Теория музыки: основные разделы и методика изучения. Теория музыки
У многих начинающих музыкантов понятие «теория музыки» достаточно часто вызывает нечто вроде страха. Они считают, что это что-то очень сложное, требующее прохождения длительного курса обучения. Однако не стоит бояться. Хотя курс обучения и рассчитан на довольно длительное время (как минимум курс музыкальной школы), тем не менее изучить этот предмет можно в кратчайшие сроки даже самостоятельно.
Ритм, размер и темп
Прежде чем приступать к азам, стоит отдельно остановиться на некоторых составляющих, которые включает в себя теория музыки. Конечно же, сейчас мы не будем приводить полный объем всего курса, тем более что он рассчитан не только на музыкальные школы, но и на продолжение изучения в музучилищах и консерваториях. Остановимся больше на том, что в народе называется «теория музыки для "чайников"».
Итак, первое и основное, без чего не обходится ни музыкальное образование, ни развитие исполнительских способностей начинающего музыканта. Конечно же, это чувство ритма, умение его отсчитывать и сопоставлять с разными музыкальными размерами.
В этом разделе теория музыки предполагает изучение наиболее известных ритмических и размерных схем, которые сегодня в музыке являются наиболее употребляемыми, например, 2/4, 3/4, 4/4, 6/8 и т. д.
Для отсчета, как правило, используются схемы сильных и слабых долей «раз-и, два-и, три-и, четыре-и» (для размера 4/4), где «первые доли являются сильными, а обозначенные литерой «и» - слабыми.
Кроме всего прочего, особое внимание должно быть уделено изучению темпов. Ведь одну и ту же ритмическую последовательность можно сыграть умеренно, быстро или медленно.
Музыкальная грамота
После освоения этого, в общем-то, несложного материала, можно приступать к изучению нотной грамоты.
Музыкальная грамота в этом ракурсе включает знания о названиях и длительностях нот, написании нот на нотном стане, тактах и суммарном количестве нот разной длительности в одном такте в зависимости от заданного размера, паузах, нестандартных длительностях (ноты с точками) и т. д.
Сольфеджио
Одним из самых важных базовых предметов, который требует в изучении особого усердия, является курс сольфеджио. Теория музыки в основе своей базируется именно на знании этого предмета.
Здесь особое внимание необходимо уделить изучению тональностей, стандартных и нестандартных интервалов, принципов построения гамм, определению их главных и второстепенных ступеней, правилам построения аккордов и их обращений, а также знакам альтерации (диезы, бемоли и бекары).
Если говорить об интервалах, аккордах и гаммах, знание принципов их создания в дальнейшем поможет в изучении гармонии, предмета, который позволит даже простейшую мелодию облечь в сложную музыкальную форму и придать колорит всему произведению.
Гармония
Теория музыки изучение гармонической составляющей подразумевает частично еще в стандартном курсе сольфеджио. Это понятие мажора и минора, знание некоторых типов гамм (гармонические, мелодические), но в целом раздел больше ориентирован на изучение ладов.
Так, например, большое внимание уделяется нестандартным ладам, которые часто используются в классических произведениях или в фольклорной музыке разных народов мира (фригийский, лидийский, миксолидийский и т. д.).
Кроме того, в этой области можно получить широкий круг знаний о том, как даже в стандартной гамме использовать некоторые дополнительные ступени или приемы (имеются в виду аккорды, трезвучия, интервальные переходы), которые позволяют добавить красок в цельное музыкальное произведение.
Музыкальные формы
Наконец, одним из основных разделов, которые включает в себя теория музыки, можно назвать изучение музыкальных форм.
Что это такое? Это не что иное, как вид музыкального произведения по своей структурной форме. Сейчас понятие музыкальных форм, к сожалению, все больше игнорируется. Однако стоит отметить, что каждый уважающий себя музыкант должен знать, что такое, скажем, этюд, рондо, фуга, соната, симфония или опера.
Так, например, многие современные музыканты используют в своем творчестве написание рок-опер и мюзиклов. Самым ярким примером можно назвать творения Эндрю Ллойда Уэббера «Иисус Христос - суперзвезда», «Кошки», «Призрак в опере» и многие другие.
Естественно, это далеко не полный перечень. Но знание принципов структуры разных музыкальных произведений сможет помочь при создании собственных музыкальных композиций. Наверняка ведь все знают, что в песне имеется вступление, куплет, припев, какой-то проигрыш и кода (завершение). Кажется, просто? Да. Но именно эти знания пришли в современный музыкальный мир из классической музыки и ее разнообразных форм.
Теория музыки для "чайников" - прекрасное подспорье для всех, кто хочет освоить теорию музыки, будь то начинающий музыкант или опытный исполнитель. В этом руководстве вы найдете все, что нужно на первых порах: длительности и интервалы, латинские обозначения темпов, основные музыкальные формы, в том числе самые популярные наподобие современных эстрадных песен, а также список полезных источников по теории музыки.
Книга рассчитана на самый широкий круг читателей, она пригодится учащимся профильных учебных заведений, музыкантам-практикам и всем, кто интересуется музыкой.
Старуха с линейкой.
Да-да. Именно такой образ всплывает в сознании многих из нас при мысли об уроках музыки: злые, пожилые преподавательницы по классу фортепиано, отбивающие ритм линейками, иногда буквально в сантиметре от наших пальцев. Мы клянемся прямо здесь и сейчас, что никаких злых старух не появится в вашем доме из-за того что вы приобрели эту книгу. Вы можете знакомиться с главами книги и с принципами,
изложенными в ней, сколь угодно медленно или быстро, не боясь получить линейкой по пальцам.
Впрочем, имеет место следующий неоспоримый факт: вы получаете от музыки то, что сами в нее вкладываете. Хотите быть в состоянии исполнять классическую музыку - учитесь читать с листа и соблюдать четкий ритм. Собираетесь стать рок-гитаристом? Тогда вам особенно важно знать, какие ноты следует играть в заданной тональности. Обучение исполнению музыки требует незаурядной внутренней дисциплины, но в конце концов, усердная работа себя оправдывает.
И, конечно же, исполнение музыки приносит радость, а умение хорошо играть приносит неимоверную радость. Все любят рок-звезду/джазмена/Моцарта!
Оглавление
Об авторах 13
Владение 15
Часть I. Ритм: как отсчитывать размер 19
Глава 1. Так что же такое теория музыки 21
Глава 2. Как считать ноты 27
Глава 3. Сделай паузу 37
Глава 4. Музыкальные размеры 43
Глава 5. Как сделать ритм естественным 53
Глава 6. Темп и динамика 59
Часть II. Мелодия: партия, которую вы напеваете 67
Глава 7. Нотный стан 69
Глава 8. Звучание инструментов и оттенки звука 79
Глава 9. Полутона, целые тона, диезы и бемоли 83
Часть III. Гармония: как облечь музыку плотью 87
Глава 10. Интервалы 89
Глава 11. Обозначения тональностей и квинтовый круг 105
Глава 12. Мажорные и минорные лады 117
Глава 13. Построение аккордов 127
Глава 14. Последовательности 147
Глава 15. Кадансы 157
Часть IV. Форма: как устроена музыка 165
Глава 16. Элементы формы 167
Глава 17. Классические формы 177
Глава 18. Популярные формы 187
Часть V. Великолепные десятки 193
Глава 19. Шесть самых распространенных вопросов о теории музыки 195
Глава 20. Десять классных и полезных источников 199
Глава 21. Девять музыкальных теоретиков, о которых вам следует знать 203
Приложение А. Как работать с диском 209
Приложение Б. Таблица аккордов 215
Приложение С. Словарь 253
Предметный указатель 256.
Бесплатно скачать электронную книгу в удобном формате, смотреть и читать:
Скачать книгу Теория музыки для чайников, Пилхофер М., Дей Х., 2009 - fileskachat.com, быстрое и бесплатное скачивание.
Скачать pdf
Ниже можно купить эту книгу по лучшей цене со скидкой с доставкой по всей России.
Разбираемся в том, что такое параллельные гармонии, параллельное движение, а также параллельные интервалы и аккорды.
Если по какой-либо причине вы избегаете использования параллельных гармоний в своей музыке, то подумайте еще разок. При правильном использовании параллельные гармонии могут стать крайне эффективным инструментом в руках современного композитора.
Параллельные гармонии могут вызвать неподдельное удивление слушателя, и, к счастью, это именно тот эффект, которого можно добиться при их использовании. Обычно, в традиционной гармонии стараются избегать использования параллельных октав и квинт, но для написания более современной музыки стоит все же пренебречь этим. Разобравшись в голосах и их параллельном движении, а также благодаря аккуратному и своевременному оправданному использованию, параллельные гармонии могут привнести в музыку достаточно интересные ходы.
Давайте взглянем на три варианта использования параллельных гармоний, которые ломают правила музыки, устоявшиеся еще в XVIII веке.
Параллельное движение
Простейшим вариантом применения параллелизма можно назвать параллельное движение. При использовании параллельного движения можно особо не переживать о совместном движении аккордов вверх или вниз в одно и то же время — основное внимание должно уделяться межинтервальным отношениям между звуками.
В данном примере можно заметить, что ноты далеко не всегда «движутся» в одном направлении. Несмотря на это, тональность музыкальной зарисовки остается неизменной (в нашем случае это Фа мажор), а звуки хорошо соотносятся друг с другом.
Конечно, такой пример сложно назвать полноценной параллельной гармонией, но это довольно неплохая отправная точка для освоения этой техники. Разобравшись с принципами этого примера, стоит углубиться в премудрости параллельных гармоний.
Параллельные интервалы
В этом примере сохраняется не только интервал между основными звуками аккорда, но и расстояние между каждым из звуков, входящих в аккорд.
Совсем не обязательно использовать параллельные интервалы только с обычными трезвучиями или простыми устойчивыми интервалами. Можно «наслаивать» и другие интервалы выше последних звуков: к примеру, добавить кварты для создания по истине многослойной текстуры.
Сами по себе интервалы могут звучать достаточно неприятно или даже не разрешённо, но при исполнении (во время «движения» музыки) их звучание станет более понятным.
Параллельные аккорды
Как только вы освоитесь с применением обыкновенного движения и интервалов, самое время браться за что-то более сложное, а именно за использование параллельных аккордов.
Использование параллельных аккордов применяется во многих музыкальных стилях: от популярной и танцевальной музыки и до джаза и рока. В рамках «домашней работы» можно послушать творчество таких композиторов как Клод Дебюсси или Жозефа Мориса Равеля, чтобы понять применение параллельных аккордов на практике.
При использовании параллельных аккордов, каждая нота аккорда движется в рамках одного интервала (каждая нота повышается на полтона, или каждая нота понижается до какого-либо тона), а межинтервальные отношения между индивидуальными аккордами сохраняются. Таким образом, получается нисходящее или восходящее движение аккордов одинаковой или похожей структуры без учета каких-либо правил традиционной гармонии.
Допустим, если вы используете минорный нонаккорд, то и все последующие и параллельные аккорды также должны быть минорными нонаккордами. При таком положении вещей придется использовать аккорды вне тональности музыкального произведения, над которым вы работаете, но это совершенно нормально.
Заключение
Пытаясь применить параллельные гармонии в собственной музыке, постарайтесь начать с малого: используйте их аккуратно, по чуть-чуть и только в тех случаях, когда это будет оправдано.
Использование мелодий с параллельными аккордами в аккомпанементе может стать хорошим подспорьем в создании необычных и удивительных проигрышей в середине песни, а также привлечь дополнительное внимание слушателей в те моменты, когда с этим не может справиться традиционная музыкальная гармония.
В рубрике «Теория музыки», вы узнаете, что это такое, для чего нужно и кому необходимо. Также ниже будут идти отдельные бесплатные уроки как для начинающих чайников, так и для профи. Там мы подробно будем раскрывать теоретические вопросы данной темы.
— это определенный комплекс учебных и научных дисциплин музыковедения, которые занимаются теоретическими аспектами музыки. Все это формирует главную базу для .
Вот лишь некоторые дисциплины (разделы теории музыки):
- Инструментоведение — изучение музыкальных инструментов
- Оркестровка — изложение музыки для оркестра
- Гармония — дисциплина об организации музыки
- Полифония — изучение полифонических композиций
- Ритмика — изучает метр и ритм
- Музыкальная форма — дисциплина о строении произведения
Еще сюда входят дополнительные курсы по теории музыкального содержания, современной композиции, музыкальной текстологии и многое другое.
Есть еще такое понятие, как элементарная теория музыки . Это такой упрощенный вариант свода теоретических положений о музыке. Как правило, предназначено для начального освоения музыкальной грамоты.
Несмотря на то, что сейчас очень много информации, у многих все равно сидит каша в голове из обрывков каких-то знаний. В итоге, некоторым людям кажется, что это все очень легко. Ведь они вроде бы и понимают информацию, но применить не могут. Поэтому им кажется, что это легко.
Кому-то наоборот, кажется, что очень сложно. Как правило, они открывают классические учебники по теории музыки и думают — «Зачем мне это все нужно, что это такое и как я могу применить на практике?»
У нас много учебников по теории музыки. Многим из них уже по 50 лет. При этом они не теряют своей актуальности потому что они рассчитаны на классическую школу.
То, что мы изучаем сейчас, у нас даже нет такого количества жанров, как в классической музыке. У нас нет чего-то глобального сейчас. Мы не пишем оперы, симфонии и так далее.
Поэтому теория музыки — это основная база, которую еще никто не отменял. Там все очень грамотно написано и систематизировано.
Но если вы занимаетесь современной музыкой, вам все же придется изучить эту базу и начать двигаться дальше.
Почему важно знать музыкальную теорию
Музыкальную теорию нужно обязательно знать всем, кто занимается музыкой. И не важно, вокалисты, гитаристы или барабанщики! Все, кто играет на каких-то инструментах, поет, сочиняет песни обязательно нужно знать основную базу.
К сожалению, очень часто можно слышать от многих музыкантов, что они снимают партии на слух. Поэтому им не нужно знать ноты, интервалы и тому подобное.
Попадаются и барабанщики, которые играют уже более пяти лет и за все это время не выучили нот. Мало того, что не выучили, так они даже и не собираются этого делать. Они считают, что это вовсе не обязательно.
Но это обязательно! И не важно для кого. Теория музыки для чайников или для профи. Все равно, ее нужно знать и постоянно освежать в своей памяти.
В классическом исполнении нотный материал называют нотным текстом. Слово «текст» стоит тут не случайно. Ведь по сути нотный текст- это тоже самое, что книги, учебники с обычным печатным текстом. И чтение с листа называют потому что это действительно, очень похоже на простое чтение.
Когда ты знаешь ноты и умеешь играть, фактически, это становится очень легко. Ты можешь даже, не проигрывая услышать то, что написано.
С учетом того, что ноты называют текстом, представьте, что вы учитесь в общеобразовательной школе и не умеете читать. То есть, не знаете букв.
Бесспорно, вы сможете чему-то научиться. Например, посмотреть различные обучающие видео. Но читать вы все равно не умеете.
И многому вы все равно не научитесь, пока не сможете нормально читать. Ведь в таком случае большой пласт человеческих знаний для вас просто будет не доступен.
Тоже самое относится и к музыке. Особенно когда вы не знаете теории хотя бы каких-то элементарных вещей. Здесь будет абсолютно тоже самое, что и в вышеприведенном примере.
Что важно в теории музыки для начинающих и профи
Теперь я скажу то, что нужно знать в теории музыки для начинающих и профи. Тем, кто занимается вокалом, играет на музыкальных инструментах и тем, кто пишет музыку. Очень часто спрашивают — «А что мне нужно знать, что почитать и так далее? »
Давайте начнем с вокалиста.
Я выше говорил, что знание нот — это грубо говоря, знание букв. Но вы должны понимать, что знать только буквы для вас будет недостаточно. Нужно научиться эти буквы складывать в слоги, после чего складывать в слова. Только тогда у вас будет полноценная картина.
После того, как вы будете знать музыкальную нотацию, вы должны переходить к изучению интервалов . Для вокалистов это самое главное!
Ясно же, что вы как вокалист, не будете петь аккордами и так далее. Поэтому стадию интервалов вы должны овладеть в совершенстве.
Знаете, люди, которые поют и не знают интервалов (например, не могут прописать себе бэк-вокал) будут всегда идти в слепую. Это все равно, что плыть в океане без карты и компаса.
В общем, интервалы очень важны! В них сразу проигрываем, поем.
Помимо гармонической составляющей (то что мы подразумеваем высотой звука, ноты), в музыке есть вторая очень важная ветка. Это временная составляющая . Это то, что называют длительностями.
В разные времена были больше тенденции. Например, где-то в гармонической составляющей в эпоху романтизма появлялись новые гармонии. Очень часто экспериментировали в этом направлении.
Сейчас такое время, когда в современной музыке очень важна ритмическая составляющая.
Самый элементарный пример, это когда придумали брейкдаун на нулях. Многие считают, что это приметив. Но на самом деле это гениально потому что никто не придумал ничего нового!
Наоборот, убрали лишнее и из средств остался только ритм. Там гармонии нет. Там фактически, только одна нота. Там остается только одно измерение и это ритм.
На самом деле это тоже очень важно и им нужно владеть в совершенстве. И вокалистом это нужно это понимать. Ведь они тоже поют под метроном (чаще всего записываются).
Для инструменталистов это еще важнее. А для барабанщиков это совсем супер важно потому что у них фактически, есть условная высота ноты.
Естественно, у барабанов есть высота звука. Они все отличаются по звуку и так далее. Но в целом, минимум гармонических средств у барабанщика, но при этом больше ритмических.
Теория музыки для композитора
Теперь поговорим про теорию музыки для композитора. Очень часто спрашивают о том, что мне нужно знать, чтобы начать писать музыку. Как, с чего начинать и так далее.
Давайте опять вернемся к музыкальной теории для чайников. Представим, что вы не просто ее знаете, а можете свободно применять.
В таком случае вы в полном объеме овладеваете игрой на инструменте. То есть вы сможете сразу свободно что-нибудь сыграть.
Для этого вам не нужно будет репетировать, долго сидеть и настраиваться. То есть вы играете уже совершенно свободно.
Тоже самое в плане теоретических знаний и применения, это касается и композитора. То есть как минимум, он должен уметь свободно сыграть цепочку аккордов. Только в таком случае у него появится нормальный инструмент для написания музыки.
После того, когда вы изучите теорию музыки в таком достаточном объеме, нужно сделать следующее. Если вы хотите написать свою песню, то открываете какой-нибудь понравившейся пример и затем анализируете его.
Например, проанализировать форму самой песни (куплет, припев). То есть вы сначала разбираете ее на составляющие и создаете некую форму. После этого анализируете сколько квадратов. Классически, припев идет четыре квадрата. Это четыре музыкальные фразы или четыре строчки текста.
Вот все это вы анализируете более подробно. Например, где-то там есть переходы, где-то может быть модуляция и так далее. В итоге вы уже запасаетесь такими инструментами, из которых потом будете лепить свою песню.
После этого анализируйте гармонию.
Ведь есть много шедевров, в которых два аккорда и две ноты на вокале. Но в итоге выглядит все это гениально. Вот в этом и заключается композиторское мастерство.
Чего не хватает тем, кто пишет музыку?
В принципе, не сложно придумать вокальную мелодию. Но чтобы это звучало, должна быть так называемая аранжировка. А это как раз-таки большой набор средств, которые можно грамотно применять.
Конечно же, сегодня нужно обладать своим музыкальным вкусом и талантом. Ведь композиторство — это творческий процесс. К нему можно подойти только с умом и фантазией.
В современной музыке в отличие от классической нет никаких рамок. Фактически, вы можете делать все что душе угодно.
Но в тоже время вы должны понимать, что многие хотят что-то придумать такое, чего еще не было. Например, я сделаю так, как не надо делать потому что до этого еще никто не делал. И тем самым придумаю что-то новое.
Скажу, что вы так ничего нового не придумаете!
До вас так не делали не потому что они до этого не додумались, а потому что это просто не звучит. Поэтому старайтесь получать знания, применять их грамотно и слушать много разной музыки.
Напоследок перед изучением
Теперь вы знаете, что такое теория музыки и почему она так важна для всех, кто занимается таким искусством.
Возможно вы недавно начали работать в музыкальных редакторах и теперь хотите побольше узнать о том, как организованна музыка.
Может быть вы звукорежиссер и много лет занимаетесь записью и микшированием звука. А теперь хотите повысить свою музыкальную грамотность.
А может вы композитор и хотите разнообразить свои аранжировки. Может вы хотите научиться читать и писать партитуру. Или же просто хотите освежить в памяти материал, который проходили в музыкальной школе.
Вне зависимости от вышеперечисленного, для вас мы рассмотрим все азы музыкальной теории от А до Я. Ниже идут бесплатные уроки в виде статей. Они дадут вам ту необходимую базу знаний, который должен владеть каждый.
Сказать спасибо кнопками ниже:
В этом материале мы более подробно рассмотрим, что такое звук, его скорость, громкость и другие важные определения. Также поговорим про частоту, высоту и ноты.
Основы нотной грамоты – то, с чего начинаются серьёзные занятия музыкой. В этой краткой статье не будет ничего лишнего, только простые основы нотной грамоты.
Нот всего семь, их названия каждому знакомы с детства: до ре ми фа соль ля си . Этот ряд из семи основных нот может быть продолжен их повторением в любом направлении – прямом или обратном. Каждое новое повторение данного ряда будет называться октавой .
Два важнейших измерения, в которых существует музыка – пространство и время . Именно это и отражено в нотной записи: компонент пространства – звуковысотность, компонент времени – ритм .
Ноты записываются специальными значками в виде эллипсисов (овалов). Для отображения высоты звучания используется : чем выше звучит нота, тем выше её расположение на линейках (или между линейками) нотоносца. Нотоносец состоит из пяти линеек , которые считаются снизу вверх.
Для того чтобы записать точную высоту звука нотами используются ключи – специальные знаки, которые указывают ориентиры на нотоносце. Например:
Скрипичный ключ означает, что за точку отсчёта берётся нота соль первой октавы, которая занимает вторую линейку.
Басовый ключ означает, что за точкой отсчёта становится нота фа малой октавы, которая записывается на четвёртой линейке.
Альтовый ключ означает, что нота до первой октавы записывается на третьей линейке.
Теноровый ключ говорит о том, что нота до первой октавы записывается на четвёртой линейке.
Это наиболее употребительные в музыкальной практике ключи – далеко не каждый музыкант умеет свободно читать ноты во всех этих ключах, чаще всего средний музыкант владеет двумя-тремя ключами. Подробнее о том, как запомнить ноты в скрипичном и басовом ключе вы можете узнать из специального тренинга, который даёт ощутимые результаты после проработки всех упражнений. Кликните для ознакомления.
Как правило, основы нотной грамоты объясняют на примере скрипичного ключа. Посмотрите, как это выглядит, и пойдём дальше.
Время в музыке измеряется не в секундах, а в долях , однако по тому, как они равномерно чередуются в своём движении, их можно сравнить с течением секунд, с равномерными ударами пульса или колокола. Быстрота или медленность смен долей определяется общей скоростью движения музыки, называемой темпом . Длительность каждой доли в секунду можно вычислить опытным путём, используя песочные часы или секундомер и – специальный прибор, который даёт точное число одинаковых ударов-долей в минуту.
Для записи ритма в нотах отображаются длительности каждой ноты. Графическое выражение длительности относится к изменениям вида значка – он может быть закрашенный или не закрашенный, иметь штиль (палочку) или хвост. Каждая длительность занимает определенное число долей или их частей:
Как уже было сказано, доли организуют музыкальное время, но не все доли играют в этом процессе одинаковую роль. В широком смысле доли разделяются на сильные (тяжёлые) и слабые (лёгкие). Сильные доли можно сравнить с ударениями в словах, а слабые доли, соответственно, с безударными слогами. И вот что интересно! В музыке ударные и безударные слоги (доли) чередуются так же, как и в стихотворных размерах. И даже само это чередование называется не иначе как размер, только в стихосложении ячейка размера называется стопой, а в музыке – тактом .
Итак, такт – это время от одной сильной доли до следующей сильной доли. Размер такта имеет числовое выражение, напоминающее дробь, в которой «числитель» и «знаменатель» будут указывать на параметры такта: числитель – сколько долей, знаменатель – какой нотой по длительности эта доля может быть измерена.
Размер такта указывается один раз в начале произведения после ключей. Размеры бывают простыми и сложными. Естественно, те, кто начал изучать основы музыкальной грамоты, в первую очередь знакомятся с простыми размерами. Простые размеры – это двух и трёхдольные, сложные – это те, которые составлены (сложены) из двух или нескольких простых (например, четырёхдольные или шестидольные).
Что важно понимать? Важно понимать, что размером определена точная «порция» музыки, которую можно «запихать» в один такт (ни больше и ни меньше). Если размер такта 2/4, то это значит, что в такте уместится только две четвертные ноты. Другое дело, что эти четвертные могут, как дробиться на восьмушки и шестнадцатые ноты, так и объединяться в половинные длительности (и тогда одна половинная нота займет весь такт).
Ну вот, на сегодня достаточно. Это ещё не вся нотная грамота, но действительно хорошая основа. В следующих статьях вы узнаете много нового, например, о том, что такое диез и бемоль, в чём различие записей музыки вокальной и инструментальной, как расшифровываются «знаменитые» аккорды Am и Em и.д. В общем, следите за обновлениями, пишите свои вопросы в комментариях, делитесь материалом с друзьями в контакте (используйте социальные кнопки внизу страницы).
