Storia della danza come forma d'arte. Storia dell'emergere e dello sviluppo della danza Storia della cultura della danza

Sin dai tempi antichi, la danza è stata una parte importante di cerimonie, rituali e festività. Tuttavia, fino ad oggi non è sopravvissuta praticamente alcuna informazione sulle danze antiche e sulle loro descrizioni. Oggi non si conoscono molte danze antiche, ognuna delle quali ha una storia interessante. È vero, queste danze sono attualmente sull'orlo dell'estinzione.

1. Ballando con i morti

Madagascar
I residenti dell'isola del Madagascar eseguono un rituale unico, "danzando con i morti", una volta ogni sette anni. Durante questa cerimonia, accompagnata da musica dal vivo, aprono le cripte contenenti i resti dei loro parenti, li portano fuori e avvolgono i morti in panni nuovi e puliti.

Con gli animali sacrificati viene preparato un dolcetto. Quindi iniziano le danze gioiose con i morti tra le braccia.

2. Danza di San Vito

Germania
La mania della danza, un fenomeno inspiegabile del Medioevo dei secoli XIV-XVII, noto come le danze di San Vito, è una delle prime forme descritte di “follia di massa”. Decine, centinaia di persone in stato di incoscienza potevano ballare fino allo sfinimento completo per giorni e settimane fino al collasso.

Il primo focolaio di questa mania fu notato nel 1374 nella città di Aquisgrana, per poi diffondersi in tutta Europa.

3. Dervisci rotanti

Turchia
La famosa danza dei “dervisci rotanti”, “sema”, ha un significato rituale. I suoi partecipanti, i Semazen, sono i dervisci della confraternita Mevlevi. Sema è più di una danza, è un processo magico. I dervisci, nel processo di rotazione, inclinano la testa in modo da comprimere l'arteria carotide e, di conseguenza, cadono in trance e raggiungono l'unione con il divino.

Ogni elemento è simbolico. La gonna bianca rappresenta il sudario, il cappello di pelo di cammello rappresenta la lapide. Gettare via il mantello nero simboleggia la rinascita spirituale. La confraternita Mevlevi, alla quale appartengono i dervisci, fu fondata nel XIII secolo in Turchia dal loro mentore Mevlevi ed esiste ancora oggi.

4. Danza del Wendigo

Canada
I Wendigo degli indiani Algonquin sono mostri mangiatori di uomini emaciati ed eternamente affamati con capelli arruffati e pelle in decomposizione.

Gli indiani hanno una danza tradizionale in cui alcuni ballerini raffigurano satiricamente terribili mostri che divorano le persone, mentre altri raffigurano coraggiosi cacciatori di Wendigo.

5. Tarantella

Italia
La tarantella è un ballo molto veloce che nasce nel XV secolo a Napoli. Il suo nome, secondo una versione, è associato alla città di Taranto, secondo un'altra - al ragno, la tarantola, trovato in questi luoghi. Per molto tempo si è creduto che il suo morso portasse al “tarantismo”, una malattia mortale che può essere curata solo con una danza incontrollabile e frenetica, a seguito della quale il sangue accelera e le tossine vengono rilasciate.

A quei tempi le orchestre giravano anche per l'Italia appositamente per chi soffriva di “tarantismo”. E solo 300 anni dopo si scoprì che il morso di questo ragno non è affatto mortale, ma provoca solo un leggero gonfiore attorno alla ferita.

6. Morris Danza

Inghilterra
La danza Morris è un'antica tradizione inglese. Molti credono che la danza abbia avuto origine nel lontano passato pagano dell'Inghilterra, come danza rituale della fertilità tra i Celti. Altri credono che sia nato molto più tardi.

Nel XVI secolo, la danza con costumi elaborati e campanelli sugli stinchi divenne molto popolare nelle corti europee. Questa danza viene ballata ancora oggi in Gran Bretagna.

7. Danze in onore di Kachin

Arizona, Utah, Colorado/Stati Uniti
Secondo gli Hopi, ogni cosa in natura è piena di spiriti Kachina, che vivono con gli indiani nei loro villaggi per sei mesi e ritornano nel loro mondo alla fine di luglio. Per salutare i Kachina, gli Hopi eseguono una danza in loro onore per otto giorni interi.

Cinquanta ballerini in maschere e costumi colorati, che rappresentano gli spiriti, ballano tutto il giorno al suono di tamburi e canti. Alla fine della vacanza, come credevano gli Hopi, gli spiriti si recavano in montagna nelle loro case fino a novembre.

8. Danza della sciabola

Pakistan/Nepal
La danza della sciabola è uno dei rituali più comuni al mondo. In Pakistan e Nepal sono un attributo obbligatorio dei matrimoni e di altre celebrazioni. Da Creta arrivarono nell'antica Grecia. Si diffusero ampiamente anche in Europa, soprattutto nelle zone limitrofe al Sacro Romano Impero e ai Paesi Baschi. Nel corso di circa quattromila anni, le culture del mondo hanno sviluppato queste danze. Sono diventati parte integrante delle arti marziali.

In Cina, la danza della sciabola è diventata anche una delle quattro danze principali dell'opera cinese. Solo gli ottomani vietarono l'esecuzione della danza della sciabola, credendo che con questo pretesto avrebbero acquistato armi per il movimento di Resistenza.

9. Danza rituale del candoble

Brasile
La strana e misteriosa religione del Candoble, bandita fino alla metà del XX secolo, apparve in Brasile in seguito all'importazione di schiavi dall'Africa. Uno dei suoi rituali principali è una danza con ripetizione infinita di movimenti monotoni, a seguito della quale il ballerino cade in uno stato di trance.

Si ritiene che allo stesso tempo sia abitato da uno degli dei, comunicando con il quale può purificare la sua anima. La danza viene eseguita accompagnata da un tamburo brasiliano e da sonagli.

10. Danza Zalongo

Grecia
Questa non è proprio una danza e ogni greco conosce questa storia. È stato un atto di suicidio di massa di fronte al genocidio. Nel 1803, dopo la firma dell'accordo di pace, il vassallo ottomano Ali Pasha lo violò e attaccò i Souliot con l'obiettivo di schiavizzare le loro donne e uccidere i loro uomini. Per protesta un gruppo di 50 donne con bambini in braccio si è arrampicato sulla scogliera di Zalongo. Prima hanno buttato giù i loro figli e poi si sono lanciati.

Le voci su questo si diffusero ovunque, nelle terre ottomane e in Europa, artisti e poeti immortalarono queste donne nelle loro poesie e dipinti. Si diceva che le donne ballassero e cantassero canzoni popolari, ma forse questo dettaglio fu aggiunto successivamente per potenziarne l'effetto.

BONUS

La danza è la cosa più sublime, la più emozionante e la più grande

la più bella di tutte le arti, perché non è giusta

un riflesso della vita o una distrazione da essa, ma la vita stessa.

(Havelock Ellis. “La danza della vita”)

Cos'è la danza? Cos'è il Divino? arte di Tersicore cosa sono le origini della sua comparsa e i principi di sviluppo? Qual è, infine, la sua attrattiva che non è svanita nel corso di migliaia di anni? Ti sei mai posto queste domande? Ma le risposte potrebbero essere molto interessanti per molte persone. E non solo a chi fa coreografia per natura della propria professione, ma anche a storici, critici d'arte, sociologi e tanti altri. In effetti, la danza, come fenomeno puramente sociale, rappresenta un intero strato che, attraverso i suoi metodi e tecniche, riflette lo sviluppo storico, sociale e culturale della società umana. Questo strato è molto interessante e, a mio avviso, non è stato “arato” abbastanza in profondità dalla scienza moderna. Gli storici si sono concentrati maggiormente sugli aspetti dello sviluppo economico e socio-politico della società, gli storici dell'arte prestano molta più attenzione all'architettura o alla pittura, e sui palcoscenici teatrali moderni e soprattutto pop, la danza gioca un ruolo lontano dal primo posto rispetto alla voce o al stesso genere conversazionale. Perché tale sfavore? Dopotutto, l’arte coreografica è forse la più antica del mondo; è sopravvissuta a migliaia di anni, avendo avuto origine nell’ambiente umano in un’epoca in cui ancora non esisteva una società civilizzata con la sua economia e politica. Perché la danza, che agli albori della storia umana, insieme al culto e alla magia, era la più importante di tutti i tipi di attività mentale e socio-culturale delle persone, ora è passata in secondo piano? Quando e perché è successo questo? Cercheremo di comprendere tutta questa varietà di questioni.

E torniamo al primissimo. Allora, cos’è, in definitiva, la danza? Per rispondere a questa domanda è necessario arrivare alle radici, alle origini. Allora rimbocchiamoci le maniche e approfondiamo insieme. Ma prima abbiamo bisogno di una “pala”, cioè un metodo con cui classificheremo e disporremo le radici in scaffali. E questo metodo esiste. È abbastanza semplice: è un metodo di selezione logica. Ragioniamo infatti logicamente su ciò che potrebbe costituire la base per l'emergere dell'arte della danza nella società umana. Ciò che ha bisogno ha dettato la comparsa di movimenti ritmici del corpo di un tipo o dell'altro. È chiaro che la danza non è qualcosa di cui una persona non può fare a meno, come, ad esempio, senza acqua o cibo. L'uomo, come specie, ha attraversato un percorso evolutivo lungo e molto difficile, in cui il suo compito principale era la sopravvivenza. Recentemente ho potuto visitare uno dei più antichi siti dell'uomo primitivo in Russia: la grotta Akhtyshskaya nel sud della regione di Krasnodar, dove i primi strati culturali con tracce di attività intelligente risalgono a 300 mila anni fa, cioè risalgono al all'era dei Neanderthal, che poi, circa 50mila anni fa, sostituirono nella grotta i siti dei Cro-Magnon, gli uomini moderni. Avendo trascorso solo mezz'ora in questa grotta cupa, scomoda e buia con il soffitto basso, pareti e pavimento umidi, dove anche nelle giornate più calde la temperatura non supera i 10-12 gradi Celsius e dove i predatori potrebbero facilmente vagare e i serpenti strisciare , Immaginavo molto chiaramente quanto fosse difficile la vita dei popoli primitivi. Ciò significa che se un uomo antico trascorreva parte del suo tempo prezioso non nel procurarsi il cibo o nell'organizzare la propria vita, ma nella pratica di questi stessi movimenti ritmici del corpo, allora questo era davvero molto importante per lui. Cosa poteva essere così importante per i nostri lontani antenati? Molti sono propensi a credere che si tratti di cerimonie rituali. Sì, è logico. Con gli dei e i demoni non bisogna scherzare. Devono essere costantemente venerati, placati e sacrificati, ma, vedete, per venerare e fare sacrifici non è affatto necessario galoppare, saltare, girare e dimenarsi con un certo ritmo e ritmo. Puoi fare tutto in modo molto più razionale e con meno sforzo, che sarà comunque necessario durante la caccia o in una guerra con i vicini. Molto probabilmente, la ragione dell'emergere della danza è un po' più profonda di quanto si creda comunemente.

Se si crede ai numerosi dizionari esplicativi ed enciclopedie di oggi, allora si può generalmente definire la danza come una forma d'arte che riflette manifestazioni esterne della vita in forma figurativa e artistica, attraverso i movimenti del corpo umano, le espressioni facciali e la pantomima. "Ballare. Non è lui quello che vediamo?!” si chiede P. Valerie nel suo saggio “Soul and Dance”. Sì, è vero, ma non proprio. Non tutto può essere spiegato semplicemente dalla reazione di una persona al mondo che la circonda. In questa occasione il grande Goethe fa un'affermazione molto opportunamente interessante: "... cos'è l'apparenza della natura vivente, se non una manifestazione in continua evoluzione dell'interiore?" Brillante! Ricordiamo queste parole. La stessa idea è sviluppata nella sua opera “Componendo una danza” del famoso coreografo, artista popolare dell’URSS Rostislav Zakharov: “La danza si basa sull’azione. Ma non può esserci alcuna azione esterno nessuna azione interno. Tutte le azioni esterne, espresse in movimenti, gesti, posture, passi di danza, hanno origine e si formano internamente - in pensieri, sensazioni, sentimenti, esperienze. Quindi siamo arrivati, mi sembra, alla fonte. La causa principale dell'emergere della danza, così come del culto religioso, era la psiche, il mondo interiore e spirituale dell'uomo. Secondo me il culto non ha dato vita alla danza, ma è apparso contemporaneamente ad essa. Queste furono le primissime manifestazioni sociali esterne della sempre più complessa psiche interiore dell'uomo agli albori del suo sviluppo come specie. Sono stati questi fenomeni sociali, insieme all'aumento del volume del cervello, della postura eretta e del linguaggio articolato, i fattori decisivi dell'evoluzione che hanno permesso all'uomo moderno di distinguersi finalmente dalla natura. Il grande fisiologo Pavlov credeva che uno dei principali riflessi umani fosse riflesso di iniziativa. La psiche divenne l'iniziatore l'avvento della danza, come fenomeno sociale. Naturalmente, all'inizio era strettamente intrecciato con il culto e la magia, non potevano essere separati l'uno dall'altro; La divisione e la specializzazione più ristretta di questi fenomeni avvenne molto più tardi. E il culto gradualmente prese il sopravvento. Perché è così? E' molto semplice. Nelle prime fasi di differenziazione della società umana, dalla massa generale della comunità tribale emersero due gruppi sociali privilegiati: capi militari e capi spirituali, sciamani, guaritori e stregoni. Naturalmente, si trattava per la maggior parte di persone intelligenti ed energiche, che si resero conto molto rapidamente della necessità di unire i loro sforzi per preservare e aumentare il loro speciale status sociale. Il principale metodo di influenza spirituale sui parenti più oscuri e primitivi a quel tempo era un culto che imponeva la paura e la venerazione degli dei, degli spiriti e di altri poteri superiori. Nel mondo antico dell'età della pietra, non esisteva forza che agisse sulle menti delle persone più forte della paura delle forze sconosciute della natura, su cui faceva affidamento il culto. Ballare in queste condizioni, passò in secondo piano e cominciò a “servire” solo i rituali, a decorarli e ad aumentare il fattore di impatto psicologico ed energetico-emotivo sui partecipanti a riti e cerimonie religiose. Parleremo dell’impatto della danza sul corpo umano, ma ora torniamo alla questione delle ragioni della sua origine.

L'emergere della danza, come ogni fenomeno psico-fisico, aveva il suo meccanismo. Proviamo a ricrearlo. Per fare ciò dovremo fare una piccola, ma assolutamente necessaria, escursione nella storia antica per cercare di rispondere alla domanda: quando è nata la danza? Senza entrare nei problemi dell'antropogenesi, che esulano dall'ambito dell'argomento che ci interessa, diciamo brevemente che la specie biologica dell'uomo moderno, Homo sapiens, alla quale io e te apparteniamo, si divide in due sottospecie: omosapiensneanderthalelaensis (Neanderthal) eomosapienssapiens (Cro-Magnon).

La cultura musteriana creata dai Neanderthal nel Paleolitico inferiore era la più sviluppata di tutto ciò che esisteva prima della comparsa degli esseri umani moderni in Europa, e gli stessi Neanderthal erano i più vicini a noi in termini di livello di sviluppo mentale e struttura biologica, e in termini di in termini di volume del cervello, i Neanderthal classici superavano persino quelli moderni. Quindi forse sono i primi "inventato" la danza? Per la prima volta si scoprono in essi i rudimenti della cultura spirituale. La base di questa conclusione è l'emergere tra i musteriani dell'usanza di seppellire i morti, che non si osserva tra gli ominidi precedenti, per non parlare del mondo animale, così come il culto dei teschi e delle mandibole degli orsi. Tuttavia, è difficile dire in modo definitivo sull'emergere della cultura spirituale nell'era musteriana a causa dell'assenza di segni e persino immagini durante questo periodo. Lo stesso vale per la lingua dei Neanderthal. Probabilmente avevano una buona comunicazione, ma di che tipo? Studi recenti su scheletri conservati omoheanderthalelaensis suggeriscono che potessero produrre solo suoni aspri in falsetto, la loro laringe era meno sviluppata rispetto alle persone moderne; È del tutto possibile che i Neanderthal avessero un sistema di comunicazione sonora piuttosto complesso, rispetto ad altre specie biologiche, ma questo sottosviluppo della laringe apparentemente ha impedito loro di sviluppare un linguaggio integrale e articolato, senza il quale, infatti, non può esserci piena intelligenza. spiritualità vera e propria in senso lato. Per l'emergere di un processo socio-culturale così complesso come arte della danza(come, del resto, qualsiasi altro tipo di arte) deve svilupparsi nella società un livello sufficientemente elevato di pensiero, comunicazione e spiritualità in modo che sorga un bisogno urgente, che avvia nascita della danza , come realizzazione materiale, motoria di questo nuovo bisogno. E la stessa struttura corporea dei Neanderthal non era molto adatta alla danza. Piccoli di statura, muscolosi, tozzi con gambe corte e potenti, stavano saldamente in piedi, ma chiaramente non erano adatti per correre, saltare e tutti i tipi di movimenti plastici leggeri. COSÌ ballerini, a quanto pare, non erano importanti e l'emergere di una cultura della danza, nella nostra comprensione, risale molto probabilmente al successivo Paleolitico superiore, l'era del dominio di un tipo moderno di uomo o, come viene spesso chiamato, l'Uomo di Cro-Magnon. La moderna analisi molecolare mostra che i Neanderthal erano molto probabilmente un ramo laterale e correlato dell'evoluzione, e non i diretti predecessori e progenitori dell'Homo sapiens sapiens. Ora molti scienziati credono che provenga dall'Africa, dove le sue prime tracce si trovano circa 100mila anni fa. In Europa compare circa 50mila anni fa e per qualche tempo convive con i Neanderthal. Ma, dopo aver gradualmente soppiantato i Neanderthal e averli assimilati solo in piccola parte, i Cro-Magnon, come specie più sviluppata, acquisirono il dominio completo. I Neanderthal, incapaci di reggere la concorrenza, scompaiono per sempre dalla scena storica. Gli scavi dei primi siti europei di Cro-Magnon mostrano che durante il periodo della loro coesistenza con i Neanderthal, questi ultimi erano spesso inclusi nella catena alimentare del nuovo Uomo. In poche parole, I Cro-Magnon cacciavano i Neanderthal, come gli animali selvatici, senza fare molta differenza tra loro. Ciò è confermato dal ritrovamento di ossa di Neanderthal in cumuli di rifiuti alimentari vicino ai siti dei primi esseri umani moderni. Una persona di tipo fisico moderno porta con sé nella storia segni indubbi e stabili dell'esistenza culturale: linguaggio articolato, immagini, segni, simboli, ecc. Tutto ciò dà quel livello di integrazione delle connessioni che si chiama cultura. Pertanto, diamo incondizionatamente il “copyright” per l’“invenzione” della danza all’“Homo sapiens sapiens”. E questo evento molto probabilmente avvenne nel Paleolitico superiore, contemporaneamente all'emergere delle prime credenze di culto e delle belle arti. Tutto questo è accaduto tanto tempo fa, e ci sono così pochi materiali archeologici e di altro tipo che è impossibile dire qualcosa con certezza, ma secondo la logica delle cose, il tempo più probabile, in senso cronologico nascita di tradizioni di danza sembra essere il periodo della Madeleine (15 - 10 mila anni fa).

È stato durante questo periodo arte primitiva e, soprattutto, la pittura rupestre raggiunge il suo massimo sviluppo. Le gallerie rupestri più famose e perfette risalgono al periodo magdaleniano: Lascaux, Altamira, Montespan. È logico supporre che fu durante questo periodo, quando la crescente complessità della psiche umana e della comunicazione fece emergere il bisogno di belle arti, che potesse sorgere il bisogno di altre forme d'arte - inclusa la danza, la conferma di ciò è fornito dalle pitture rupestri nelle grotte di Francia e Spagna, dove su 1794 disegni - 512 raffigurano persone in diverse pose e momenti di movimento, che si ripetono periodicamente, inoltre, circa 100 disegni sono dedicati ad alcune specie di creature umanoidi. Se consideriamo che la pittura rupestre è molto realistica, anche fotografica, l'artista non poteva ancora pensare in modo astratto, non ha inventato nulla e ha dipinto ciò che ha visto con i propri occhi, allora ci si può chiedere: cosa ha visto? Se scartiamo la versione di alieni o mutanti, molto probabilmente si tratta di persone vestite da animali o di qualche tipo di spirito che imitano.

Fermare!!! Quindi i disegni più antichi, che sono essenzialmente le prime fonti storiche, mostrano imitazioni di animali o spiriti della natura! Ma cos'è? Prova a rappresentare qualsiasi animale o fenomeno naturale senza parole, come nel famoso gioco per bambini, quando alcune persone raffigurano qualcosa e altre devono indovinare di cosa si tratta. Come imiterai? Puoi solo imitare suoni, espressioni facciali e movimenti del corpo, e cos'è questo se non il massimo danza anticipata in sostanza! Una conferma indiretta che la danza abbia avuto origine nell'era della Madeleine è il fatto che la comparsa dei primi strumenti musicali tra gli uomini risale all'incirca a questo periodo: ad esempio, un flauto fatto di corna di renna dal sito di Molodova e un martello anch'esso fatto di corna di renna e battitori fatti di zanne di mammut dal sito di Mezinskaya. E quindi possiamo parlare dell'inizio dello strato musicale dell'arte primitiva. Abbiamo già menzionato lo stretto intreccio di tutti i generi dell'arte preistorica. Sulla base di ciò si può affermare con un alto grado di probabilità che inizio musicale non era separato dal movimento, dai gesti, dalle espressioni facciali, dalle esclamazioni, cioè Infatti - dal ballare.

Abbiamo quindi risposto alla prima delle domande poste: quando potrebbe essere nata la prima cultura della danza? Nell'era magdaleniana del tardo Paleolitico circa 15-10 mila anni fa. Purtroppo, ballare non lascia dietro di sé un monumento materiale così oggettivo e durevole che possa essere datato con precisione, come la pittura o l'architettura, ma è improbabile che ciò possa essere accaduto molto prima: la società umana semplicemente non era ancora pronta. Ora andiamo oltre e proviamo a rispondere alla seguente domanda: Come è emersa la cultura della danza?

Lo abbiamo già detto arte della danza ha avuto origine nel profondo della sempre più complessa psiche umana ed è diventata una manifestazione esterna del bisogno di una persona per un certo tipo di movimenti del corpo. Ti incontriamo continuamente con tali esigenze. Ad esempio, dopo essere stato a lungo seduto a tavola, vuoi alzarti, allungarti e sgranchirti le gambe. Lo facciamo di riflesso, a livello dell'istinto, senza nemmeno pensare. Perché lo stiamo facendo? Sì, ci sentiamo molto meglio dopo questo! Oltre all'istinto e ai riflessi naturali, una persona ha una memoria biomeccanica. Siamo in grado di ricordare i movimenti del corpo che ci piacciono, dopo di che ci sentiamo meglio e più energici, e possiamo riprodurli. Una persona non può vivere senza movimento muscolare! Se qualche organo, per un motivo o per l'altro, rimane inattivo per un certo periodo, inevitabilmente si atrofizzerà. È lì che è sepolto il cane! Abbiamo bisogno di movimento per vivere! Tutto in questo mondo è in costante movimento, tutto vibra e cambia. L'uomo è figlio di questo mondo e non può esistere separatamente dalle sue leggi oggettive. E una delle leggi principali di Madre Natura è la legge del movimento e del cambiamento perpetui. “Niente dura per sempre”, “Tutto scorre, tutto cambia”, dice la saggezza popolare. Pertanto l'uomo è stato costretto, oltre ai necessari movimenti produttivi, ascoltando la voce della natura, a compiere ulteriori movimenti per mantenere la propria vitalità. Sembrerebbe, perché ne avrebbe avuto bisogno, perché la vita primitiva era fisicamente difficile e piena di pericoli, l'uomo faceva già molta attività fisica e chiaramente non soffriva di inattività fisica. Ma no!

Vi è mai capitato che, dopo un'intensa giornata di lavoro, di “corsa” e “sofferenza”, vi ritrovaste all'improvviso in una bella discoteca, e addirittura in buona compagnia?! E dopo aver ballato e divertito lì dal profondo del cuore, come ti sei sentito dopo? Sicuramente hai provato una sensazione di gioia, piacere e, soprattutto, euforia, anche se fisicamente potresti essere stato stanco. Ma mentalmente hai ricevuto un tale impulso energetico che ti ha riempito di nuova forza e ha giustificato i costi energetici per la sua acquisizione. Siamo esseri con una psiche complessa ed altamente organizzata, i nostri sentimenti e pensieri influenzano i nostri campi energetici e quindi la carica mentale, spirituale è per noi ancora più importante di quella fisica, poiché è la nostra psiche che, attraverso impulsi bioelettrici, controlla tutti i processi fisici nel nostro corpo. Sono convinto che sia stato proprio questo bisogno di ricarica mentale periodica a dare origine ai primi bisogni umani ritmico movimenti del corpo. Nota: non nei movimenti semplici, ma ritmici del corpo. Perché è così? Sì, perché tutti i nostri organi interni, l'intero corpo e il sistema nervoso sono in costante vibrazione e pulsazione, che hanno il loro ritmo: il cuore batte ad un certo ritmo, anche il ciclo respiratorio si svolge rigorosamente ritmicamente, ecc. Pertanto, la carica psicoenergetica dovrebbe essere effettuata anche in modo ritmico, per non cadere in dissonanza con i ritmi biologici naturali del corpo. E quest’uomo ha cercato l’equilibrio in modo puramente empirico, attraverso tentativi ed errori. La cosa interessante è che questo processo continua ancora oggi! Penso che tu abbia osservato più di una volta come una persona, dopo aver ascoltato la musica ritmata e giocosa che gli piaceva, ha iniziato a oscillare, calpestare e contorcersi involontariamente al ritmo di questa musica. È così che gli antichi “creavano” quasi a livello inconscio, finché prima o poi sviluppavano un certo “complesso” di movimenti ritmici del corpo -! Ovviamente non si somigliavano molto danza moderna, ma avevano anche altri compiti. In questo caso, non stiamo parlando delle danze che ci sono familiari, ma della cultura delle prime forme di movimenti ritmici del corpo accompagnati da un accompagnamento primitivo, molto probabilmente vocale e rumoroso, che può essere classificato come l'inizio stesso della danza cultura. Era indissolubilmente legato all'emergere della magia e delle prime forme di religione, nonché alla cultura musicale e visiva. Tutti questi fenomeni sono apparsi, secondo me, quasi contemporaneamente ed esistevano, inizialmente, come un unico complesso di attività mentale umana volta a comprendere il mondo che ci circonda e se stessi. Oltre a tutto, musica e danza sono in grado di avere non solo un effetto fisiologico, ma anche un potente effetto emotivo sul corpo umano. L'ascolto di buona musica e la ricarica motoria ritmica fanno sì che il corpo rilasci inoltre gli ormoni della gioia e del piacere: le endorfine, che stimolano l'intero sistema nervoso. Lo so per esperienza personale. Questo è il motivo per cui molte persone amano ballare. Traggono grande piacere dal processo di fusione della musica e del movimento del corpo. Questo è un altro motivo indiretto l’emergere della cultura della danza. Alle persone piaceva ballare. Si sono divertiti! E se ti piace qualcosa, provi piacere da qualcosa, troverai sempre tempo e opportunità per farlo.

Quindi, non furono i bisogni dei primi rituali religiosi a dare origine nascita dell’arte della danza, questo iniziatore era la psiche stessa dell'uomo antico, il suo bisogno di ricarica ritmica periodica e il crescente bisogno di conoscenza del mondo, espressione di sé e piacere. E i rappresentanti del culto, le persone, di regola, le più intelligenti e sviluppate per il loro tempo, notarono rapidamente cosa impatto mentale ed emotivo rende musica e danza su una persona e iniziò a usarlo come mezzo per migliorare la sua influenza sulle menti e sui cuori dei suoi compagni tribù durante l'esecuzione dei rituali. Inoltre, primi balli molto probabilmente c'erano gruppo, e la folla ha un effetto di risonanza, aumentando ripetutamente il grado di impatto su ogni singolo partecipante al rituale. Perché penso questo? Il cosiddetto “effetto gregge” nel linguaggio comune sembra familiare a tutti. La massa ha un'enorme influenza sull'individuo, subordinando la sua volontà individuale e coinvolgendolo nel suo processo. Era impossibile e inutile resistere a questa influenza nella società primitiva, un individuo non poteva sopravvivere da solo, senza la sua comunità; Pertanto, alla fine tutti dovevano accettare le regole generali del gioco, stabilite, di regola, dalle persone più intelligenti e autorevoli: leader e sacerdoti. Partecipando a celebrazioni a livello di gruppo, danze rituali e rituali, in cui erano coinvolti quasi tutti i membri della comunità, una persona si sentiva parte di un tutto comune più ampio, si sentiva protetta e ne veniva ricaricata energeticamente ed emotivamente. Esattamente balli e balli di gruppo la maggior parte soddisfaceva i requisiti necessari che inizialmente imponeva la vita sociale sempre più complessa arte della danza emergente .

Vicepresidente della Federazione di danza contemporanea di Volgograd (VFST),

insegnante senior del dipartimento di coreografia dell'Istituto di educazione artistica dell'Università pedagogica statale di Voronezh;

Capo del Centro centrale delle comunicazioni "Dynamo-Volgograd"

Chernikov Konstantin Petrovich

Conversazione per gli studenti più giovani

“Storia dell’origine e dello sviluppo della danza”

(nel quadro dello sviluppo estetico)

Cari ragazzi, vi siete mai posti la domanda: "Cos'è la danza?" quando avete visto uno spettacolo di balletto, una bellissima danza popolare o pop sul palco o in TV. “Da dove vengono le sue origini? Come padroneggiare quest'arte? Oggi imparerai la storia dell'origine e dello sviluppo dell'arte della danza.

Anche nei tempi più antichi la danza fu uno dei primi linguaggi in cui le persone potevano esprimere i propri sentimenti.

Sapete che le prime danze dell'antichità erano lontane da ciò che oggi viene chiamato con questa parola? L'uomo antico trasmetteva le sue impressioni sul mondo che lo circondava con vari movimenti e gesti, inserendovi il suo umore, il suo stato d'animo. Grida, canti, giochi di pantomima erano interconnessi con la danza. Queste azioni avevano un significato rituale. ELe prime danze erano di natura cerimoniale rituale.

La danza è sempre stata strettamente connessa con la vita e la quotidianità delle persone. Pertanto ogni danza corrisponde al carattere, allo spirito del popolo da cui ha avuto origine. Con il cambiamento del sistema sociale e delle condizioni di vita, la natura e i temi dell'arte sono cambiati, è cambiata anche la danza.

Le danze espressive erano di grande importanza sia nella vita di tutti i giorni che nella vita pubblica. Molto spesso i festeggiamenti iniziavano ed erano accompagnati da balli. Con lo sviluppo della società si svilupparono anche le danze e apparvero varie forme: già tra gli antichi greci le danze potevano essere suddivise in sacre (cerimoniali, rituali), militari, sceniche e sociali. Altri popoli avevano danze più o meno della stessa natura.

Nella Rus' l'origine di varie danze risale ai tempi antichi. La più antica danza popolare russa era una danza rotonda - questa è una danza di massa, la sua struttura - un semplice cerchio, personificava il movimento del Sole attorno alla Terra. Successivamente apparvero quadriglie, lance, sei, ecc.

Ma le prime danze professionali, i primi balletti sorsero nella Francia medievale. Fu lì che nel tempo nacque la coreografia francese da danze con ondeggiamenti e calpestii, salti e salti, chiamate branles (dalla parola Branle - swing, danza rotonda). E fino ad oggi, la coreografia professionale conserva la terminologia francese.

In Russia, la coreografia ha avuto origine nel VI secolo. A.C e per molto tempo ci furono vari insegnamenti e metodi di insegnamento fino a quando più di cento anni fa la ballerina e maestra A.Ya. Vaganova non ha creato un sistema logico e chiaro di danza classica. È questo sistema che da molti anni viene utilizzato per insegnare la danza classica ai bambini nelle scuole, negli studi e nei dipartimenti di balletto e coreografia. È il sistema di A.Ya. Vaganova è la base della danza professionale.

Anteprima:

Sviluppo metodologico

"Caratteristiche dell'insegnamento della danza popolare di scena in diverse fasce d'età del gruppo coreografico dei bambini"

Insegnante - coreografo

Chesnokova T.E.

1. Introduzione
2. L'importanza della cultura popolare e della danza popolare nell'educazione estetica dei bambini.
3. Costruzione di una lezione di danza popolare di scena in un gruppo coreografico per bambini.
4. Caratteristiche dell'età nell'insegnamento della danza popolare di scena.

L'arte popolare è un meraviglioso tesoro inesauribile da cui i creatori di danza hanno attinto e continueranno a trarre materiale per la loro creatività. Solo amando, comprendendo e conoscendo l'arte popolare si può usarla e trarne beneficio.

La danza è una sorta di cronaca della vita delle persone. Le trasformazioni nella vita delle persone si riflettono nello sviluppo dell'arte popolare. Nuovi temi, trame e immagini entrano nella coreografia. Recentemente, la danza scenica si è notevolmente arricchita di tecnica, diventando più espressiva e complessa. Ma come prima, queste danze riflettono l'anima delle persone, enfatizzando l'uno o l'altro modo di esibirsi.

Uno dei tesori dell'arte popolare è danza popolare.

E poiché qui stiamo parlando di un gruppo folcloristico per bambini, va notato che la danza popolare è uno dei mezzi più importanti di educazione estetica dei bambini.

Lavorare con i bambini significa dare al bambino l'esperienza spirituale della propria vita ogni giorno, ogni ora, anno dopo anno, formando la sua personalità, sviluppata in modo completo e armonioso.

Uno dei collegamenti nel processo educativo nel suo insieme può essere considerato una lezione.danza popolare da palcoscenico,in cui istruzione e formazione sono inseparabili.

La pratica didattica progressiva evidenzia le direzioni principali del processo educativo: "devi imparare facilmente, piacevolmente, a fondo", "devi insegnare in modo accessibile e duraturo".

Sulla base di ciò, possiamo evidenziare i principi di base del processo di apprendimento che devono essere utilizzati nella costruzione di una lezione di danza popolare:

1. Dal semplice al complesso;
2. Disponibilità.

Ad esempio, quando studiamo un elemento della danza ucraina - il movimento del "corridore", prima impariamo questo movimento in cerchio nella sua "forma pura", solo dopo può essere eseguito in combinazione con altri movimenti: vari giri, posizioni delle mani , e poi in combinazioni più complesse.

È meglio spiegare il nuovo materiale in modo semplice, chiaro e in poche parole.

La base della lezione di danza popolare è la costruzione di una lezione di danza classica, che comprende esercizi alla sbarra e al centro.

Tenendo conto delle peculiarità della danza popolare in generale, la lezione, o meglio, la seconda metà della lezione, è strutturata in modo leggermente diverso. Se nella danza classica il “mezzo” è adagio e allegro, nella danza popolare si tratta dell'apprendimento di combinazioni e studi di danza individuali. L'ordine degli esercizi sulla macchina è stabilito secondo il principio dei movimenti alternati che allenano diversi gruppi muscolari.

Nella sua forma finale, una lezione di danza popolare sul palco potrebbe assomigliare a questa:

1) demi e grand plié.

2) Far scivolare il piede sul pavimento (battement tendu)

3) Esercizi per il tallone che coinvolgono il tallone

Gamba di sostegno.

4) Piccoli lanci (battement tendu jete)

5) Esercizio con il piede rilassato (flic-flac)

6) Preparazione per la “corda”

7) Giri del ginocchio bassi e alti (battement fondu)

8) Maschiatura frazionata

9) Movimenti rotatori della gamba (rond de jambe)

10) Apertura gamba 90 gradi (devoloppe)

11) Zigzag

12) Grandi lanci con la gamba che lavora a 90 gradi (grand

Battement tendu jete)

13) Esercizi fronte macchina

14) Saltare

15) Squat

Esercizio nel mezzo:

1. Rotazioni
2. Imparare combinazioni e movimenti di danza individuali
3. Schizzi

Ma la lezione può essere costruita in questa forma solo lavorando con un adulto.

squadra, poiché il corpo del bambino non può sopportare un tale carico.

Dalla lezione di danza popolare di cui sopra, è necessario selezionare solo quegli elementi familiari della lezione che il bambino può fare e aiutare a sviluppare stabilità, coordinazione e musicalità, mantenendo allo stesso tempo la struttura generale della lezione.

I bambini di età diverse differiscono significativamente l'uno dall'altro nel grado di sviluppo mentale, morale e fisico. Tenendo conto delle caratteristiche di età, dei punti di forza e delle capacità dei bambini, l'insegnante-coreografo deve costruire una lezione di danza popolare, presentando i requisiti ottimali per ogni età.

È noto che la funzionalitàetà più giovaneè la sua attività emotiva, il desiderio di attività specifiche, relativamente a breve termine. Cioè, per i bambini più piccoli, la lezione può essere basata su elementi di gioco. In questo caso, qualsiasi materiale spiegato verrà assimilato meglio, a causa delle caratteristiche psicologiche dei bambini più piccoli, cioè della capacità di attività attive, emotive specifiche. Non è possibile focalizzare l’attenzione di un bambino sulla pratica degli stessi elementi per molto tempo. In questo caso si stanca fisicamente e la sua attenzione divaga. Il bambino ha bisogno di liberazione emotiva, cambiamento di azioni, cambiamento di informazioni.

IN adolescenzaÈ importante tenere conto del desiderio di età adulta, di indipendenza e di una più chiara consapevolezza delle proprie azioni. Qui circa 1/3 della lezione è dedicato agli esercizi alla sbarra, dopodiché si può passare al “centro”. La lezione non deve essere monotona; si deve trarre beneficio da ciascuna delle sue sezioni, anche se sono brevi e interessanti per il bambino proprio per la sua novità. L'insegnante stesso deve decidere quale sia il peso specifico di ciascun movimento durante la lezione e determinare il rapporto tra le parti della lezione. I primi movimenti più semplici anticipano quelli più complessi e sono necessari affinché in seguito il bambino possa ballare correttamente e magnificamente. All’inizio non è necessario mantenere a lungo l’attenzione dei bambini su un movimento. Rimanere troppo a lungo davanti alla macchina può causare noia e persino perdita di interesse per le attività. Si consiglia di iniziare la parte “intermedia” con alcuni esercizi svolti alla macchina. Qui viene prestata molta attenzione alla coordinazione del movimento delle gambe con i movimenti del corpo e della testa. A poco a poco, le classi “di mezzo” diventano più complicate: i singoli movimenti completati verranno riuniti in piccoli studi.

Nel gruppo dei bambinipiù vecchiogli esercizi alla sbarra diventano più complessi tecnicamente ed emotivamente. Il tempo assegnato all'allenamento nel “mezzo” aumenta gradualmente a causa della riduzione degli esercizi sulla macchina. Gli esercizi, sia alla sbarra che al centro, vengono modificati, il ritmo della loro esecuzione si accelera e gli schizzi diventano più complessi. Tutti i nuovi elementi non dovrebbero essere “distribuiti” in una volta, durante una lezione è necessario dare ai bambini con molta attenzione l'opportunità di padroneggiare alcuni elementi; poi metti da parte il materiale appreso per un po’, sostituendolo con altro nuovo. La correttezza, la chiarezza e la precisione nell'esecuzione degli elementi della danza popolare devono entrare nel subconscio del bambino, essere registrate nella sua memoria muscolare e diventare una sorta di riflesso. Solo in questo caso puoi creare i prerequisiti necessari per lavorare con successo su vari numeri di danza.

Il contenuto musicale della lezione è di fondamentale importanza. È nel corso di una serie successiva di lezioni che i bambini si abituano a una sorta di pensiero melodico. Di conseguenza, per la mezza età e gli anziani, viene selezionata la musica più diversificata con uno schema ritmico e una colorazione melodica più complessi. In un gruppo di bambini più piccoli è necessario scegliere melodie estremamente chiare, luminose, fantasiose, soprattutto all'inizio. L'accompagnamento musicale nelle lezioni deve essere organicamente connesso ai movimenti eseguiti, deve corrispondere alla natura dei movimenti, allo stile e alla nazionalità e deve essere chiaramente coerente con il ritmo.

Tutto nel suo insieme coltiva sia la cultura musicale che il gusto dei bambini, il che non ha poca importanza in futuro.

Anche la selezione del repertorio e delle nazionalità da studiare gioca un ruolo importante nella costruzione di una lezione di danza popolare di scena in un gruppo di bambini, poiché non tutte le nazionalità possono essere prese per lo studio in un gruppo di bambini. Ad esempio, elementi di danza russa e bielorussa in un gruppo di bambinietà più giovaneverranno assorbiti più facilmente degli elementi della danza polacca e uzbeka. Nel gruppo dei bambinietà media e avanzataDi conseguenza, il repertorio dovrebbe espandersi. Puoi già prendere elementi di danza ucraina, tartara, baschirica e altri per lo studio.

I bambini sono capaci di imparare una quantità incredibile. Rispondono attivamente, con avidità e con gratitudine alla parola dell’insegnante.

Tutto quanto sopra ci consente di concludere che non solo la costruzione di una lezione di danza popolare sul palco, ma anche tutto il lavoro con un gruppo di ballo per bambini nel suo insieme deve essere affrontato con sensibilità, professionalità, competenza, tenendo conto di tutte le caratteristiche specifiche dell'infanzia , con amore per i bambini e per le proprie professioni.

Letteratura

1. Inozemtseva G.V. “Danza popolare” - M., 1971

2. Reznikova Z.P. “Danze dei popoli del mondo” - M., 1959

3. Stukolkina N.M. “Quattro esercizi. Lezioni di danza di carattere" -

M., 1972

4. Uralskaya V.I. “La natura della danza” - M., 1981

5. Goleizovsky K.Ya. “Immagini della coreografia popolare russa” - M.,

1964

1. Gusev G.P. "Metodologia di insegnamento della danza popolare" - M., 2004
2. Telegina L.A. “Danza popolare da palcoscenico” - Samara, 2002
3. Gusev G.P. “Metodologia per l'insegnamento della danza popolare: - Esercizi alla sbarra” - M., 2003
4. Uralskaya V.I. “La nascita della danza” – M., 2982

Ministero della Cultura della Federazione Russa

Ministero della Cultura della Regione di Sverdlovsk

Istituto statale di istruzione professionale secondaria della regione di Sverdlovsk

Accademia d'Arte Asbestov

Performance coreografica “Bound”

Lavoro finale di qualificazione

Esecutore:

Khazova Daria Alekseevna,

Studente del IV anno

dipartimento coreografico

________ ____________

firma della data

Lavoro di qualificazione Responsabile scientifico:

Lyashchenko N.A., insegnante, ha ammesso alla difesa

Testa dipartimento del dipartimento coreografico del coreografico

creatività creatività

________ ________________ ______ ________________

data N.A. Firma della data di Lyashchenko

Amianto 2015

Capitolo 1. Giustificazione della scelta della produzione coreografica………..……….3

1.1. Storia della creazione della danza, dello stile…………….…..3

1.2. Fonti e motivazioni per la scelta del tema della produzione………….13

Capitolo 2. Scrittura musicale e coreografica……………….....………..16

2.1. Analisi ideologica e tematica……………...…..16

2.2. Il concept creativo della produzione……………...…...17

Capitolo 3. Significato pratico……………...24

Fonti di informazione……………………26

Applicazioni………………………………27

Capitolo 1. Giustificazione della scelta della produzione coreografica

"Imparentato"

Storia della creazione della danza moderna

La danza contemporanea è una forma d'arte indipendente, dove movimenti, musica, luce e colori si combinano in modo nuovo, dove il corpo ha veramente acquisito il suo linguaggio puro. La danza contemporanea convince le persone che l'arte è una continuazione della vita e della comprensione di sé.

La danza moderna è un concetto relativo e momentaneo. Ogni periodo storico ha la propria cultura musicale, che dà origine a nuovi tipi di danza. Ogni danza può essere definita moderna, ma per il suo tempo. Pertanto, la danza moderna è una danza moderna, alla moda e rilevante per il suo tempo. Lo scopo della danza moderna è esprimere sentimenti e stati d'animo umani. Questo è uno stile di danza piuttosto libero e universale che non ha standard chiari. I coreografi, cercando di trasmettere i pensieri e i sentimenti delle persone, sono in costante ricerca e inventano nuovi movimenti, spesso mescolando tecniche, stili e direzioni diverse.

La danza moderna affonda le sue radici nel balletto classico. Da un lato, la danza moderna è stata creata come reazione contro le rigide restrizioni formali del balletto classico (ad esempio, l'enfasi in questo stile cade sui movimenti liberi ed espressivi, cosa che non avviene nel balletto classico, in cui tutto è soggetto a determinati parametri). regole), d'altra parte, la danza moderna ha assorbito molti movimenti e passi del balletto classico che fanno parte del repertorio della danza moderna.

La ragione dell'emergere della moderna direzione della coreografia fu la crisi della scuola di balletto classico all'inizio del XX secolo. I ballerini di quel tempo avevano bisogno di nuove tecniche che permettessero loro di esprimere nuove idee sulla libertà umana, lontane dalle tradizioni della danza classica.

Il concetto della danza moderna è la libertà e l'espressività dei movimenti, che offrono una straordinaria opportunità per esprimere i propri sentimenti con i colori più vivaci.

Nel corso del 20° secolo sono apparse molte direzioni diverse, la danza moderna comprende direzioni come: danza moderna, contact improvisation, jazz moderno, danza contemporanea, plastica libera, bloccaggio, bloccaggio pop, breakdance, hip-hop, jazz, funk; e molti altri.

Le idee della danza moderna furono anticipate nel 1830 dal famoso insegnante francese e teorico del movimento scenico Francois Delsarte, che studiò la connessione tra voce, gesto ed emozione. Sosteneva che solo un gesto, libero da convenzioni e stilizzazioni, è capace di trasmettere in modo veritiero tutte le sfumature delle esperienze umane.

Lo sfondo della danza moderna inizia all'inizio del XX secolo, le tre muse della prima danza moderna in America erano Isadora Duncan, Ruth St. Denis e Loy Fuller. Hanno creato le proprie scuole di balletto moderno, un'arte libera dalle convenzioni. L'improvvisazione e la coreografia libera sono i principi base dell'arte della danza moderna. Hanno variamente integrato filosofia, teatro, vaudeville e storia antica nelle loro danze, che sono servite come punto di partenza per creare le basi della danza moderna. Il 20° secolo ha portato molti nuovi tipi e stili di danza, i più famosi dei quali sono il boogie-woogie, la danza jazz, il blues, il charleston, il rock and roll, la macarena, lo step, la lambada e le danze latinoamericane. Alla fine del 20 ° secolo, si diffusero le danze in stile disco, hip-hop, breakdance, hustle, krump, tettonica, rhythm and blues e altre.

Isadora Duncan e molte delle sue persone affini hanno deciso di sfidare la coreografia tradizionale. Aprirono le proprie scuole dove insegnarono le basi del balletto moderno. L'idea principale di questo stile di danza era una coreografia libera basata sull'improvvisazione e sull'espressione delle proprie emozioni. Isadora Duncan è considerata la fondatrice generalmente riconosciuta della danza moderna. Iniziò la sua attività alla fine del XIX secolo. Isadora Duncan è un'innovatrice e riformatrice della coreografia, che ha dato un'incarnazione plastica del contenuto musicale nelle sue danze, liberate dalle forme formalistiche del balletto classico. Ha contrapposto la scuola di balletto classico alla danza plastica libera. Ha usato la plasticità dell'antica Grecia, ha ballato in chitone e senza scarpe. Fu una delle prime a utilizzare la musica sinfonica per la danza, tra cui Chopin, Gluck, Schubert, Beethoven e Wagner. Isadora sognava di creare una nuova persona per la quale ballare sarebbe stato più che naturale. Con la sua danza ha ristabilito l'armonia tra anima e corpo. Ha aperto la danza alle persone nella sua forma pura, "preziosa esclusivamente in sé", costruita secondo le leggi dell'arte pura. Nell'arte armonica della danza di Isadora Duncan il desiderio di armonia e bellezza si esprime in forma ideale. Partendo dalla musica, si è spostata verso il canone armonico, ed è per questo che è diventata la principale e unica fondatrice di tutta la danza moderna. Duncan ha raggiunto un perfetto abbinamento con l'espressione emotiva delle immagini musicali e di danza. Il movimento è nato dalla musica, non preceduto da essa. Il linguaggio della danza di Duncan era il linguaggio dei movimenti naturali, espressivi e liberi. Straordinariamente espressiva e musicale, Isadora utilizzava movimenti del corpo liberi e rilassati nelle sue danze improvvisate. Il dio principale di Duncan era la naturalezza. In suo nome negava la tecnica, l'addestramento estenuante. La pratica artistica di Duncan stupì i suoi contemporanei con la sua straordinaria fusione del mondo delle esperienze emotive, delle arti plastiche e della musica.

La seconda generazione nel campo della danza moderna sono coreografi come: Martha Graham, Doris Humphrey, Charles Weidman, Helen Tamiris, Hania Holm. Il loro merito risiede, prima di tutto, nel fatto che ognuno di loro non è stato solo un brillante coreografo e interprete, ma anche un insegnante che ha creato il proprio sistema per formare i ballerini. Il primo insegnante, coreografo e artista che creò costantemente un sistema di danza fu M. Graham. Le prime produzioni a New York nel 1926, "The Heretic" e "Primitive Mysteries", portarono il successo al suo gruppo. Graham ha creato spettacoli basati su temi epici leggendari e trame della mitologia antica e biblica. Prima di tutto, ha cercato di creare un linguaggio di danza drammaticamente ricco in grado di trasmettere l'intero complesso delle esperienze umane. La seconda coreografa e insegnante più importante è stata Doris Humphrey. Prestando grande attenzione alla precisione plastica e alla tecnicità della danza, Doris Humphrey si oppose allo stesso tempo alla bellezza e alla raffinata danza di Saint Denis. Il suo lavoro è stato influenzato dal folklore degli indiani d'America e dei neri, nonché dall'arte orientale. È stata la prima negli Stati Uniti a insegnare composizione per la danza e ha riassunto la sua esperienza nel libro “The Art of Dance”.

Negli anni '50 iniziò a creare la terza generazione. Dopo la seconda guerra mondiale, i giovani artisti e coreografi si trovarono ad affrontare una questione piuttosto urgente: continuare le tradizioni della generazione più anziana o cercare modi propri per sviluppare l'arte della danza. Alcuni coreografi abbandonarono completamente l'esperienza delle generazioni precedenti e si tuffarono a capofitto nell'esperimento. Molti di loro hanno rifiutato il solito spazio scenico e hanno trasferito le loro esibizioni in strade, parchi, ecc., Rifiutando la forma dello spettacolo, coinvolgendo lo spettatore nello spettacolo teatrale. L'atteggiamento nei confronti dei costumi, della musica e di altre componenti dell'azione teatrale è cambiato. Molti coreografi abbandonarono completamente l'accompagnamento musicale e usarono solo strumenti a percussione o rumore. I compositori spesso diventavano co-creatori del coreografo, creando musica contemporaneamente al movimento. Uno di coloro che continuarono le tradizioni della generazione precedente fu Jose Limon. La sua coreografia è una complessa sintesi della danza moderna americana e delle tradizioni ispano-messicane con netti contrasti di principi lirici e drammatici. Gli eroi sono raffigurati nei momenti di massima tensione, di estrema euforia spirituale, quando il subconscio guida le loro azioni. Le sue esibizioni "Pavane of the Moor", "Dancing for Isadora", "Mass of War Times" hanno guadagnato la massima popolarità. Il “padre” spirituale dell’avanguardia coreografica è stato senza dubbio Merce Cunningham. Fu uno di quelli che andò per la sua strada e fondò la propria scuola di danza. Le sue performance stupiscono per il loro inaspettato approccio al movimento. Cunningham vedeva la performance come un'unione di elementi indipendenti creati in modo indipendente. M. Cunningham credeva che qualsiasi movimento potesse essere danza e la composizione della danza è costruita secondo le leggi del caso. Il compito principale del coreografo è creare una coreografia momentanea, in cui ogni artista ha il proprio ritmo e il proprio movimento. Proprio come M. Graham e D. Humphrey, M. Cunningham ha creato la propria tecnica e scuola di danza. Così, all'inizio degli anni '70 del XX secolo, emersero diverse scuole principali di danza: moderne: la tecnica di M. Graham, D. Humphrey e H. Limon, la tecnica di M. Cunningham. Allo stesso tempo, il sistema della danza jazz si è sviluppato e migliorato.

La danza jazz si è sviluppata dalle danze delle tribù africane. La danza jazz fu portata in America dagli schiavi africani nel XVII e XVIII secolo. Una volta in America, ripristinarono rapidamente le loro feste e usanze e si adattarono: invece dei tamburi, battevano le mani e battevano il ritmo con i piedi. Per diversi secoli, due culture, africana e americana, si fusero e, di conseguenza, emerse una danza infuocata unica. Negli anni '20 Nel 20° secolo, la musica jazz e la danza hanno guadagnato un'enorme popolarità. I ballerini professionisti iniziarono ad esibirsi sul palco, apportando nuove tecniche allo stile jazz e cominciando a insegnare il jazz ad altri. Allo stesso tempo, il jazz si arricchì di elementi di danze europee.

Negli anni '40 e '50. La musica popolare ha subito cambiamenti significativi e la danza è cambiata insieme ad essa. Gli stili jazz moderni emersero durante questo periodo. Oggi ci sono molti stili di jazz che vengono ballati su diversi tipi di musica. Ma tutti questi stili sono accomunati da movimenti energici e ritmici. Il ritmo e la coordinazione sono gli aspetti più importanti della danza jazz. Una caratteristica del jazz è la sincope: vengono enfatizzati non solo i ritmi forti della battuta, ma anche quelli deboli. Nella danza jazz vengono spesso utilizzati i movimenti dei fianchi e del bacino che conferiscono alla danza un'espressività speciale. I movimenti isolati sono la caratteristica principale della danza jazz. Naturalmente, insegnanti e coreografi sintetizzano sempre più varie tecniche e stili di danza nelle loro lezioni ed esibizioni. Il primo insegnante e coreografo a combinare tecniche di danza moderna e jazz nel suo lavoro è stato Luigi (Eugene Louis), che ha sintetizzato le tecniche della danza classica e del jazz. Gus Giordano pubblicò il primo libro di testo sulle tecniche del jazz moderno nel 1966. L'interesse per la danza jazz moderna sta gradualmente crescendo e gli insegnanti americani tengono i primi seminari. Così, all'inizio degli anni '70, nacque una nuova direzione: il jazz moderno. La danza jazz, passando dalla danza popolare quotidiana alla danza teatrale e teatrale, diventa gradualmente un tipo speciale di arte della danza e sta conquistando l'intera Europa. Questa scuola ha conquistato molti paesi del mondo, ti consente di educare in modo più completo il corpo del ballerino. La danza jazz è in continua evoluzione, in parte a causa di ciò. Che i ballerini possono portare i propri passi nella danza, e anche perché il jazz si balla su un'ampia varietà di musica. Attualmente si possono distinguere i tipi di jazz: jazz classico o tradizionale. Queste sono le prime forme di danza jazz eseguite dagli africani.

L'afrojazz è un tentativo di collegare il jazz moderno con il suo antenato africano. Prende il nome da una strada di New York dove si trovano molti teatri.

Alla fine degli anni '60, la danza jazz prese saldamente il suo posto in una serie di aree della coreografia moderna, e allo stesso tempo iniziò il processo di fusione delle principali scuole di coreografia moderna. Il primo insegnante e coreografo a combinare tecniche di danza moderna e jazz nel suo lavoro è stato Jack Cole Luigi (Eugene Louis) che ha sintetizzato le tecniche della danza classica e del jazz. Gus Giordano pubblicò il primo libro di testo sulle tecniche di danza jazz moderna nel 1966. L'interesse per la danza jazz moderna sta gradualmente aumentando nell'Europa occidentale e gli insegnanti americani stanno conducendo i primi seminari.

Negli anni '70 del 19 ° secolo, stili di danza di strada come lock, breakdance e hip-hop divennero popolari in America negli anni '90, stili come funk, krump; All'inizio questi balli avevano un carattere spontaneo: i giovani, riunendosi, organizzavano le proprie gare di ballo, chiamandole battaglie. Quindi hanno iniziato a prepararsi in anticipo per le battaglie, invitando spettatori e gruppi di supporto. Al giorno d'oggi, tali competizioni si svolgono già a livello internazionale in vari luoghi del nostro pianeta.

Locking - tecnicamente, il lock è molto vicino al suo antenato hip-hop, da lì sono stati presi in prestito molti elementi: movimenti acuti e intensi, vari lanci e oscillazioni delle braccia, salti di diversi tipi e livelli. Locking è una sintesi di movimento e immobilità.

L'hip-hop è un movimento culturale nato tra la classe operaia di New York alla fine degli anni '70. Questo è uno stile di danza sulla base del quale è costruito l'intero vocabolario moderno dei balli da club. Una danza allegra ed energica, non aggressiva, la cui tecnica si basa sullo “swing” del corpo, sui salti e su una combinazione di piccoli movimenti con le braccia e le gambe. La musica si distingue per un ritmo spezzato e dinamico di media velocità con brevi inserti di strumenti.

Breakdance: la prima parte presenta il cosiddetto pausa superiore, che ha possibilità praticamente infinite, limitate solo dall'immaginazione dell'esecutore o del gruppo di artisti. In esso puoi rivelarti pienamente e ampiamente, improvvisando sia in movimento che prima di un'esibizione, creando e inventando nuovi elementi e movimenti. I movimenti in questa direzione richiedono un certo addestramento da parte del ballerino e si distinguono per la specificità dell'esecuzione e imitano tipi di movimenti insoliti per l'uomo nella vita di tutti i giorni: meccanici con fissazione in determinati punti, o articolati, simili ai movimenti dei giocattoli a carica, anche imitazione di movimenti robotici o movimenti di arti di gomma. La seconda grande parte, chiamata rottura, a volte chiamata low breakdance, ci sembra, come indicato sopra, essere attiva, energica e richiede una discreta preparazione fisica da parte dell'esecutore. La pausa inferiore sembra molto impressionante ed è piena di elementi acrobatici.

Crump è uno sviluppo dello stile "Clowning" o "Clown Dance". La sua caratteristica distintiva è la potenza e la forza dell'esecutore, volta a liberare il ballerino dall'energia negativa facendo riversare le sue emozioni dal palco. La Clown Dance è stata creata all'inizio degli anni '90 da Thomas Johnson, o Tommy the Clown. Nel 1992, Johnson iniziò a combinare vari elementi di danza locale e a creare uno stile unico e versatile che lo aiutò anche a perseguire la sua carriera di clown per bambini. I ballerini Crump interagiscono maggiormente tra loro e lavorano con il peso del proprio partner. Artisti come Missy Elliott, Chemical Brothers, Black Eyed Peas, utilizzando il krumping nei loro video, hanno reso la danza famosa in tutto il mondo.

Nel 1972 apparve la contact improvisation. La contact improvisation è una danza in cui l'improvvisazione è costruita attorno al punto di contatto con un partner. La contact improvisation è una forma di danza libera. L'americano Steve Paxton è giustamente considerato il creatore della scuola di Contact Improvisation. Coreografo e ballerino, ha studiato danza moderna e classica, ha studiato ginnastica e aikido e ha dedicato molto tempo alla ricerca sull'improvvisazione della danza. Nella contact improvisation, il movimento segue lo spostamento del punto di contatto tra i corpi dei partner. Il movimento predomina quando due corpi entrano in contatto, ricercando traiettorie spaziali reciproche quando interagiscono con il peso del corpo. La danza è guidata dai sentimenti dei partner, dalla loro intenzione di mantenere o meno il contatto fisico e di continuare la ricerca del sostegno reciproco.

Hustle è una danza di coppia basata sull'improvvisazione e sulla “conduzione”.

Tradotto dall'inglese hustle è "trambusto e trambusto". È un nome collettivo per ballare la musica da discoteca popolare negli anni '80, come disco-fox, disco swing e hustle stesso.
È una danza “sociale”, cioè fondamentalmente estremamente semplice, ballata in quattro tempi (disco-fox in tre) su quasi tutte le musiche, non richiede un lungo allenamento e permette a chiunque di ballare dopo un po' di pratica.

Quanto più la musica diventava ricca e diversificata con l'avvento dei nuovi strumenti musicali elettrici, tanto più diverse tendenze musicali emergevano e con esse diversi stili di danza. Tra la fine degli anni '80 e l'inizio degli anni '90, con l'avvento dei video, alcuni stili hanno guadagnato popolarità. Il lavoro di Michael Jackson, allora chiamato il re del pop e il re della danza, ha dato origine a un nuovo tipo di performance: "a la Jackson". I suoi video più famosi dagli album "Thriller", "Bad", utilizzavano movimenti disco, break e hip-hop.

Nel 20 ° secolo è apparso il termine "danza pop": questo è un prodotto della storia dell'arte secolare, che riflette, prima di tutto, il luogo in cui entra l'esecutore. Cioè, non il palco di un teatro, ma il palco di uno spettacolo di varietà o di una sala da concerto. Il concetto di "danza pop" comprende anche stilizzazioni di danze popolari, danze sportive, danze semi-classiche, danze negli stili della coreografia quotidiana, step attualmente sul palco vediamo molte produzioni eseguite utilizzando i mezzi della danza jazz; o danza moderna. Pertanto, il concetto di "danza pop" unisce molte aree dell'arte coreografica. Tuttavia, attualmente, molte università e istituti di cultura e arte hanno dipartimenti di danza “pop”. Purtroppo non si può fare nulla per risolvere questa confusione terminologica.

Possiamo affermare con assoluta certezza che il 20 ° secolo è stata una vera svolta creativa per la coreografia e una sorta di rivoluzione nella cultura della danza.

Riassumendo, possiamo dire che la danza moderna è un concetto relativo, momentaneo, e ogni periodo storico ha la propria cultura musicale, che dà origine a nuovi tipi di danza. Tuttavia, gli stili di danza moderna presentano una grande varietà di elementi, che li rendono più democratici e accessibili a persone con alcune limitazioni di plasticità e flessibilità.

La produzione coreografica “Rope” si basa sulla direzione della danza moderna: plasticità priva di plasticità.

Plastica gratis- un movimento emerso all'inizio del XX secolo per la liberazione dal quadro della danza classica e la fusione della danza con la vita. In questo stile sono stati formulati i principi su cui si basavano la danza moderna e jazz-moderna, la danza contemporanea e persino la contact improvisation. La fondatrice della chirurgia plastica gratuita è stata Isidora Duncan.

Una delle fonti ideologiche della danza libera era il movimento per il miglioramento fisico, la liberazione del corpo, la negazione di strutture e confini, mescolando tendenze e stili di danza. I fondatori della danza libera credevano che tutti possano e debbano ballare e che la danza aiuterà tutti a sviluppare e cambiare la propria vita. La chirurgia plastica gratuita è sempre emancipazione, espressione di sé, “volo”, è un atteggiamento speciale verso se stessi, il proprio corpo, un modo speciale di pensare. La plasticità libera ti permette di essere sia spontaneo che cosciente; Ti dà l'opportunità di esprimerti in modo creativo, sentire la gioia del movimento, l'armonia del corpo con la musica e il ritmo. La plasticità libera è una tendenza nella coreografia moderna. Un tipo di danza scenica che combina in modo sorprendente elementi di coreografia jazz, stile moderno e tecniche di danza classica.

1.2. Fonti e motivazioni per la scelta del tema della produzione coreografica “Bound”

Il tema della trama della produzione coreografica “Bound” è basato sul cortometraggio “Rope”. La breve trama del film (o meglio, anche gli schizzi) è questa: un giovane e una ragazza “ritornano in sé” in mezzo alla strada, sono legati schiena contro schiena con una corda e non possono liberarsi. La ragazza resiste e il ragazzo va nella direzione prevista. I passanti che incontrano mostrano reazioni diverse alla loro situazione: alcuni li ignorano, altri li deridono. L’ultimo che incontra li scioglie, accarezza il viso della ragazza e la scioglie. Poi la ragazza si rende conto di cosa è successo e capisce che non può stare senza il giovane. Il giovane, quando fu sciolto, voleva colpire il liberatore, ma lui semplicemente lo scacciò, tornò dalla ragazza, e insieme cominciarono di nuovo a legarsi con una corda.

In realtà questo film è una metafora. La corda, come simbolo delle relazioni, una sorta di dipendenza inconscia o cosciente nei rapporti con la propria metà: questo è proprio il tema principale di questo film.

Un simbolismo simile si trova spesso nel cinema e nella letteratura, nella scrittura di canzoni di musicisti moderni possono essere manette, catene, catene; Storie simili si possono trovare nella mitologia di Platone: creature ideali con quattro braccia, quattro gambe e due teste, che furono separate dal creatore e che trascorrono tutta la vita sulla terra alla ricerca della loro anima gemella.

Un altro tema minore nel film è l'atteggiamento delle persone che li circondano nei confronti della situazione che osservano, la loro reazione. Le persone intorno a loro provano soddisfazione nel vedere soffrire due persone connesse. Sono due passanti che li prendono in giro, cercano di imitarli, mentre la loro autostima aumenta da ciò che vedono. Poi lungo la strada incontrano due teppisti che cercano di deriderli e umiliarli. Solo una persona ha mostrato simpatia e aiuto.

Alla fine del film, ciò che è più interessante per comprendere il significato che l'autore intendeva: i personaggi camminano insieme tenendosi per mano, lei gli appoggia la testa sulla spalla. Ogni spettatore che guarda il film trarrà le proprie conclusioni: qualcuno dirà che l'amore in una relazione dovrebbe andare di pari passo con la libertà di entrambi i partner, e qualcuno capirà l'amore non più come libertà, ma come dipendenza.

La dipendenza si verifica non solo nelle relazioni basate sull'amore, ma anche nelle relazioni tra genitori e figli, nelle amicizie tra amici, tra persone costrette per qualche motivo a stare insieme. La mia produzione mostra la dipendenza psicologica tra due amici. Consapevolezza della dipendenza reciproca, quando gli amici oltrepassano un certo limite nella loro relazione reciproca e sviluppano un tale grado di intimità psicologica in cui entrambi o uno dei due si perdono e questa circostanza comincia a gravare su ciascuno di loro. Ad esempio, un tale sentimento può sorgere a causa dell'empatia reciproca in alcune situazioni difficili. Supponiamo che suo marito o il suo fidanzato lascino uno dei suoi amici, quindi il secondo amico diventa "tutto" per il primo: un consolatore, un consigliere e una madre. Allo stesso tempo, la consolatrice gode del suo bisogno e della sua importanza, si sente forte, matura e saggia - dopo tutto, il suo consiglio è così necessario alla sua amica, che lo usa prontamente.

La consolatrice, dimenticandosi di se stessa e dei suoi cari (marito, figli), trascorre le sue giornate vivendo gli eventi della vita dell'amica come se fossero suoi, non distinguendo più la sua vita da quella dell'amica. È così che ci si perde nelle relazioni tra amici e nasce la dipendenza. Arriva un momento in cui tutto nella vita inizia a migliorare per l'amica “infelice” (ad esempio, appare un uomo), si allontana gradualmente dalla trapunta - dopotutto, non è più necessaria.

E qui la consolatrice sperimenta un vero tormento: sente il vuoto, la solitudine (nonostante la presenza di un marito e dei propri cari), dolore ed è gelosa della sua amica per il suo nuovo prescelto, il che provoca irritazione e riluttanza nella sua amica a comunicare. Dall'esterno può sembrare comico, ma in realtà questa è una situazione molto dolorosa che può provocare nevrosi, depressione e perdita di interesse per la vita per il consolatore abbandonato. Spesso, inoltre, le ex fidanzate si lasciano, smettendo di vedersi e di comunicare tra loro. E la loro amicizia, in cui c'era molto di buono e sincero, finisce.

Le persone vivevano in tribù e quindi tutte le caratteristiche più importanti della loro vita e del loro modo di fare le cose erano incarnate nelle loro danze rituali. Ci sono due temi principali nelle danze rituali:

Caccia o guerra

Tema d'amore

Senza approfondire tutte le caratteristiche delle danze rituali, notiamo il loro carattere di massa e, di conseguenza, la necessità di movimento circolare. Da qui la forma della danza circolare, come capacità elementare di partecipare al processo della danza anche attraverso il canto.

Un po 'più tardi, nelle forme di danza più sviluppate, la divisione delle danze in:

giochi di danza (carattere di caccia militare) Esempi di danze militari: “Hopak” ucraino, “Khorumi” georgiano

danze di culto, in cui una persona cercava di ottenere condizioni di vita più favorevoli dagli dei. Esempi: danze “sciamaniche” di tribù africane o di popoli del nord della Russia

danze quotidiane, le più comuni e meno dipendenti dai 2 fattori più importanti di sopravvivenza: il cibo e la comprensione del mondo che ci circonda. Ci sono innumerevoli esempi di danze quotidiane: per quasi ogni processo lavorativo c'era una danza che cambiava da villaggio a villaggio: la danza russa “Lenok”, la danza ucraina “E abbiamo seminato miglio”, “Taglialegna”, “Falciatrici”, ecc. .

È stato nella danza quotidiana che si è rivelata la possibilità di manifestazione individuale e di introduzione della propria coreografia, che spesso è stata accettata con approvazione dagli altri.

La linea d'amore della danza occupa un posto speciale, da qui la varietà nella scelta di un partner o di una performance solista. Le danze più conservate, e quindi popolari, sono le danze con trame. Ad esempio, "Timonya" - una danza sulle relazioni amorose di un uomo e diverse ragazze - è uno dei temi popolari del popolo russo.

Fase 2: periodo greco-romano

La fase successiva nella complicazione delle forme di danza fu il periodo storico greco-romano. La danza veniva già insegnata nelle istituzioni educative di quel tempo. Gli antichi greci incorporavano il principio dell'armonia nella danza. Ciò era dovuto al fatto che la cultura di quel tempo aveva già ideali di vita significativi, e in essi l'uomo veniva presentato come un soggetto significativo per il miglioramento dell'anima e del corpo. La mitologia antica (abbondanza di storie con gli dei) era proprio il motore ideologico per migliorare la natura umana, e la danza era uno degli strumenti per “elaborare” il corpo e l'anima umana.

Le danze di questo periodo erano divise in diverse categorie:

Danze sacre (eseguite solo nei templi)

Pubblico (danze militari, celebrazioni messe con la partecipazione di grazie, satiri, ninfe)

Questi sono costumi e ricostruiti in modo molto competente in modo drammatico i dettagli più importanti della vita dei greci

Furono questi festival di danza, trasferiti in storie mitologiche sui palcoscenici teatrali dell'Hellas, a costituire le fonti primarie del balletto moderno e di altri spettacoli e spettacoli.

Naturalmente, durante questo periodo c'erano danze più semplici: casalinga, cittadina, rurale.

Fase 3: "Medioevo oscuro"

L’era successiva, chiamata “Medioevo oscuro”, cercò di sradicare ed espellere la danza dalla vita umana. Alla danza venne attribuito il culto dell'“ossessione diabolica”, e il corpo (soprattutto quello femminile) divenne simbolo di ogni forma di profanazione. Guardando quest'era difficile (per la danza), capisci perché nell'Europa cattolica le forme di danza popolare sono così primitive anche adesso.

Apparentemente, fino ad ora, nella corsa alla decenza nella danza non c'è un bisogno così forte come, ad esempio, tra i popoli slavi. Erano le varie risse medievali con i loro salti e semplici passi lo sfogo consentito in quegli anni bui.

Ma anche qui l'indole umana allegra e soprattutto l'amore hanno commosso le persone durante le loro massicce vacanze cittadine.