davvero speciali: distinguono un'opera d'arte da tutte le altre cose e oggetti - non per niente l'arte è dotata di luoghi di conservazione speciali, isolati dalla vita quotidiana: musei, chiese e così via (anche le grotte, se consideriamo stanno parlando dei suoi esemplari più antichi). Cosa intendiamo con la parola “estetico”? Il dizionario spiega: “relativo alla bellezza”. Naturalmente, secondo noi, non tutta l'arte è bella, ma è comunque arte. Il fatto è che il cervello umano e il sistema nervoso di persone diverse sono strutturati sostanzialmente nello stesso modo, e quindi i pensieri e i giudizi delle persone sostanzialmente coincidono in qualche modo. I gusti sono un'altra questione: sono determinati esclusivamente dalle condizioni della cultura in cui una persona è cresciuta, e la gamma dei gusti umani è così ampia che è semplicemente impossibile stabilire criteri uniformi nel campo dell'arte. Di conseguenza, la nostra percezione, il nostro apprezzamento dell'arte non può essere soggetto ad alcune regole generali valide per tutti i paesi e tutte le epoche; le opere d'arte devono essere viste esclusivamente nel contesto del tempo e delle circostanze in cui sono state create.
Immaginazione
Tendiamo tutti a indulgere nei sogni, a dare lavoro alla nostra immaginazione. La stessa parola “immaginare” significa “creare qualche immagine o immagine nella mente”. Anche gli animali sono dotati di questa capacità, ma c'è una differenza molto significativa tra l'immaginazione delle persone e quella degli animali: solo le persone sono in grado di dire agli altri cosa è apparso esattamente nella loro immaginazione; solo le persone sono in grado di parlarne o di rappresentarlo. L'immaginazione è una delle nostre proprietà più misteriose. Con il suo aiuto, viene stabilita una connessione tra coscienza e subconscio, l'area in cui si svolge la maggior parte dell'attività del cervello umano. L'immaginazione tiene insieme e unisce gli aspetti più importanti della personalità umana - carattere, intelletto e mondo spirituale - e per questo obbedisce a determinate leggi, sebbene a volte funzioni in modo imprevedibile.
Grande è anche il ruolo dell'immaginazione perché permette, da un lato, di guardare al futuro, dall'altro di comprendere il passato e presentare tutto questo in immagini visibili che non perdono vitalità nel tempo. L'immaginazione è parte integrante del nostro “io” e sebbene, come già accennato, non solo gli esseri umani abbiano questa capacità, il desiderio di consolidare i frutti del lavoro della nostra immaginazione nell'arte è unico per gli esseri umani. Qui c'è un divario evolutivo insormontabile tra l'uomo e gli altri rappresentanti del mondo animale. Apparentemente, se consideriamo l'evoluzione nel suo insieme, l'uomo ha acquisito la capacità di creare arte in tempi relativamente recenti. L'umanità esiste sulla Terra da circa due milioni di anni e i primi esempi di arte preistorica a noi noti furono creati non più di trentacinquemila anni fa. Apparentemente, questi campioni sono il risultato di un lungo processo che, sfortunatamente, è impossibile da ripristinare: l'arte più antica non ci è pervenuta.
Chi erano questi artisti primitivi? Con ogni probabilità, stregoni, sciamani. La gente credeva che gli sciamani - come il leggendario Orfeo - avessero la capacità, concessa dall'alto, di penetrare nel mondo ultraterreno (subconscio), cadendo in trance e, a differenza dei semplici mortali, tornavano di nuovo da questo mondo misterioso al regno di i vivi. Apparentemente proprio uno sciamano-cantante viene raffigurato nella statuetta di marmo scolpita conosciuta come “L'Arpista” (ill. 1). Questa statuina ha quasi cinquemila anni; per l'epoca è insolitamente complesso, persino raffinato, ed è stato creato da un artista di grande talento che è stato in grado di trasmettere tutta la potenza dell'ispirazione del cantante. Nella preistoria, lo sciamano, che aveva la capacità unica di penetrare nell'ignoto ed esprimere questo sconosciuto attraverso l'arte, riceveva così il potere sulle forze misteriose nascoste nella natura e nell'uomo. Fino ad oggi, l'artista rimane, in un certo senso, uno stregone, poiché il suo lavoro è in grado di influenzarci e affascinarci - il che di per sé è sorprendente: dopotutto, le persone civili moderne apprezzano troppo il principio razionale e non sono inclini a farlo. arrenditi.
Il ruolo dell'arte nella vita umana può essere paragonato al ruolo della scienza e della religione: ci aiuta anche a comprendere meglio noi stessi e il mondo che ci circonda. Questa funzione dell'arte le conferisce un peso speciale e la obbliga a essere trattata con la dovuta attenzione. L'arte penetra nelle profondità più intime della personalità umana, la quale, a sua volta, si realizza e si ritrova nell'atto creativo. Allo stesso tempo, artisti e creatori d'arte, rivolgendosi a noi, il pubblico, secondo tradizioni secolari, agiscono come esponenti di idee e valori condivisi da tutte le persone.
Il processo creativo
Come viene creata l'arte? Se, per ragioni di spazio, ci limitiamo alle belle arti, allora possiamo dire: un'opera d'arte è un oggetto specifico creato dall'uomo, qualcosa creato dalle mani dell'uomo. Una tale definizione porta immediatamente molte cose belle in sé oltre la portata dell'arte: ad esempio i fiori, le conchiglie o il cielo al tramonto. Naturalmente, questa definizione è troppo ampia, poiché una persona crea molte cose o oggetti che non hanno nulla a che fare con l'arte; tuttavia, usiamo la nostra formula come punto di partenza e guardiamo come esempio la famosa “Testa di toro” di Picasso (ill. 2).
A prima vista non c'è niente di speciale: la sella e il manubrio provengono da una vecchia bicicletta. Cosa trasforma tutto questo in un’opera d’arte? Come funziona la nostra formula sul “creato dall’uomo” in questo caso? Picasso ha utilizzato materiale già pronto, ma sarebbe assurdo pretendere che l'artista condivida il merito della creazione di questa composizione con l'operaio che ha realizzato le parti della bicicletta: la sella e il manubrio in sé non sono affatto opere d'arte.
Diamo ancora un'occhiata alla "Testa di toro" e vedremo che la sella e il manubrio formano una sorta di giocosa "sciarada figurativa". Si sono formati in questo modo grazie ad un certo salto di immaginazione, un’intuizione istantanea dell’artista, che ha visto e intuito la futura “Testa di toro” in questi oggetti apparentemente del tutto inappropriati. È così che è nata un'opera d'arte, e "Testa di toro" merita senza dubbio un nome del genere, anche se il momento della pratica creazione umana in essa è piccolo. Non è stato difficile attaccare il manubrio alla sella: il lavoro principale è stato svolto dalla fantasia.
Un deciso salto di fantasia – o quella che più comunemente viene chiamata ispirazione – è quasi sempre presente nel processo creativo; ma solo in casi estremamente rari un'opera d'arte nasce in una forma già pronta e completa, come la dea Atena dalla testa di Zeus. Questo, infatti, è preceduto da un lungo periodo di maturazione, in cui viene svolto il lavoro più laborioso e avviene una dolorosa ricerca di una soluzione al problema. E solo allora, in un certo momento critico, l'immaginazione stabilisce finalmente connessioni tra elementi disparati e li riunisce in un tutto completo.
“Bull’s Head” è un esempio semplicissimo: la sua creazione ha richiesto un solo salto di immaginazione, e tutto ciò che restava da fare era materializzare l’idea dell’artista: collegare correttamente la sella e il manubrio e fondere la composizione risultante in bronzo. Questo è un caso eccezionale: solitamente l'artista lavora con materiale informe - o quasi, e il processo creativo comporta ripetuti sforzi di immaginazione e tentativi altrettanto ripetuti da parte dell'artista di dare la forma materiale desiderata alle immagini che sorgono nella sua mente. Tra la coscienza dell’artista e il materiale nelle sue mani, l’interazione avviene sotto forma di un flusso continuo di impulsi; gradualmente l'immagine prende forma e alla fine il processo creativo si completa. Naturalmente si tratta solo di uno schema approssimativo: la creatività è un'esperienza troppo intima e sottile per essere descritta passo dopo passo. Ciò può essere fatto solo dall'artista stesso, sperimentando il processo creativo dall'interno; ma di solito l'artista ne è così assorbito che non ha tempo per le spiegazioni.
Il processo creativo è paragonato al parto, e tale metafora è forse più vicina alla verità del tentativo di ridurre la creatività a un semplice trasferimento di un’immagine dalla coscienza dell’artista a un materiale o a un altro. La creatività è associata sia alla gioia che al dolore, è piena di molte sorprese e questo processo non può essere definito meccanico. Inoltre, è risaputo che gli artisti tendono a trattare le loro creazioni come esseri viventi. Non per niente la creatività è stata tradizionalmente prerogativa del Signore Dio: si credeva che solo Lui fosse capace di incarnare un'idea in forma visibile. In effetti, il lavoro dell'artista-creatore ha molto in comune con il processo di creazione del mondo, di cui parla la Bibbia.
Michelangelo ci ha aiutato a realizzare la natura divina della creatività: ha descritto la beatitudine e il tormento che uno scultore sperimenta quando libera una futura statua da un blocco di marmo, come da una prigione. Apparentemente, per Michelangelo, il processo creativo è iniziato con il fatto che ha guardato un blocco di marmo grezzo e grezzo, consegnato direttamente dalla cava, e ha cercato di immaginare che tipo di figura fosse contenuta in esso. Vederla subito in tutti i dettagli era, molto probabilmente, difficile quanto vedere un bambino non ancora nato nel grembo materno; ma probabilmente Michelangelo sapeva cogliere qualche “segno di vita” in una pietra morta. Mettendosi al lavoro, ad ogni colpo del taglierino si avvicinava all'immagine indovinata nella pietra - e la pietra finalmente liberata, “liberò” la futura statua solo se lo scultore fosse stato in grado di indovinare correttamente la sua forma futura. A volte l'ipotesi si rivelava imprecisa e la figura racchiusa nella pietra non poteva essere completamente liberata. Quindi Michelangelo ammise la sua sconfitta e lasciò l'opera incompiuta - questo accadde con il famoso "Prigioniero" (l'altro suo nome è "Lo schiavo che si risveglia", ill. 3), nella cui stessa posa emerge l'idea dell'inutilità del la lotta per la libertà si esprime con forza straordinaria. Guardando questa grandiosa scultura, possiamo immaginare quanto lavoro ha dedicato il creatore; Non è un peccato che non abbia finito quello che aveva iniziato e si sia arreso a metà strada? A quanto pare Michelangelo non voleva in alcun modo terminare l'opera: deviare dal progetto originale non avrebbe fatto altro che aumentare l'amarezza del fallimento.
Si scopre che creare un'opera d'arte non è la stessa cosa che creare o produrre qualcosa di ordinario. La creatività è un'attività insolita e molto rischiosa; chi lo fa più spesso non sa in cosa riuscirà finché non vede il risultato. La creatività può essere paragonata a un gioco a nascondino, in cui l'autista non sa esattamente chi - o cosa - sta cercando finché non lo trova. Ciò che ci colpisce di più di The Bull's Head è la sua scoperta audace e riuscita; in "Prisoner" l'intensa ricerca è molto più importante. È difficile per chi non lo sapesse riconciliarsi con l’idea che la creatività implichi inizialmente una certa incertezza, la necessità di correre dei rischi senza sapere in anticipo quale sarà il risultato. Siamo tutti abituati a credere che una persona che fa qualcosa - come, ad esempio, un artigiano professionista o una persona associata a qualsiasi tipo di produzione industriale - debba sapere fin dall'inizio cosa esattamente farà o produrrà. La quota di rischio in questo caso si riduce quasi a zero, ma lo è anche la quota di interessi, e il lavoro si trasforma in un'attività di routine. La differenza principale tra un artigiano e un artista è che il primo si pone un obiettivo evidentemente raggiungibile, mentre il secondo si sforza ogni volta di risolvere un problema insolubile - o almeno di avvicinarsi alla soluzione. Il lavoro di un artista è imprevedibile, il suo corso non può essere previsto e per questo non obbedisce ad alcuna regola, mentre il lavoro di un artigiano è soggetto a determinati standard e si basa su una rigorosa regolarità. Riconosciamo questa differenza quando diciamo che un artista crea (o crea) e un artigiano realizza (o produce) solo i suoi prodotti. Pertanto la creatività artistica non va confusa con la capacità professionale di un artigiano. E sebbene la creazione di molte opere d'arte richieda competenze puramente tecniche, non dimentichiamo la cosa principale: anche l'oggetto realizzato con la massima abilità ed esteriormente perfetto non può essere definito un'opera d'arte se l'immaginazione dell'artista non ha partecipato alla sua creazione, che a ad un certo punto compie lo stesso salto magico e fa una scoperta.
Inutile dire che tra noi ci sono sempre stati molti più artigiani che artisti, poiché il bisogno umano di ciò che è familiare e vissuto supera di gran lunga la capacità di percepire e assimilare tutto ciò che di nuovo, inaspettato e spesso disturbante la nostra tranquillità, che l'arte porta con sé . D'altra parte, tutti noi a volte siamo visitati dal desiderio di penetrare l'ignoto e creare qualcosa di nostro, originale. E la differenza principale tra un artista e gli altri mortali non è che si sforza di cercare, ma in quella misteriosa capacità di trovare, che di solito si chiama talento. Non è un caso che in diverse lingue troviamo altre parole per denotare questo concetto - come dono (ciò che una persona sembra ricevere da un potere superiore) o genio (questo era il nome originale per lo spirito buono che si stabilì in un persona e ha creato arte con le sue mani).
Originalità e tradizione
Quindi, la cosa principale che distingue l'arte dall'artigianato è l'originalità e l'innovazione. È l’innovazione che serve come misura del significato e del valore dell’arte. Purtroppo l’originalità non è facile da individuare. I soliti sinonimi - freschezza, originalità, novità - servono a poco, e dai dizionari si può solo scoprire che l'originale non è una copia. Nel frattempo, un'opera d'arte non può essere completamente e completamente originale, poiché è collegata da numerosi fili con tutto ciò che è stato creato in un lontano passato, viene creato ora e verrà creato in futuro. Se John Donne ha ragione quando afferma che l’uomo non è un’isola, ma solo un pezzo della “terraferma”, la terraferma, allora le sue parole possono essere attribuite all’arte con non meno giustificazione. L'intreccio di tutte queste connessioni ramificate può essere immaginato come una rete in cui ogni opera d'arte occupa il proprio posto speciale; la totalità di tali connessioni è tradizione. Senza tradizione, cioè senza qualcosa che si tramanda di generazione in generazione, non esiste originalità. La tradizione fornisce una base solida, una sorta di trampolino di lancio, da cui la fantasia dell’artista può compiere quel magico salto. Il luogo in cui “atterra” diventerà a sua volta il punto di partenza per successivi “salti”, per future scoperte. La rete della tradizione non è meno importante per noi spettatori: che ne siamo consapevoli o meno, costituisce la base necessaria all'interno della quale si formano le nostre valutazioni; Solo sullo sfondo di questa base diventa evidente il grado di originalità di una particolare opera d'arte.
Significato e stile
Perché si crea l'arte? Uno dei motivi ovvi è l'irresistibile desiderio delle persone di decorarsi e rendere il mondo che li circonda più attraente. Entrambi sono collegati a un desiderio ancora più generale che è stato a lungo caratteristico dell'uomo: avvicinare se stesso e l'ambiente circostante a una certa forma ideale, portarli alla perfezione. Tuttavia, il lato esterno, decorativo, non è tutto ciò che l'arte ci offre: porta con sé anche un significato profondo, anche se questo significato - o contenuto - non è sempre ovvio e richiede interpretazione. L'arte ci permette di trasmettere ad altre persone la nostra comprensione della vita - di trasmetterla in un modo speciale, specifico, soggetto solo all'arte. Non c'è da stupirsi che dicano: un'immagine vale più di mille parole. Ciò vale sia per la trama dell'immagine che per il suo carico simbolico. Come nel linguaggio, anche nell'arte le persone inventano instancabilmente simboli in grado di trasmettere i pensieri più complessi in modo non convenzionale. Ma se continuiamo il confronto con il linguaggio, l'arte è più vicina alla poesia che alla prosa: è la poesia che tratta liberamente il vocabolario e la sintassi familiari e trasforma le forme convenzionali, trasmettendo con il loro aiuto pensieri e stati d'animo nuovi e diversi. Inoltre, l’arte spesso parla allo spettatore non direttamente, ma tramite suggerimento: molto si può solo intuire dall’espressione facciale e dalla posa del personaggio; l'arte ama ricorrere a tutti i tipi di allegorie. Insomma, come nella poesia, nelle arti visive sia ciò che viene detto che come lo viene detto sono ugualmente importanti.
Qual è il vero contenuto dell'arte, il suo significato! Cosa vuole esprimere? L'artista raramente entra in spiegazioni; ci presenta un quadro e crede che questo dica tutto. In un certo senso ha ragione: qualsiasi opera d'arte ci dice qualcosa - anche se non comprendiamo appieno l'intenzione dell'artista, percepiamo l'immagine a livello di intuizione. Il significato – o contenuto – dell'arte è inseparabile dalla sua incarnazione formale, dallo stile. La parola stile deriva dal nome dello strumento di scrittura utilizzato dagli antichi romani. Per stile originariamente si intendeva l'intero carattere di una lettera, dal disegno delle lettere alla scelta delle parole. Nelle arti visive, lo stile si riferisce al metodo che determina la scelta e la combinazione di elementi formali esterni in ogni opera specifica. Lo studio dei diversi stili è stato e rimane al centro dell'attenzione degli storici dell'arte. Un simile studio, basato su un'approfondita analisi comparativa, non solo permette di stabilire dove, quando e da chi è stata creata questa o quella cosa, ma aiuta anche a rivelare le intenzioni dell'autore, perché l'intenzione dell'artista si esprime proprio in lo stile del suo lavoro. L'idea, a sua volta, dipende dalla personalità dell'artista, dal tempo e dal luogo di realizzazione dell'opera; quindi possiamo parlare dello stile di una certa epoca. Pertanto, per comprendere adeguatamente un'opera d'arte, dobbiamo avere un'idea il più completa possibile del luogo e del tempo della sua creazione, in altre parole, dello stile e delle opinioni del paese, dell'epoca e dell'autore stesso.
Espressione di sé e percezione del pubblico
Conosciamo tutti il mito greco dello scultore Pigmalione, che scolpì una statua così bella della ninfa Galatea che si innamorò perdutamente di lei, e poi la dea Afrodite, su sua richiesta, le diede vita. Una versione moderna di questo mito è offerta da John De Andrea nel dipinto “L'artista e la modella” (ill. 4). Nella sua interpretazione, l'artista e la sua creazione sembrano cambiare ruolo: la statua - una giovane donna, lontana dall'ideale di bellezza, raffigurata in modo abbastanza realistico e, inoltre, non ancora completata (l'artista deve finire di dipingere le gambe!), “prende vita” prima del previsto e si innamora del suo creatore. L'illusione è talmente convincente che non si capisce subito quale dei due personaggi sia reale e quale no. Per un artista, un atto creativo è una sorta di “impresa d'amore”; Solo attraverso l'espressione di sé è in grado di dare vita a un'opera d'arte - e la pittura di De Andrea ci aiuta a rendercene conto di nuovo. Naturalmente, con lo stesso diritto si può sostenere che la creazione dell’artista, a sua volta, è capace di infondergli nuova vita. L'arte nasce in un profondo segreto e il processo della sua nascita non è destinato a occhi indiscreti. Non per niente molti artisti possono creare solo in completa solitudine e non mostrare a nessuno il proprio lavoro finché non è finito. Ma il processo creativo prevede una fase finale necessaria: l'opera d'arte deve essere vista e apprezzata dal pubblico – solo allora la sua nascita potrà dirsi completata. Per un artista non basta accontentarsi: vuole vedere la reazione degli altri. In questo senso, il processo creativo può considerarsi completo solo quando un’opera d’arte trova un suo pubblico che la apprezzerà, e non solo critici che ne faranno oggetto di discussione accademica. In effetti, questo è l’obiettivo dell’artista. A prima vista, questa spiegazione può sembrare paradossale, quindi va notato che l'artista conta su uno spettatore molto specifico. Non si riferisce al pubblico medio, senza volto, ma ai suoi stessi spettatori e intenditori; Per lui l’approvazione di pochi è molto più importante del successo clamoroso. Chi sono questi pochi? Alcuni di questi sono colleghi professionisti, altri artisti, altri sono mecenati, sponsor, critici d'arte, amici, altri ancora sono semplicemente spettatori entusiasti. Tutte queste persone sono accomunate da un innato (o coltivato) amore per l'arte e dalla capacità di giudicarla con acutezza ed equilibrio: in altre parole, la combinazione di una certa preparazione con il sincero interesse necessario per valutare l'arte. Si tratta di spettatori sofisticati, professionisti più che teorici; e, se lo si desidera, ognuno di noi può diventare un tale intenditore d'arte dopo aver acquisito una certa esperienza. È solo questione di grado di preparazione: non c'è differenza fondamentale tra un esperto e uno spettatore qualunque.
Sapori
Una cosa è definire cos'è l'arte; Un’altra cosa è imparare a percepire e valutare opere specifiche. Anche se avessimo un metodo preciso per separare l’arte autentica da ciò che non è arte, non saremmo in grado di giudicare automaticamente la qualità di un’opera. Nel frattempo, questi due problemi vengono spesso confusi. Dato che gli esperti non ci offrono regole rigide per la valutazione, spesso ci mettiamo sulla difensiva e diciamo qualcosa del tipo: “In realtà non so niente di arte, ma so cosa mi piace”. Frasi come queste rendono molto difficile la comprensione dell’arte. Pensiamo al motivo per cui è così e cosa c'è dietro affermazioni così comuni.
Innanzitutto non c’è più nessuno che non sappia nulla di arte. Siamo in contatto troppo stretto con essa, è intessuta nella nostra vita quotidiana - anche se il nostro contatto con l'arte è limitato alle copertine delle riviste, ai manifesti pubblicitari, ai complessi commemorativi, alla televisione e, infine, alla sola architettura - gli edifici in cui viviamo, lavoriamo o pregare. Quando una persona dice: "So quello che mi piace", significa essenzialmente: "Mi piace solo quello che so (e rifiuto in anticipo tutto ciò che non rientra nel mio standard abituale)". Ma lo standard abituale non sono tanto le nostre preferenze quanto gli standard sviluppati dalla nostra educazione e dalla cultura in cui siamo cresciuti; Il momento individuale non gioca quasi alcun ruolo qui.
Perché, allora, così tanti di noi cercano di fingere che lo standard abituale equivalga alla nostra scelta personale? Qui entra in gioco un'altra considerazione inespressa: se un'opera d'arte è inaccessibile alla percezione non professionale, se non posso valutarla senza una formazione specifica, significa che quest'opera è di qualità molto dubbia e non merita la mia attenzione. La risposta è una sola: se vuoi capire l'arte come i professionisti, chi ti impedisce di impararla? La strada verso la conoscenza è accessibile a tutti: qui si apre un ampio campo di attività per ogni spettatore in grado di assimilare nuove esperienze. I confini dei nostri gusti si allargheranno molto presto e inizieremo ad apprezzare cose che prima non ci sarebbero piaciute. A poco a poco ci abitueremo a giudicare l'arte consapevolmente e imparzialmente - e poi con una giustificazione molto maggiore saremo in grado di ripetere la famigerata frase: "So cosa mi piace".
Cos'è l'arte?
Non esiste ancora una risposta chiara su cui tutti i soggetti coinvolti e interessati siano d’accordo all’unanimità. Forse perché la questione in sé non è mai stata chiarita con assoluta chiarezza. Cosa vogliono veramente sapere le persone che fanno questa domanda? Ovviamente al centro della questione c'è il desiderio di svelare il mistero dell'arte. Il mistero dell'impatto che le opere d'arte hanno sulla nostra vita. L’impatto c’è e nessuno sembra discuterne. Ma qual è il segreto?
Se guardi da vicino, noterai che il motivo che costringe una persona a rivolgersi a un'opera d'arte si riduce a una certa insoddisfazione per la sua situazione, cioè, in definitiva, a una semplice "fuga dalla realtà in meravigliosi altri mondi". Anche se non sei ancora d'accordo con questa affermazione, prova a prenderla per fede o almeno ad accettarla in modo condizionale. Più tardi ti sarà chiaro perché è così e da dove viene questa tesi. Per ora siamo d’accordo, perché d’ora in poi chiamerò “fuggitivo” colui che sperimenta l’influenza di un’opera d’arte. Quindi, anche se pensi che percependo le opere d’arte non sei affatto un “fuggitivo”, ma, ad esempio, una “persona colta ed educata” o qualcosa del genere, per ora tieni presente che questo non è così importante . Potresti anche considerare che “fuggitivo” e “persona colta e istruita” (o qualunque cosa ti consideri) siano sinonimi.
Consideriamo attentamente una persona che si è appena “nascosta dalla vita”, ad esempio in un romanzo (in un dipinto, in una canzone, in una sinfonia, in una parola, in qualsiasi opera d'arte, un'opera vera, e non in alcune serie di piccole città, anche se tra loro probabilmente si imbattono in quelle vere, ma cos'è vera opera d'arte, lo scopriremo in questo testo). Basta parlare con una persona del genere prima della “fuga” e poi parlare con lui dopo la “fuga”, e sentiremo subito la differenza: quello che “è scappato” è tornato trasformato. Se non intellettualmente, almeno energeticamente. Ad esempio, in qualche modo si sentiva “più leggero nell’anima”. In qualche modo “più calmo”. Molte persone notano “l'effetto purificante” prodotto su di loro dal contatto con le opere d'arte. Può essere vero che il “fuggitivo ritornato”, al contrario, è precipitato nella depressione e soffre più che mai (ad esempio, questo accade spesso dopo aver letto Dostoevskij). Ma supponiamo che si tratti delle stesse sofferenze catartiche attraverso le quali si liberano le energie represse. La sofferenza implica purificazione e liberazione. E anche in questo caso l’effetto è innegabile. C'è un effetto (cambiamento, trasformazione) con ogni contatto con una vera opera d'arte. A condizione che questo contatto sia effettivamente avvenuto e non ci sia stato un contatto meccanico e superficiale in cui fossero coinvolti solo i sensi esterni (l'effetto potrebbe esserci in questo caso, ma molto probabilmente sarà completamente impercettibile senza una ricerca speciale). Contatto– questo è un contatto reale (“contatto reale” può essere paragonato a quello che provi se qualcuno ti tocca il braccio mentre sei sveglio, mentre “contatto meccanico, superficiale” è come se qualcuno ti toccasse la mano nel momento in cui eri profondamente addormentato , e alla fine non ti sei accorto di nulla).
Da dove viene questo effetto di trasformazione? Chi lo sperimenta? Chi sta cambiando? Chi è interessato? Partiamo da quest'ultimo: l'immagine che viene colpita è quella del “fuggitivo” prende per sé. Cioè, la persona che il “fuggitivo” immagina di essere. Il fatto stesso dei cambiamenti e delle trasformazioni avvenuti nel “fuggitivo” suggerisce che questo qualcuno che subiva i cambiamenti non era immutabile, non era una costante. Il “fuggitivo” cambia, si trasforma e quindi è instabile.
Se hai fatto questo autoesame, ciò che segue ti sarà semplice e ovvio. In particolare, si può facilmente convenire sul fatto che la maggior parte dei critici d'arte (critici letterari, professionisti dell'esame e della valutazione in determinati campi dell'arte) non capiscono veramente con cosa hanno a che fare. E vedrai che a questo proposito nascono molti malintesi su cosa è considerato vera arte e cosa non lo è, cosa è “talento” e cosa non lo è, cosa è “bello” e cosa non lo è, e così via. Nascono tutti i tipi di istituzioni opportunistiche artificiali, come premi letterari, concorsi musicali, aste di pittura, ecc. Si stanno investendo molti soldi. Si stanno scrivendo articoli e grandi lavori teorici. Ne emerge tutta una folla di complici, ammiratori e imitatori. Complici e imitatori cercano di superarsi a vicenda, di promuoversi come meglio possono e di scrivere un romanzo al mese. E così via. Sai cosa voglio dire. C’è molta di questa bontà adesso, e non stiamo affatto parlando di questa fiera della vanità. Dico tutto questo adesso non per denunciare, ma semplicemente per chiarire: non è tutto qui. Non l'arte. E molto raramente, nel contesto di tutto questo caos, qualcosa di genuino può brillare. Tutto lì è troppo attenuato, troppo rigido per permettere al reale di rivelarsi in un ambiente del genere. Piuttosto, la vera arte appare in un luogo completamente diverso. E si esprime in forme completamente diverse e inaspettate. Sebbene possa ancora manifestarsi nei generi tradizionali di testi, romanzi, canzoni, tele, film.
È possibile che il tuo autoesame non abbia avuto luogo e quindi tu (se stai ancora leggendo questo testo) non capisci più di cosa sto parlando qui. Allora lascia che ti faccia un esempio. Supponiamo di trovarci sulla riva di un fiume con una forte corrente. Vai al fiume e immergici il piede. Senti la freschezza dell'acqua del fiume e senti anche la forza della corrente. La tua gamba diventa fredda e striscia. Forse stai provando altri sentimenti. Togli il piede fuori dall'acqua. È bagnata, ha freddo e forse ha i crampi alle punte dei piedi. Ora la domanda è: cosa sta vivendo in te l’esperienza descritta? È impossibile dire che questo sia “l'esperienza della gamba”, perché tu percepisci le sensazioni della gamba e la gamba non le percepisce da sola. È anche impossibile dire che sei tu, perché una parte significativa del tuo corpo è rimasta inalterata. Quasi tutto il tuo corpo è rimasto asciutto e abbastanza caldo. In generale però si può dire: “Ho vissuto questa esperienza”. Puoi dirlo perché tu (colui che dichiara l'esperienza) non sei né la gamba né il resto del corpo. Sei tu che, attraverso la gamba e il resto del corpo e il confronto delle sensazioni, puoi dire: “Ho sperimentato questo”. È lo stesso con un'opera d'arte. Quando “entri” in esso, entri in contatto con esso, vedi come qualcosa in te comincia a sentirsi diverso. Forse inizia come una sorta di sensazione estetica (“la gamba e la sensazione di bagnato e freddo” o “il resto del corpo che si sente più asciutto e caldo e per contrasto si ha la pelle d’oca”). Forse come piacere intellettuale (“la novità e il conseguente interesse per l'esperienza del freddo e dell'umidità, la novità e l'interesse per la sensazione di contrasto”). Ma poi noti che né l'estetica né l'intellettuale sono così significative in questa esperienza e non contribuiscono così tanto ai cambiamenti che avvengono in te. Riconosci che sta accadendo qualcosa di diverso da questo. Nell'esempio del fiume, questo “inoltre” può essere espresso in qualche cambiamento nel tuo umore dopo il contatto con il fiume. Tuttavia, è improbabile che questa esperienza ti influenzi molto, poiché si tratta fondamentalmente di un fenomeno fisico. E nel caso dell’arte non c’è solo il contatto fisico. Questa può essere definita una "esperienza spirituale", che si esprime sotto forma di trasformazione del "fuggitivo" nel processo di "corsa".
Da dove viene questa esperienza spirituale nel caso della percezione di un'opera d'arte?
Un'opera d'arte nasce da quello “spazio” e da quello “spazio”, che in realtà sei “tu”. Non la persona che immagini di essere e che è soggetta a cambiamenti, non l'immagine che hai di te stesso. E colui che tutto percepisce, osserva e testimonia, ma che, a sua volta, è impossibile da percepire e da osservare. Non è “il piede che hai immerso nel ruscello”, non “il resto del corpo che è rimasto asciutto”, non “un ruscello con una forte corrente”, non “la persona che ti consideri e che subisce trasformazioni”, non la tua “mente”, che riceve piacere intellettuale dalla trama (un processo che puoi anche osservare), non un “senso estetico sviluppato” che ti permette di provare un piacere mentale a volte incomparabile (piacere che puoi vedere anche come qualcosa che esiste separatamente da te, come un processo oggettivo, il che significa che non sei tu, poiché sei tu il soggetto che osserva). Qualunque cosa tu possa osservare non puoi essere tu. "Il coltello non può tagliarsi, la bilancia non può pesarsi, gli occhi non possono vedere se stessi", questo esempio viene spesso dato da un insegnante spirituale, indicando il vero essere di una persona.
In inglese, questa cosa vera in una persona si chiama “Sé” e talvolta viene tradotta in russo come “Personalità”, il che non è corretto. Una traduzione più corretta è “Sé” o “Essenza”. Quando il Sé si identifica con il corpo fisico, sorgono tutte le altre idee e idee di una persona su se stessa come entità separata. Ne nasce una costruzione socialmente condizionata chiamata , (in inglese si chiama “persona”), “un'errata, falsa immagine di sé”. E questo non è più il Sé, ma “me stesso”, che, come qualcosa di separato, si oppone a “te stesso” (il pensiero “io”, che si oppone al pensiero “tu”). E all'inizio c'è semplicemente il “Sé”, pura Coscienza. Consapevolezza non mescolata con idee o idee. Nella tradizione spirituale indiana questo è chiamato Atman. Non entriamo però nei termini, altrimenti ci vorrà troppo tempo. In concetti diversi, il Sé viene chiamato e interpretato in modo leggermente diverso, proprio come la “personalità”*. Questi sono tutti particolari. È sufficiente capire qual è la posta in gioco. Il sé è il nostro nucleo, la nostra natura vera e originale, non toccata da nulla, eterna e immutabile. Non nato e immortale. Questo è ciò che è sempre lì, qui e ora. Permanente. Il nostro vero sé, di cui ci dimentichiamo, fin dall'infanzia ci abituiamo a considerarci come una sorta di costrutto sociale chiamato “personalità”, “persona”.
L'autore di una vera opera d'arte, spesso senza rendersene conto, crea quest'opera non tanto dalla personalità quanto dal Sé. E questo Sé del creatore non è diverso dal Sé che costituisce l'essenza del lettore. Non solo non è diverso, ma è tutt’uno con esso. È letteralmente UNO TUTTO. Coscienza universale impersonale. È Uno e Uno. Si manifesta semplicemente in modo diverso in corpi diversi. Pertanto, quando il "fuggitivo" ha a che fare con un'autentica opera d'arte, un'opera scritta dal Sé, tocca la sua vera natura, per un attimo ha l'opportunità di essere se stesso. E non la persona il cui ruolo ha dovuto svolgere fin dall'infanzia. In realtà è proprio da questa “personalità” da cui fugge che è abituato a credersi. Da tutte quelle circostanze, convenzioni, responsabilità, azioni, giudizi, autostima e altra spazzatura che ha accumulato durante la sua vita, ha assorbito, considerandosi questo o quel personaggio. Corre “sulle rive delle onde del deserto, nelle rumorose foreste di querce” (Pushkin). Letteralmente nel deserto, nel vuoto. (Gli insegnanti spirituali usano spesso il termine “vuoto” come metafora per riferirsi al Sé.) Questa è la magia dell'arte: le vere opere d'arte ci riportano a noi stessi.
Il grado di autenticità di un'opera d'arte, quindi, può essere determinato in base a quanto l'autore fosse nel puro Sé al momento della creazione dell'opera, oppure se il Sé fosse mescolato in proporzioni variabili con idee e programmi personali acquisiti da l'autore durante il viaggio della sua vita. Su questo dovrebbe fondarsi la vera critica d’arte. Solo questo può essere un criterio per determinare la purezza e la forza di un'opera d'arte. Il quale però, se è veramente reale, non ha bisogno di alcuna definizione di autenticità.
Ma per motivi di intrattenimento, esamineremo comunque alcune opere d'arte utilizzando gli esempi di seguito, cercando di stabilire con alcuni segni quanto gli autori fossero nel puro Sé (a volte questo stato è chiamato "ispirazione", "l'arrivo della Musa ”, ecc.), e mi sono chiesto se esistono programmi personali per questo (e se sì, quali).
Per ora citerò Eckhart Tolle, un altro maestro spirituale moderno che a volte interpreta i libri dal punto di vista del suo insegnamento. Di solito sceglie libri speciali, libri scritti dal puro Sé, come il Tao Te Ching e la Bhagavad Gita. In una conferenza sulle Meditazioni di Marco Aurelio, dice di questi libri: “Questi libri sono pieni di potere, sono senza tempo. ... Libri di questo tipo sono più che semplici libri. Sento che da essi emanano campi di energia vitale. E questi libri hanno una vita propria. E poi annota: “Ci guardiamo attraverso il libro. Perché ogni libro che conta parla sempre di te. E questo vale anche per la letteratura. Se leggi un libro significativo, pieno di significato profondo, parla sempre del condizionamento umano, nascosta sotto la trama c'è sempre la verità sul condizionamento dell'uomo, cioè su di te. Il libro è potente perché parla di te. ... Ci guardiamo attraverso un libro. Osserviamo la verità sul risveglio o sugli schemi mentali disfunzionali in noi stessi e ne diventiamo consapevoli. Eckhart Tolle non è un insegnante radicale come Muji. Egli chiama “modelli mentali disfunzionali” quelli che sopra vengono chiamati programmi personali (di cui è composta la personalità), ma questi sono già particolari concettuali di due approcci diversi, particolari che non ne cambiano l'essenza.
In una conferenza sul Tao Te Ching, Tolle ha parlato molto bene del motivo per cui molte opere scritte molto tempo fa non diventano obsolete, rimangono, per così dire, senza tempo: “Se un libro scritto tanto tempo fa è ancora vivo, questo significa che deve essere stato scritto da uno stato molto profondo e indica qualcosa che è senza tempo. Se non fosse scritto dallo stato profondo e senza tempo del suo autore e non indicasse che è senza tempo, un libro scritto 2500 anni fa sarebbe ora irrilevante, privo di significato, incomprensibile. Alcuni libri scritti 20 anni fa sono già obsoleti. Oppure se leggi i giornali di ieri, sono già superati. Perché qualcosa sia ancora contemporaneo, importante e profondamente significativo per molte persone, deve esserci qualcosa che trascende il tempo. ... Questo libro è un mezzo che ci aiuta a scoprire noi stessi e la nostra connessione, connessione con il tutto illimitato, con l'universo.”
Ecco perché una persona, entrando in contatto con un'opera d'arte, subisce una trasformazione. Diventa più magra, diventa più morbida, più vicina alla sua vera natura. Qualcosa di falso e superficiale se ne va. Le energie represse (desideri repressi insoddisfatti, ecc.), Che una persona ha spinto in profondità dentro di sé, vivendo secondo modelli e regole sociali, salgono in superficie e viene attivato il processo di auto-purificazione. Una persona sotto l'influenza di un'opera d'arte non solo cambia se stessa, ma anche, quando ispirata, inizia a cambiare il mondo che la circonda e forma una nuova realtà. A volte lo fa completamente inosservato da solo, semplicemente con uno sguardo, un gesto, un'intonazione quando comunica con gli amici. O forse crea lui stesso un'opera d'arte.
Questo è lo scopo più profondo e vero dell’arte. Fuggendo dal falso sé e dalle (c) false circostanze in cui inevitabilmente si trova la (c) falsa personalità, una persona tocca il suo vero sé. Sente la semplice verità. Questa è l'essenza religiosa originaria dell'arte. I primitivi lo sapevano. Pertanto, per loro, rito religioso e arte non erano separati. L'arte è letteralmente uno degli strumenti più importanti per la creazione del mondo. Come Dio (Sé) crea questo mondo attraverso le persone, come lo influenza. (È divertente che a livello superficiale questo possa sembrare una sorta di intrattenimento, come distrarre una persona da alcune "questioni veramente importanti e serie!")
Come ho già detto, ai nostri giorni l’arte autentica respira dove vuole e spesso è molto lontana dalle sale espositive e da concerto, dai ritrovi letterari e da altri “templi della bellezza” ufficialmente riconosciuti. Ad esempio Muji, il maestro spirituale già menzionato sopra, può essere considerato il più grande poeta del nostro tempo. I suoi satsang sono improvvisazioni spontanee, durante le quali, con l'aiuto di immagini, parole e intonazioni, immerge continuamente gli ascoltatori in uno stato che non è diverso dallo stato in cui una persona entra in contatto con autentiche opere d'arte. Molti altri maestri spirituali moderni (lo stesso Eckhart Tolle, Arthur Sita) possono ben essere definiti poeti moderni. Del resto, cos'altro hanno fatto tutti i grandi poeti di tutti i tempi, se non indicare la verità con l'aiuto delle immagini, delle intonazioni, della musica delle parole nate dal silenzio?
_____
* Jung considerava tutto ciò - il sé, la persona, l'ego e altre cose - come componenti di ciò che chiamava "personalità", ma qui chiamo "personalità" piuttosto la persona e l'ego. E chiamo “sé” ciò attorno al quale si formano attraverso ogni sorta di strati.
Sì, e davvero, cos'è l'arte? Questa è una domanda semplice, ma come trovare la risposta? Può essere considerata arte l'opera di un maestro, ad esempio dello stesso artista i cui dipinti sono esposti al Louvre e all'Hermitage? E come si possono stabilire criteri per certe opere di persone per chiamarle vera arte? Come rispondere a questa domanda ed esiste una sola risposta? Esprimerò i miei pensieri e le mie conoscenze al riguardo.
“L’imitazione è uno degli istinti della nostra natura. Inoltre, c'è un istinto per l'armonia e il ritmo, nonché per la proporzionalità, in cui, in particolare, si esprime il senso del ritmo. A partire da questo dono naturale, l’individuo sviluppa un’inclinazione verso la poesia per passare gradualmente dalle rozze improvvisazioni alla vera arte.” - Aristotele.
Sin dai tempi antichi, le persone hanno voluto catturare i momenti della loro vita, raccontarsi qualcosa, in modo che dopo di loro rimanesse almeno qualche traccia nella storia. Ed è stata una specie di gara. Qualcuno meglio di altri poteva scolpire la figura di una ragazza da un pezzo di argilla, un altro da un pezzo di pietra ha dato alla luce re identici alle persone viventi. Le persone creavano, mettendo un pezzo della propria anima nel proprio lavoro, e ogni giorno affinavano sempre di più le proprie capacità.
Le basi stesse dell'arte furono create da grandi imperi come Egitto, Babilonia, Persia, India, Cina, Grecia, Roma. Ciascuno di questi imperi ha dato un contributo diretto alle arti. I greci davano il tono ad un bel corpo maschile e alla sua postura. E nell'Ottocento il confronto tra il vero e il creato cominciò a essere considerato arte.
Il concetto in sé è estremamente ampio e molto diversificato, a partire da coloro che escono di notte per le strade e creano sui muri delle case, fino alle persone in frac e smoking che si esibiscono davanti al pubblico su un pianoforte scintillante. Nessuno può definire chiaramente i confini e rispondere a questa domanda. Può essere classificato solo leggermente come tradizionale e moderno. Per stile, dove è diretto, che si tratti di un artista o di uno scrittore.
L'arte è multiforme. E quei graffiti che si bagnano sotto la pioggia un giorno potrebbero diventare tradizioni, e anche adesso c'è gente a cui piacciono. L’arte è una sorta di processo creativo. E qualsiasi creazione umana può essere definita arte, l'unica cosa è che le persone potrebbero non apprezzarla. Detto questo è una banale sciocchezza.
Molti artisti hanno cercato di introdurre qualcosa di nuovo nelle basi esistenti e hanno cercato di creare qualcosa che fosse accessibile a tutti e non avesse alcun valore materiale per una certa cerchia di persone. Creare qualcosa che potesse donare armonia a tutti. È così che è apparso un movimento come il concettualismo, un'arte che deve essere compresa.
Quindi, tutto ciò che l'anima umana può ammirare può essere chiamato arte, anche se si tratta di musica per computer o balletto, opera, non importa. La cosa principale è che ispira una persona, la aiuta a pensare in modo creativo e gli fa sorridere, anche se stupido, ma tutto ciò che piace all'anima è arte. Ma ci saranno sempre delle controversie su cosa sia “bello”, cosa sia arte.
È nell'arte che si può parlare seriamente della combinazione di idealismo e realismo. Combinare qualcosa di irraggiungibile, qualcosa che non può essere toccato, con la sua espressione concreta - questo è possibile solo nell'arte, poiché la creatività è l'unica forma di pensiero umano in cui una persona può raggiungere una certa perfezione ed esprimerla in immagini artistiche.
Per contemplazione intendo semplicemente ciò che dà origine a un'immagine artistica o il pensiero che sviluppiamo in noi stessi riguardo a un'immagine artistica. Tutto questo è completamente individuale. Un'immagine artistica, il significato di un'immagine artistica può derivare solo dall'osservazione. Se non si basa sulla contemplazione, allora l'immagine artistica sarà sostituita da un simbolo, cioè da qualcosa che può essere spiegato con la ragione, e allora l'immagine artistica non esisterà - dopo tutto, non riflette più l'umanità, mondo.
Una vera immagine artistica deve esprimere non solo la ricerca di un artista povero con i suoi problemi umani, con i suoi desideri e bisogni. Deve riflettere il mondo. Ma non il mondo dell'artista, ma il cammino dell'umanità verso la verità. Basta una semplice sensazione di contatto con un'anima che è da qualche parte qui, sopra di noi, ma qui, davanti a noi, vive in un'opera, per valutarla come geniale. Questa è la vera impronta del genio.
Un artista inizia quando la sua speciale struttura figurativa, il suo sistema di pensieri sul mondo reale emerge nel suo piano o già nel suo film, e il regista lo presenta allo spettatore, lo condivide con lo spettatore come i suoi sogni più cari. Solo se ha una propria visione delle cose, diventando una sorta di filosofo, agisce come artista e il cinema come arte.
Qualsiasi attività creativa dovrebbe essere considerata un dovere dell'artista.
Ma la cosa più importante è assicurarsi di non vivere secondo uno standard e creare secondo un altro. L’ipocrisia non è mai stata una forza creativa efficace.
I miei dipinti sono interamente basati sulle mie esperienze personali. Il mio dovere come artista è trasmettere allo spettatore come io, esattamente io, percepisco la vita. ... Per compiacere lo spettatore, non posso cambiare questa lingua e adattarmi al pubblico. Se lo faccio, non rispetterò né lo spettatore né me stesso.
E voglio anche sottolineare che il compito principale dell'arte è risolvere la crisi spirituale che regna nel mondo. Deve esserci qualcosa nella società che stimoli lo sviluppo spirituale e sviluppi un senso di sé in una persona, incoraggiandolo a lottare per l'individualità e l'umanità.
Ciò che faccio nell'arte si basa sulla mia fede nella dignità delle persone a cui si rivolgono i miei film, così come nella dignità che un artista dovrebbe avere.
Insomma, durante una guerra puoi essere distrutto in qualsiasi momento. Quindi tutti sono tenuti a esserne consapevoli. Ma ho il sospetto che le persone oggi inizino a dubitare delle proprie capacità intellettuali e a perdere il rispetto di sé.(...) Il compito principale della società futura è trovare un modo per risvegliare il senso di autostima in una persona. Ciò creerà le condizioni in cui il suo mondo interiore meriterà rispetto. Non esiste alternativa; la fede nel futuro, basata sulla falsa libertà e sulla soppressione dell’autostima di una persona, equivale al suicidio.
Ogni artista, durante la sua permanenza sulla terra, trova e lascia dietro di sé qualche pezzo di verità sulla civiltà, sull'umanità. L’idea stessa di cercare, cercare un artista è offensiva. È come raccogliere funghi nella foresta. Potrebbero essere trovati, o forse no. Picasso diceva addirittura: “Non cerco, trovo”. Secondo me l’artista non agisce affatto come un ricercatore, non agisce in alcun modo empiricamente (“proverò a fare questo, proverò quest’altro”). L'artista testimonia la verità, la sua verità del mondo. Un artista deve essere sicuro che lui e la sua opera corrispondano alla verità. Rifiuto l'idea dell'esperimento, della ricerca nel campo dell'arte. Qualsiasi ricerca in questo ambito, tutto ciò che viene pomposamente chiamato “avanguardia” è semplicemente una bugia.
Nessuno sa cosa sia la bellezza. L'idea che le persone sviluppano della bellezza, l'idea stessa della bellezza, cambia nel corso della storia insieme alle affermazioni filosofiche e semplicemente con lo sviluppo dell'uomo durante la sua stessa vita. E questo mi fa pensare che la bellezza sia in realtà simbolo di qualcos'altro. Ma cosa esattamente? La bellezza è un simbolo di verità. Non parlo nel senso opposto di “verità e menzogna”, ma nel senso della verità del percorso che una persona sceglie. La bellezza (relativa, ovviamente!) nelle diverse epoche testimonia il livello di coscienza che le persone di un dato periodo hanno riguardo alla verità. C'è stato un tempo in cui questa verità era espressa nell'immagine della Venere di Milo. E va da sé che una collezione completa di ritratti femminili, ad esempio, di Picasso, in senso stretto, non ha la minima relazione con la verità. Non stiamo parlando di bellezza, non di qualcosa di carino: stiamo parlando di bellezza armoniosa, di bellezza nascosta, di bellezza in quanto tale. Picasso, invece di glorificare la bellezza, cercando di glorificarla, raccontarla, testimoniare questa bellezza, ha agito come suo distruttore, detrattore, sterminatore. La verità espressa dalla bellezza è misteriosa; non può essere né decifrata né spiegata a parole. Ma quando un essere umano, una persona, si trova vicino a questa bellezza, incontra questa bellezza, ne sente la presenza, almeno attraverso la pelle d'oca che gli corre lungo la schiena. La bellezza è come un miracolo a cui una persona assiste involontariamente. Questo è il punto.
Prima di tutto, devi immaginare cos'è l'arte. Serve allo sviluppo spirituale di una persona o è una tentazione - quella che in russo viene chiamata la parola "prelest". È difficile capirlo. Tolstoj credeva che per servire le persone, per scopi personali elevati, non è necessario farlo, ma è necessario impegnarsi nell'auto-miglioramento...
Per costruire un concetto di arte bisogna prima rispondere a una domanda molto più importante e generale: “Qual è il senso della nostra esistenza?” Secondo me, il significato della nostra esistenza qui sulla terra è ascendere spiritualmente. Ciò significa che l’arte dovrebbe servire a questo...
Se avessi inventato qualche altro principio, allora dovrei considerare il concetto di arte in modo diverso. Ma poiché in questo modo definisco il significato della nostra esistenza, credo che l'arte dovrebbe aiutare una persona nel suo sviluppo spirituale. L'arte dovrebbe aiutare una persona a cambiare spiritualmente, a crescere...
C'era un tale punto di vista: l'arte è cognitiva come qualsiasi altra forma di vita (intellettuale, spirituale) sul nostro pianeta. La conoscenza distrae sempre di più dall'obiettivo principale, dall'idea principale. Più sappiamo, meno sappiamo. Se, ad esempio, andiamo in profondità, ciò ci impedisce di vedere in modo ampio. Una persona ha bisogno dell'arte per elevarsi spiritualmente, per elevarsi al di sopra di se stessa, usando il suo libero arbitrio...
Un artista sperimenta sempre una pressione, una sorta di radiazione. Penso che in condizioni ideali l'artista semplicemente non sarebbe in grado di lavorare. Non avrebbe spazio aereo. Un artista deve sentire una sorta di pressione. Non so quale, ma devo farlo. Se il mondo è in ordine, in armonia, non ha bisogno dell’arte. Possiamo dire che l'arte esiste solo perché il mondo è mal organizzato.
Una vera immagine artistica non ha un'interpretazione razionale, ma caratteristiche sensoriali che non possono essere chiaramente decifrate. Ecco perché le leggi musicali illogiche del materiale da costruzione sono molto più accurate e artistiche del famigerato buon senso.
Religione, filosofia, arte - questi tre pilastri su cui poggiava il mondo - l'uomo ha inventato per materializzare simbolicamente l'idea di infinito, per contrapporre ad essa un simbolo della sua possibile comprensione (che, ovviamente, è letteralmente impossibile) .
La crisi del cinema si sta approfondendo e, secondo me, per fortuna. Le attuali difficoltà del cinema sono una conseguenza naturale del fatto che il cinema è stato per settant'anni una merce di mercato. Dico “per fortuna” perché posso testimoniare personalmente come l'arte del cinema rifiuti la carta straccia che viene messa sul mercato per il grande pubblico.
Da un'intervista con Andrei Tarkovsky il Giovane:
- Quali sono per te le lezioni principali di Tarkovsky Sr.?
Fin dall'infanzia mi ha instillato che l'uomo non è creato per la felicità, che esistono cose più importanti della felicità. La ricerca della verità è un percorso doloroso. Lo ha ripetuto nei suoi film. Perché la felicità – intesa nel senso del benessere materiale e di alcuni semplici valori – non può essere il senso dell’esistenza umana. Per lui – e, probabilmente, ora per me – l'arte serve a comprendere il mondo. Ecco una lezione che non dimenticherò mai.
L’arte di porre domande è una delle competenze fondamentali sia per lo studio che per l’attività professionale. I progressi nella padronanza del materiale possono essere valutati in termini di domande poste da una persona. Molte professioni si basano sulla capacità di porre le domande giuste, cioè domande efficaci per raccogliere informazioni. A medici, manager, insegnanti, avvocati, psicologi viene insegnato appositamente a fare domande. Le domande che una persona pone quando non ha informazioni mostrano il livello di comprensione del problema e la capacità di chi chiede di fare ipotesi. La capacità di porre domande aiuta a risolvere problemi intellettuali e aiuta a migliorare la comprensione reciproca tra le persone.
Una persona moderna pone domande non solo a un'altra persona, ma anche ai motori di ricerca su Internet. La capacità di evidenziare parole chiave a cui un "motore di ricerca" fornirà collegamenti significativi si basa sulla stessa arte di porre domande: semplicemente invece di porre una domanda, si chiedono parole chiave dalla risposta prevista.
Prova le seguenti attività (puoi scegliere una delle tre opzioni, ma è meglio completarle tutte).
Compito 1. Immagina di insegnare letteratura straniera e di voler scoprire quanto bene i tuoi studenti hanno padroneggiato la tragedia "Amleto" di W. Shakespeare. Quali 10 domande faresti per determinare il livello di conoscenza dei tuoi studenti? Scrivi le domande.
Compito 2. Immagina di essere un manager e uno dei tuoi subordinati è in ritardo con un compito importante. Formula 5-6 domande da porre per comprendere la causa dell'incidente e determinare una giusta sanzione. Pensa a chi potresti chiederglielo.
Compito 3. Immagina di essere un critico d'arte. Seleziona i film per il festival. Il tuo compito è scegliere 3 film tra 5 presentati al concorso. Formula 3-4 domande per coloro che hanno già visto questi film che ti aiuteranno a fare una scelta prima di guardarli.
Quali domande hai "usato" - a risposta aperta, cioè che richiedono una risposta dettagliata (ad esempio, “Quando è stata l’ultima volta che hai usato questa cosa?”) o chiuse, a cui si può rispondere con “sì” o “no” (“Stai cercando questa cosa da molto tempo ?”). Tieni presente che una domanda a risposta aperta offre all'altra persona maggiori possibilità di parlare e ti dà più possibilità di ottenere maggiori informazioni. Un altro problema con le domande chiuse è che l'idea dell'interrogante di ciò che è molto tempo fa, lontano, buono può differire significativamente dall'idea del rispondente (ecco come nascono i malintesi). Per te “molto tempo fa” è una settimana fa, ma per gli altri è ieri. Prova a riformulare le domande che erano chiuse nel tuo elenco in modo che diventino aperte.
I ricercatori identificano 5 tipi di domande.
I. Domande fattuali (o domande di conoscenza)
Tali domande hanno lo scopo di scoprire fatti e caratteristiche facili da osservare. Le risposte a domande concrete possono spesso essere giudicate giuste o sbagliate. Sebbene le domande basate sui fatti siano generalmente semplici, devi anche sapere come porle.
Le domande fattuali mirano a identificare le seguenti caratteristiche:
- chi (chi è l'autore, chi potrebbe interferire, chi ha fatto questo lavoro, ecc.);
- quando (quanto spesso, qual è la frequenza, quanto tempo fa è successo, quanto tempo fa, quando può succedere...);
- dove (quanto dista da..., come arrivare...);
- come (come è successo, come potrebbe succedere, quali qualità devi avere...)
Per l'Attività 1, un esempio di domanda sui fatti sarebbe: "Qual è il nome dell'opera di Shakespeare sul Principe di Danimarca?" Meno primitive sono le domande che influenzano la trama: “Quando e in quali circostanze Polonio fu ucciso? Quali conseguenze ha avuto questo omicidio? Per l'attività 2, tali domande diventano: "A chi ti sei rivolto per chiedere aiuto quando ti sei reso conto che non avresti potuto farlo in tempo?", "Quanto ritardo hai completato l'attività?", "Quali mezzi hai avuto per farlo?" risolvere il compito?”, “Quali conseguenze si arriva in ritardo nel portare a termine un compito? Per il Task 3, le domande fattuali saranno: “Chi è il regista del film?”, “Che esperienza di partecipazione a concorsi e festival hanno i registi?”, “Quanti soldi ha incassato il film al botteghino? "
Conta quante domande concrete ci sono nella tua lista e in quale compito la proporzione di queste domande è maggiore. Le domande sui fatti sono molto importanti per la situazione proposta nell'attività 2: per comprendere la situazione, devi prima scoprire la storia del problema e quindi le conseguenze di ciò che è accaduto. Per la situazione del compito 1, le questioni fattuali sono di minore importanza: l'aspetto fattuale del lavoro è noto e di scarso interesse. La situazione nel Task 3 presuppone che le questioni fattuali forniscano la base per il processo decisionale e debbano essere integrate da altre questioni.
II. Questioni convergenti
Queste domande non hanno una risposta chiara e richiedono molta riflessione. Né la situazione né il testo forniscono un indizio diretto. Molto spesso, queste domande sono formulate come "Perché...", "Quali sono le ragioni...", "Perché..." (Per quali scopi la persona ha agito? Quali sono le ragioni di quello che è successo? Perché non è successo?).
Una domanda convergente collega la comprensione di una persona e il materiale fattuale; questa è la prima fase di interpretazione della situazione o del testo su cui vengono poste le domande.
Ad esempio, per "Amleto" tali domande sarebbero: "Quali sono le ragioni principali della follia di Ofelia, cosa l'ha spinta al suicidio?", "Cosa spiega la vendetta di Amleto, cosa lo spinge a perseguitare sua madre e suo zio?" Per l'Attività 2, tali domande potrebbero essere: "Perché hai chiesto (o non hai chiesto) aiuto?", "Di cosa avevi bisogno per completare l'attività?" Per l'attività 3, tali domande saranno: "Quali sono i vantaggi di questo film rispetto agli altri?", "Qual è il modo migliore per mettere in sequenza i film nel programma del festival?"
Rivedi il tuo elenco di domande: quante di queste hanno lo scopo di scoprire perché e spiegare?
III. Domande divergenti
L'essenza di una domanda del genere è condizionare la situazione: "Cosa accadrà (non accadrà) se...". Una domanda divergente consente a chi risponde di capire che esiste un'alternativa. La capacità di porre tali domande è importante per molti specialisti: prendere una decisione sul trattamento, sulla punizione o sulla ricompensa deve necessariamente basarsi su una valutazione delle conseguenze della decisione. Se una domanda convergente mira a spiegare ciò che è già accaduto, una domanda divergente mira a predire il futuro.
Un'analisi di Amleto potrebbe includere, ad esempio, le seguenti domande: "Come si sarebbe sviluppato il rapporto tra Amleto e Ofelia se il padre di Amleto non fosse morto?", "Cosa sarebbe successo ad Amleto se fosse rimasto in vita e avesse punito i suoi delinquenti" ?” Per la seconda situazione, potresti porre domande: "Cosa potrebbe aiutarti a completare l'attività in tempo?", "Se utilizzassi questo o quello strumento, come influenzerebbe la situazione?" Per la terza situazione sono possibili domande: “In che modo l’inclusione di questo film nel programma del festival influirà sulla popolarità del festival?”, “Chi dovrebbe presentare il film in modo che venga notato dal pubblico?”, “Cosa farà sarà la risposta del pubblico se questo film non sarà inserito nel programma?
Studia attentamente l'elenco delle tue domande: se è possibile identificare le domande "forti" che sono significative per risolvere il problema, e quelle "deboli", quelle che potrebbero essere escluse dall'elenco. Una domanda “forte” dà una comprensione della situazione, spesso è una domanda alternativa: “Chi potrebbe fare questo, a condizione che ...”, “Quando potrebbe accadere, se …”, “Dove potrebbe accadere.. .” ecc. Sia la Situazione 2 che la Situazione 3 richiedono domande sulle opportunità. Tali domande non sono del tutto corrette per la situazione 1, poiché nel quadro di un'opera d'arte è difficile ragionare in uno stato d'animo condizionale.
IV. Domanda di valutazione (domanda di giudizio e confronto)
Queste domande collegano la comprensione della situazione e l’atteggiamento di una persona verso un evento, un libro, un film, ecc. La risposta a una domanda del genere mostra giudizi equilibrati e la capacità di evitare la categoricità. Una domanda di giudizio presuppone che l'intervistato abbia informazioni che vanno oltre la situazione, non sia indifferente all'argomento della conversazione e comprenda l'ambiguità di ciò che viene discusso.
Le domande di valutazione e confronto sono indispensabili quando devi valutare la tua comprensione di un fatto storico o di un'opera d'arte. Nella situazione 1, sono possibili le seguenti domande: "Confronta le morti di Ofelia e Giulietta, quali sono le somiglianze e le differenze tra queste eroine shakespeariane", "A quali altri eroi letterari è simile Amleto", "In che modo l'opera teatrale "Amleto" differiscono da altre opere di Shakespeare”. Per la situazione 2, tali domande potrebbero essere: “Di cosa sei responsabile e di cosa sono responsabili gli altri?”, “Valuta le tue azioni: dove hai preso la decisione giusta e dove hai preso quella sbagliata?” Per la terza situazione, la domanda di valutazione può mirare, ad esempio, a confrontare diversi film su basi diverse.
Domande sul giudizio e sul confronto sono auspicabili in tutti e tre i compiti proposti: è importante che queste domande contribuiscano a comprovare un punto di vista.
V. Domanda combinata (domanda complessa, la cui risposta può essere molto lunga)
In effetti, le domande di un tipo passano senza problemi a domande di un altro tipo. Pertanto, la domanda fattuale crea la base per gli altri tre tipi di domande. Spesso in una domanda è possibile combinare una domanda esplicativa e una domanda indovinata.
Ad esempio, nella situazione 1, puoi porre le seguenti domande: “Non tutti i personaggi dell’opera di Shakespeare interagiscono attivamente tra loro. Conferma questa posizione e trova una spiegazione per essa. Come potrebbe essere una scena di dialogo tra Polonio e il padre di Amleto? Nella situazione 2, puoi porre le seguenti domande combinate: “Quando è diventato chiaro che non eri in orario, perché non lo hai segnalato immediatamente?”, “Chi potrebbe svolgere questo compito per te, a chi lo affideresti al posto mio e perché?" Nella situazione 3, una domanda combinata può essere finalizzata a chiarire il valore artistico del film: “Quali nuove tecniche artistiche ci sono nel film, come si relazionano con le priorità del festival?”
Scopri quante delle domande che ti vengono in mente sono combinate. Pensa a come puoi collegare le domande esistenti in una domanda complessivamente completa. Il grado di interconnessione tra le domande che poni è determinato da se hai una direzione nella raccolta delle informazioni, se identifichi ipotesi preliminari e quanto variabili sono le ipotesi che proponi. Le domande combinate consentono di collegare diverse domande e, dalle risposte ricevute, di mettere insieme un "quadro" olistico della situazione studiata.
La capacità di porre domande aiuta una persona a imparare a rispondere alle domande degli altri in modo ponderato e senza fretta; rispondi ragionando e sviluppando il tuo punto di vista. Elaborare un piano per rispondere a una domanda non è altro che suddividere una grande domanda in domande più “strette”. Non è un caso che molti psicologi preferiscano parlare di arte piuttosto che di capacità di porre domande: dopotutto una domanda mostra non solo il livello di consapevolezza, ma anche la capacità di una persona di avvicinarsi all'oggetto di studio in modo non standard . Se il tuo elenco è pieno di domande combinate, domande di spiegazione, domande di previsione o domande di valutazione, probabilmente non avrai problemi a incorporare la tua creatività nell'esplorazione della situazione. Se hai avuto difficoltà a porre domande “potenti”, ciò non significa che hai poca capacità in questo senso. Prova a trasformare le tue domande in domande più complesse e, per fare ciò, "accendi" il tuo interesse per il compito.
V. R. Schmidt, candidato alle scienze psicologiche
Commento all'articolo "L'arte di porre domande - mini training di pensiero"
Maggiori informazioni sull'argomento "Come imparare a porre correttamente le domande: formazione per adulti":
Corsi di formazione sulla conoscenza di sé. Sono efficaci? Imparare le lingue straniere. Educazione degli adulti. Questo è quello che ha fatto il mio amico proprio di recente. Ho scelto la formazione per aumentare l'autostima, volevo anche imparare a capire le persone e raggiungere il successo in futuro...
L'arte di porre domande è un mini allenamento al pensiero. L’arte di porre domande è una delle competenze fondamentali sia per lo studio che per l’attività professionale.
L'arte di porre domande è un mini allenamento al pensiero. Ma ho una domanda: stanno cercando di convincermi a iniziare a produrre tali materiali video su video e CD, in teoria: li compreresti e per quanto?
L'arte di porre domande è un mini allenamento al pensiero. Quali 10 domande faresti per determinare il livello di conoscenza dei tuoi studenti?
Sondaggio. Del tuo, di quello della tua ragazza. Discussione di questioni relative alla vita di una donna in famiglia, al lavoro, nei rapporti con gli uomini. Sono rimasto sorpreso dall'ultima domanda: "possiamo permetterci tutto, anche l'acquisto di immobili". Il settore immobiliare, se parliamo di alloggi per una famiglia, è una cosa urgentemente necessaria.
Discussione di questioni familiari: amore e gelosia, matrimonio e infedeltà, divorzio e alimenti Per adulti e bambini sopra i 13 anni. Se una persona non può imparare velocemente e unirsi a una nuova persona, come può imparare a dire “no”? Dimmi come rifiuti le richieste se non vuoi...
Discussione di questioni relative alla vita di una donna in famiglia, al lavoro, nei rapporti con gli uomini. E biologicamente questo è assolutamente corretto. Non capisco perché tu debba conoscere te stesso se hanno bisogno di formazione per questo. puoi andare in qualsiasi cantiere. Ci sono molti visitatori amichevoli a...
Ci è stato assegnato il compito di imparare la regola durante il fine settimana. L’ho imparato, ma non riesco a capirlo. In generale, la nostra lingua russa non è molto buona, ma per quanto riguarda l'analisi della composizione, i casi arrivano, e ora si tratta di declinazioni, in generale, che vanno e vengono. Ad essere onesti, sono molto nervoso. Dimmi qualcosa: un libro, un sito web, sulle dita come spiegare, calmarti e bere la valeriana :))
Come porre correttamente domande alle frasi? Per prima cosa l’adulto fa le domande e il bambino risponde. L'arte di porre domande mini-thinking training. Molte professioni si basano sulla capacità di porre le domande giuste, cioè domande efficaci per raccogliere...
Discussione di questioni familiari: amore e gelosia, matrimonio e infedeltà, divorzio e alimenti, rapporti tra persone :) Come imparare senza usare? Davvero non capisco. Impara - ai seminari, ai corsi di formazione per principianti. Quindi esercitati lentamente con gli estranei.
L'arte di porre domande è un mini allenamento al pensiero. Molte professioni si basano sulla capacità di porre le domande giuste, cioè domande efficaci per raccogliere informazioni. Puoi farlo! E la domanda “Come stai?” impostato in modo completamente automatico, quando in realtà...
Come imparare a mentire ed essere un ipocrita? Padri e figli. Relazioni familiari. Come imparare questo? Come impostarti? magari qualcosa da leggere? mia suocera si è insinuata nella mia stanza. L'ho pensato anch'io e ho anche fatto una domanda su mia madre. È diventato interessante, ma come fa una persona a rispondere a domande simili a mia madre...
Domande dell'intervista. Ho letto l'argomento discusso di seguito sullo svolgimento dei diplomi in 4a elementare. In prima elementare, ci sono state poste domande: cosa ti è piaciuto/non ti è piaciuto a scuola, le tue materie preferite, qual è stata la cosa più interessante/divertente, chi sono i tuoi amici. , cosa vuoi diventare.
Si chiama "Parental Competence Training - Formazione per i genitori", condotto dall'Istituto. Argomenti principali: Come forzare adeguatamente un bambino a cambiare il suo comportamento. Come prevenire deviazioni nel comportamento di un bambino. Come imparare ad essere genitore di un adulto...
1. "Parola proibita". Scegliamo una parola proibita, può essere di qualsiasi colore (giallo) o qualità (piccolo). Lanciamo la palla al bambino mentre facciamo domande. (Il mare è blu e il sole? Di che colore è la rosa? E la margherita? L'elefante è grande e il topo?) Il bambino deve dare una risposta precisa, senza dimenticare di dire "abracadabra" invece delle parole proibite. Esercizi per sviluppare l'attenzione
È improbabile, è solo che tu (e la maggior parte degli adulti corretti) fai tutto bene per inerzia o perché forse dovresti smettere di fare commenti e fare domande, ma guarda altre discussioni sull'argomento “come imparare a non leggere la morale a uno scolaretto "
Il primo colloquio in tutela... ...trovo difficile scegliere una sezione. Adozione. Discussione sui problemi dell'adozione, forme di inserimento dei bambini nelle famiglie, educazione dei bambini adottati, interazione con la tutela, formazione a scuola per i genitori adottivi.
Come imparare la comunicazione d'impresa? Domanda seria. Del tuo, di quello della tua ragazza. Come imparare la comunicazione d'impresa? Oppure non so come chiamarlo. Vuoi qualcosa di gratuito e abbastanza efficace? vai ai corsi di formazione gratuiti per i networker, Oriflame è tutto lì e così via.
L'arte di porre domande è un mini allenamento al pensiero. Mini-allenamento al pensiero. 5 tipi di domande: domande di conoscenza, domande convergenti Trova il lavoro dei tuoi sogni o ama quello che hai.
