Жанр натюрморта в современной живописи. Натюрморты. Рисуем то, что под рукой. Натюрморты известных художников
Даже люди неискушенные в живописи имеют представление о том, как выглядят натюрморты. Это картины, на которых изображены композиции из каких-либо предметов быта или цветов. Однако далеко не все знают, как переводится это слово - натюрморт. Сейчас мы поведаем вам об этом и о многом другом, что связано с данным жанром.
Происхождение слова "натюрморт"
Так вот, выражение nature morte пришло в русский язык, конечно же, из французского. Как вы сами видите, оно разделено на две части - "nature" и "morte", которые переводятся соответственно как "природа, натура, жизнь" и "мертвый, тихий, неподвижный". Теперь складываем две части воедино и получаем всем знакомое слово "натюрморт".
Опираясь на все вышесказанное, можно сделать заключение, что натюрморты - это жанр станковой живописи, изображение художником на холсте застывшей, неподвижной натуры. Правда, иногда мастера натюрморта дополняют свои вполне живых существ - бабочек, гусениц, паучков и жучков и даже птиц. Но исключение только подтверждает основное правило.
Формирование жанра
История натюрморта насчитывает вот уже почти 600 лет. До XVI в. никому и в голову не могло прийти, что можно рисовать красками какие-то неодушевленные предметы, пусть даже очень красивые. Натюрморты-картины просто не существовали в те времена. В средние века живопись была всецело посвящена Богу, церкви и человеку. Художники писали картины на религиозные сюжеты, также были в почете портреты. Даже пейзаж выступал лишь в качестве дополнения.
Но все-таки некоторые элементы натюрморта встречались уже в 15 веке у голландских живописцев. На их картинах с традиционным религиозным или мифологическим содержанием, а также на портретах встречаются изображения тщательно выписанных цветочных гирлянд, книг, посуды и даже человеческих черепов. Пройдет пара веков, и весь мир будет восторгаться творениями так называемых Малых голландцев - мастеров натюрмортной живописи.
Однако своему выделению в самостоятельный жанр изобразительного искусства натюрморт обязан отнюдь не голландцам, а французам. Такие как Франсуа Депорт, Моннуайе и Жан-Батист Удри сформулировали основные принципы "предметной" живописи, сформировали ее основную концепцию и явили широкой публике всю красоту и очарование натюрморта.
Эпоха Малых голландцев - расцвет натюрмортной живописи
Итак, попробуем отмотать несколько веков назад для того, чтобы понять кто такие Малые голландцы и почему, когда речь заходит о классическом натюрморте, вспоминают всегда именно их. Первые голландские натюрморты - это творения живописцев, живших в Нидерландах в 17 веке. Малые голландцы - так принято называть школу живописи и сообщество художников, создававших картины бытовой направленности небольших размеров. Конечно, они писали не только натюрморты.
Среди них было много пейзажистов и мастеров жанровой живописи. Их полотна были предназначены вовсе не для дворцов и церквей, а для украшения жилища самых обычных горожан. В то время в маленькой Голландии жило около 3-х тысяч художников, и все они отличались огромной работоспособностью и умением хорошо переносить на холст красоту обыденного мира. Впоследстии искусствоведы назовут это время Голландским Ренесансом. Именно тогда жанр натюрморта получил широкое распространение.
Лучшие голландские натюрморты
На прекрасных как на витрине, разложены перед зрителями различная кухонная утварь, фрукты, роскошные цветы, предметы быта. Очень были популярны цветочные натюрморты. Это отчасти было вызвано тем, что в Нидерландах испокон веков существовал культ цветов и садоводства. Одними из самых ярких представителей голландской натюрмортной живописи 17 в. являлись художники Ян Давидс де Хем, а также его сын Корнелис де Хем.
Их живописные творения получили популярность и известность во многом благодаря тому, что они мастерски умели изображать цветы и фрукты. Тщательная проработка деталей вкупе с утонченной цветовой гаммой и идеально построенной композицией делали их картины бесподобными. Эти художники рисовали роскошные цветочные букеты, стоящие в прекрасных вазах, рядом с которыми порхают бабочки; гирлянды фруктов; прозрачные бокалы, наполненные вином; блюда с виноградом и другими фруктами; музыкальные инструменты и т. д. Известные натюрморты отца и сына поражают своей реалистичностью, тонкой передачей игры света и изысканным колоритом.
Натюрморт в живописи импрессионистов
Большое внимание уделяли жанру натюрморта и французские импрессионисты, а также постримпрессионисты. Естественно, их манера письма резко отличалась от реалистической изысканности Малых голландцев, ведь классическая живопись импрессионистов не привлекала. Клод Моне, Эдуард Мане, Эдгар Дега, Ван Гог - все эти художники любили писать цветы и растения, ведь и те и другие являются частью природы, красоту которой они воспевали всю свою жизнь.
Огюст Ренуар написал за свою жизнь целую галерею прекрасных воздушных натюрмортов. Иногда изображение "застывшей натуры" требуется импрессионистам лишь в качестве дополнения. Например, в картине "Завтрак на траве" Эдуарда Мане на первом плане можно увидеть великолепный натюрморт из разбросанной одежды, рассыпанных по траве фруктов и снеди. Ван Гог писал много необычных натюрмортов. Многие знают его картины "Подсолнухи" или "Ирисы", но у него еще есть такие полотна, как или "Стул Ван Гога" - все это также образцы натюрмортной живописи.
Русский натюрморт
Удивительно, что в России натюрморт в виде отдельного жанра не был востребован долгое время, так как считался чуть ли не низшим из всех видов изобразительного искусства, который не требует ни фундаментальных знаний, ни специальных навыков в живописи. Только во второй половине XIX в. русские передвижники смогли вызвать у российской публики интерес к этому жанру искусства.
Впоследствии натюрмортной живописью увлекались многие русские живописцы. Натюрморты известных художников, таких как Игорь Грабарь, Кузьма Петров-Водкин, Иван Хруцкой, можно увидеть в залах Третьяковской галереи, Русского музея, Музея изобразительных искусств им. Пушкина в Москве, а также в Эрмитаже. Но настоящий расцвет натюрмортной живописи произошел в нашей стране в эпоху социализма.
Фото натюрморт
С приходом фотографии в мире искусства появился еще такой жанр, как фото натюрморты. Сегодня очень многие люди увлекаются созданием фотографических шедевров. Некоторые снимки просто поражают своим совершенством и мастерством фотографа. Иногда при помощи фотокамеры талантливым фотохудожникам удается заснять натюрморты, которые ничем не уступают самым знаменитым творениям Малых голландцев.
Для того чтобы начать рисовать натюрморт, нужно сначала его составить из каких-нибудь предметов. Для первых опытов в натюрмортной живописи лучше не делать сложных композиций, пары-тройки предметов будет вполне достаточно.
Далее рисуем натюрморт поэтапно. Сначала нужно сделать рисунок карандашом или углем. Потом следует легкий подмалевок, раскрывающий основные цвета и тени композиции, а уж затем можно приступать непосредственно к прорисовке деталей.
Натюрморт Натюрморт
(франц. nature morte, итал. natura morta, буквально - мёртвая природа; голл. stilleven, нем. Stilleben, англ. still life, буквально - тихая или неподвижная жизнь), жанр изобразительного искусства (главным образом станковой живописи), который посвящён изображению окружающих человека вещей, размещённых, как правило, в реальной бытовой среде и композиционно организованных в единую группу. Специальная организация мотива (так называемая постановка) - один из основных компонентов образной системы жанра натюрморт. Кроме неодушевленных предметов (например, предметов домашнего обихода), в натюрморте изображают объекты живой природы, изолированные от естественных связей и тем самым обращённые в вещь, - рыбу на столе, цветы в букете и т. п. Дополняя основной мотив, в натюрморт может входить изображение людей, животных, птиц, насекомых. Изображение вещей в натюрморт имеет самостоятельное художественное значение, хотя в процессе развития он нередко служил выражению символического содержания, решению декоративных задач или естествоиспытательски точной фиксации предметного мира и т. п. Вместе с тем натюрморт, может характеризовать не только вещи сами по себе, но и социальное положение, содержание и образ жизни их владельца, порождать многочисленные ассоциации и социальные аналогии.
Натюрмортные мотивы как детали композиций встречаются уже в искусстве Древнего Востока и античности, с натюрмортом отчасти сопоставимы некоторые явления в средневековом искусстве Дальнего Востока (например, так называемый жанр "цветы-птицы"), но рождение натюрморта как самостоятельного жанра происходит в новое время, когда в творчестве итальянских и особенно нидерландских мастеров Возрождения развивается внимание к материальному миру, к его конкретно-чувственному изображению. Историю натюрморта как жанра станковой живописи, и в частности его типа "trompe l"oeil" (так называемая обманка), открывает иллюзионистически точно воссоздающий предметы "Натюрморт" итальянца Якопо де Барбари (1504). Распространение жанра натюрморт приходится на вторую половину XVI - начало XVII вв., чему способствовали характерные для этой эпохи естественнонаучные склонности, интерес искусства к быту и частной жизни человека, а также само развитие методов художественного освоения мира (работы нидерландца П. Артсена, фламандца Я. Брейгеля Бархатного и др.).
Эпоха расцвета натюрморта - XVII в. Многообразие его типов и форм в это время связано с развитием национальных реалистических школ живописи. В Италии и Испании подъёму натюрморта во многом способствовало творчество Караваджо и его последователей (см. Караваджизм). Излюбленными темами натюрморта были цветы, овощи и фрукты, дары моря, кухонная утварь и т. п. (П. П. Бонци, М. Кампидольо, Дж. Рекко, Дж. Б. Руопполо, Э. Баскенис и др.). Испанскому натюрморту свойственны возвышенная строгость и особая значительность изображения вещей (X. Санчес Котан, Ф. Сурбаран, А. Переда и др.). Интерес к бытовому характеру вещей, интимность, нередко демократизм образов ярко проявились в голландском натюрморте. Для него характерны особое внимание к передаче световой среды, разнообразной фактуры материалов, тонкость тональных отношений и цветового строя - от изысканно скромного колорита "монохромных завтраков" В. Хеды и П. Класа до напряжённо-контрастных, колористически эффектных композиций В. Калфа ("десерты"). Голландский натюрморт отличает обилие различных типов этого жанра: "рыбы" (А. Бейерен), "цветы и фрукты" (Я. Д. де Хем), "битая дичь" (Я. Венике, М. Хондекутер), аллегорический натюрморт "vanitas" ("суета сует") и др. Фламандский натюрморт (главным образом "рынки", "лавки", "цветы и фрукты") выделяется размахом и одновременно декоративностью композиций: это гимны плодородию и изобилию (Ф. Снейдерс, Я. Фейт), В XVII в. развивается также немецкий (Г. Флегель, К. Паудис) и французский (Л. Божен) натюрморт. С конца XVII в. во французском натюрморте восторжествовали декоративные тенденции придворного искусства ("цветы" Ж. Б. Моннуайе и его школы, охотничий натюрморт А. Ф. Депорта и Ж. Б. Удри). На этом фоне подлинной человечностью и демократизмом выделяются произведения одного из самых значительных мастеров французского натюрморта - Ж. Б. С. Шардена, отмеченные строгостью и свободой композиций, тонкостью колористических решений. В середине XVIII в. в период окончательного сложения академической иерархии жанров возник термин "nature morte", который отразил пренебрежительное отношение к этому жанру сторонников академизма, отдававших предпочтение жанрам, областью которых была "живая натура" (исторический жанр, портрет и др.).
В XIX в. судьбы натюрморта определяли ведущие мастера живописи, работавшие во многих жанрах и вовлекавшие натюрморт в борьбу эстетических взглядов и художественных идей (Ф. Гойя в Испании, Э. Делакруа, Г. Курбе, Э. Мане во Франции). Среди мастеров XIX в., специализировавшихся в этом жанре, выделяются также А. Фантен-Латур (Франция) и У. Харнет (США). Новый подъём натюрморт был связан с выступлением мастеров постимпрессионизма, для которых мир вещей становится одной из основных тем (П. Сезанн, В. ван Гог). С начала XX в. натюрморт является своего рода творческой лабораторией живописи. Во Франции мастера фовизма (А. Матисс и др.) идут по пути обострённого выявления эмоциональных и декоративно-экспрессивных возможностей цвета и фактуры, а представители кубизма (Ж. Брак, П. Пикассо, X. Грис и др.), используя заложенные в специфике натюрморта художественно-аналитические возможности, стремятся утвердить новые способы передачи пространства и формы. Натюрморт привлекает и мастеров других течений (А. Канольдт в Германии, Дж. Моранди в Италии, Ш. Лукьян в Румынии, Б. Кубишта и Э. Филла в Чехии и др.). Социальные тенденции в натюрморте XX в, представлены творчеством Д. Риверы и Д. Сикейроса в Мексике, Р. Гуттузо в Италии.
В русском искусстве натюрморт появился в XVIII в. вместе с утверждением светской живописи, отражая познавательный пафос эпохи и стремление правдиво и точно передать предметный мир ("обманки" Г. Н. Теплова, П. Г. Богомолова, Т. Ульянова и др.). Дальнейшее развитие русского натюрморта в течение значительного времени носило эпизодический характер. Его некоторый подъём в первой половине XIX в. (Ф. П. Толстой, школа А. Г. Венецианова, И. Т. Хруцкий) связан с желанием увидеть прекрасное в малом и обыденном. Во второй половине XIX в. к натюрморту этюдного характера лишь изредка обращались И. Н. Крамской, И. Е. Репин, В. И. Суриков, В. Д. Поленов, И. И. Левитан; подсобное значение натюрморта в художественной системе передвижников следовало из их представления о главенствующей роли сюжетно-тематической картины. Самостоятельное значение натюрморта-этюда возрастает на рубеже XIX и XX вв. (М. А. Врубель, В. Э. Борисов-Мусатов). Расцвет русского натюрморта приходится на начало XX в. К его лучшим образцам относятся импрессионистические работы К. А. Коровина, И. Э. Грабаря; тонко обыгрывающие историко-бытовой характер вещей произведения художников "Мира искусства" (А. Я. Головин и др.); остро декоративные образы П. В. Кузнецова, Н. Н. Сапунова, С. Ю. Судейкина, М. С. Сарьяна и других живописцев круга "Голубой розы"; яркие, пронизанные полнотой бытия натюрморты мастеров "Бубнового валета" (П. П. Кончаловский, И. И. Машков, А. В. Куприн, В. В. Рождественский, А. В. Лентулов, Р. Р. Фальк, Н. С. Гончарова). Советский натюрморт, развиваясь в русле искусства социалистического реализма, обогащается новым содержанием. В 20-30-х гг. он включает и философское осмысление современности в обострённых по композиции произведениях (К. С. Петров-Водкин), и тематических "революционных" натюрмортах (Ф. С. Богородский и др.), и попытки вновь осязаемо обрести отвергнутую так называемыми беспредметниками "вещь" через эксперименты в области цвета и фактуры (Д. П. Штеренберг, Н. И. Альтман), и полнокровное воссоздание красочного богатства и многообразия предметного мира (А. М. Герасимов, Кончаловский, Машков, Куприн. Лентулов, Сарьян, А. А. Осмёркин и др.), а также поиски тонкой колористической гармонии, поэтизацию мира вещей (В. В. Лебедев, Н. А. Тырса и др.). В 40-50-х гг. значительно многообразные по манере натюрморты, отражающие существенные особенности современные эпохи, создали П. В. Кузнецов, Ю. И. Пименов и др. В 60-70-х гг. в натюрморте активно работают П. П. Кончаловский, В. Б. Эльконик, В. Ф. Стожаров, А. Ю. Никич. Среди мастеров натюрморта в союзных республиках выделяются А. Акопян в Армении, Т. Ф. Нариманбеков в Азербайджане, Л. Свемп и Л. Эндзелина в Латвии, Н. И. Кормашов в Эстонии. Тяготение к повышенной "предметности" изображения, эстетизация окружающего человека мира вещей обусловили интерес к натюрморту молодых художников 70-х - начала 80-х гг. (Я. Г. Анманис, А. И. Ахальцев, О. В. Булгакова, М. В. Лейс и др.).
В. Хеда. "Завтрак с ежевичным пирогом". 1631. Картинная галерея. Дрезден.
П. Сезанн. "Персики и груши". Конец 1880-х гг. Музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина. Москва.
К. С. Петров-Водкин. "Утренний натюрморт". 1918. Русский музей. Ленинград.
И. И. Машков. "Снедь московская: хлебы". 1924. Третьяковская галерея. Москва.
Источник: «Популярная художественная энциклопедия.» Под ред. Полевого В.М.; М.: Издательство "Советская энциклопедия", 1986.)
натюрмо́рт (франц. nature morte – мёртвая природа), один из жанров живописи. В натюрмортах изображаются дары природы (плоды, цветы, рыба, дичь), а также вещи, сделанные руками человека (столовая утварь, вазы, часы и т. д.). Иногда неодушевлённые предметы соседствуют с живыми существами – насекомыми, птицами, животными и людьми.
Натюрморты, включённые в сюжетные композиции, встречаются уже в живописи Древнего мира (настенные росписи в Помпеях
). Сохранилось предание о том, что древнегреческий художник Апеллес столь искусно изобразил виноград, что птицы приняли его за настоящий и стали клевать. Как самостоятельный жанр натюрморт сложился в 17 в. и тогда же пережил свой яркий расцвет в творчестве голландских, фламандских и испанских мастеров.
В Голландии существовало несколько разновидностей натюрморта. «Завтраки» и «десерты» художники писали так, что казалось, будто человек где-то рядом и сейчас вернётся. На столе дымится трубка, скомкана салфетка, не допито вино в бокале, надрезан лимон, надломлен хлеб (П. Клас, В. Хеда, В. Калф). Популярны были также изображения кухонных принадлежностей, ваз с цветами и, наконец «Vanitas» («суета сует»), натюрморты на тему бренности жизни и её кратковременных радостей, призывавшие помнить об истинных ценностях и позаботиться о спасении души. Любимые атрибуты «Vanitas» – череп и часы (Ю. ван Стрек. «Суета сует»). Для голландских натюрмортов, как и вообще для натюрморта 17 в., характерно присутствие скрытого философского подтекста, сложная христианская или любовная символика (лимон был символом умеренности, собачка – верности и т. д.) Вместе с тем художники с любовью и восторгом воссоздавали в натюрмортах многообразие мира (переливы шелков и бархата, тяжёлые ковровые скатерти, мерцание серебра, сочные ягоды и благородное вино). Композиция натюрмортов проста и устойчива, подчинена диагонали или форме пирамиды. В ней всегда выделен главный «герой», например бокал, кувшин. Мастера тонко выстраивают взаимоотношения между предметами, противопоставляя или, наоборот, сопоставляя их цвет, форму, фактуру поверхности. Тщательно выписаны мельчайшие детали. Небольшие по формату, эти картины рассчитаны на пристальное рассматривание, долгое созерцание и постижение их скрытого смысла.
Фламандцы, напротив, писали крупные, порой огромные полотна, предназначенные для украшения дворцовых зал. Их отличают праздничное многоцветье, обилие предметов, сложность композиции. Такие натюрморты называли «лавками» (Я. Фейт, Ф. Снейдерс
). В них изображали столы, заваленные дичью, дарами моря, хлебами, а рядом – хозяев, предлагающих свой товар. Изобильная снедь, словно не умещаясь на столах, свисала, вываливалась прямо на зрителей.
Испанские художники предпочитали ограничиваться небольшим набором предметов и работали в сдержанной цветовой гамме. Посуда, фрукты или раковины на картинах Ф. Сурбарана
и А. Переды степенно расставлены на столе. Их формы просты и благородны; они тщательно вылеплены светотенью, почти осязаемы, композиция строго уравновешена (Ф. Сурбаран. «Натюрморт с апельсинами и лимонами», 1633; А. Переда. «Натюрморт с часами»).
В 18 в. к жанру натюрморта обратился французский мастер Ж.-Б. С. Шарден
. Его картины, изображающие простую, добротную утварь (миски, медный бак), овощи, немудрёную снедь, наполнены дыханием жизни, согреты поэзией домашнего очага и утверждают красоту повседневного бытия. Шарден писал также аллегорические натюрморты («Натюрморт с атрибутами искусств», 1766).
В России первые натюрморты появились в 18 в. в декоративных росписях на стенах дворцов и картинах-«обманках», в которых предметы воспроизводились настолько точно, что казались настоящими (Г. Н. Теплов, П. Г. Богомолов, Т. Ульянов). В 19 в. традиции обманки были переосмыслены. Натюрморт переживает подъём в первой пол. 19 в. в творчестве Ф. П. Толстого
, переосмыслившего традиции «обманок» («Ягоды красной и белой смородины», 1818), художников венециановской школы
, И. Т. Хруцкого. В обыденных предметах художники стремились увидеть красоту и совершенство.
Новый расцвет жанра наступает в кон. 19 – нач. 20 в., когда натюрморт становится лабораторией творческих экспериментов, средством выражения индивидуальности художника. Натюрморт занимает значительное место в творчестве постимпрессионистов – В. Ван Гога
, П. Гогена
и прежде всего П. Сезанна
. Монументальность композиции, скупые линии, элементарные, жёсткие формы в картинах Сезанна призваны выявить конструкцию, основу вещи и напомнить о незыблемых законах мироустройства. Художник лепит форму цветом, подчёркивая её материальность. В то же время неуловимые переливы цветовых оттенков, особенно холодного голубого, сообщают его натюрмортам ощущение воздуха и простора. Линию сезаннистского натюрморта продолжили в России мастера «Бубнового валета
» (И. И. Машков
, П. П. Кончаловский
и др.), соединив её с традициями русского народного творчества. Художники «Голубой розы»
(Н. Н. Сапунов
, С. Ю. Судейкин
) создавали ностальгические, стилизованные под старину композиции. Философскими обобщениями проникнуты натюрморты К. С. Петрова-Водкина
. В 20 в. в жанре натюрморта решали свои творческие задачи П. Пикассо
, А. Матисс
, Д. Моранди. В России крупнейшими мастерами этого жанра были М. С. Сарьян
, П. В. Кузнецов
, А. М. Герасимов, В. Ф. Стожаров и др.
Инструкция
Натюрморт как жанр выделился не сразу, долгое время картины, изображающие цветы и предметы быта, использовали как обрамляющее дополнение к другим полотнам, а также как украшение на створках мебели. Первые самостоятельные картины появились примерно 17-м веке. Тогда изображения предметов стали использовать как аллегории, и каждый предмет имел дополнительный символичный смысл. Позже натюрморт стал популярен среди художников, однако считался низшим жанром.
Существует несколько видов натюрморта, один из самых ранних и распространенных – цветочный натюрморт, следующий по популярности - натюрморт сервированного стола. Продолжает существовать и символичный натюрморт. еще один вид, появившийся относительно недавно - абстрактный натюрморт, в этом стиле предметы изображаются не реалистично, формы схематичны, а цвета лишены плавных переходов.
Если вы увлекаетесь рисованием, наверняка вы сделали уже немало рисунков и картин в этом жанре. Для того чтобы нарисовать натюрморт не нужно тратить время и силы на поиски интересных объектов для рисования, вы всегда можете составить хорошую композицию из предметов, которые всегда под рукой. Используйте в качестве фона драпировку, небольшой кусок ткани вполне подойдет. Расположите объекты так, чтобы у вас получилось несколько планов, помните, что предметы большого размера должны находиться на заднем плане и собой те, что меньше. Поставьте дополнительный боковой источник цвета, это придаст объектам объем. Регулярные упражнения с такими постановками позволят вам оттачивать свои навыки рисования.
Видео по теме
Источники:
- Композиция в натюрморте
- Что такое натюрморт
Хороший натюрморт рождается задолго до того, как вы возьмете в руки краски и кисточку. Успех зависит от того, как вы выберете предметы, которые будете рисовать, и каким образом расположите их в пространстве.
Инструкция
Придумайте тему натюрморта. Безусловно, можно поставить на стол все предметы сразу, но гораздо логичнее будут выглядеть компоненты, объединенные одной историей, угадываемой личностью их хозяина или хотя бы стилистически.
Рассортируйте все составные части по форме. Желательно, чтобы она была разнообразна – найдите предметы высокие и низкие, широкие и узкие. В противном случае однообразие форм на картине приведет к тому, что всё смешается в одну массу и объекты просто «выпадут» из поля зрения.
Проследите за тем, чтобы не состоял из продуктов и вещей, которые не сочетаются по цвету. Если вам сложно определить это на глаз, воспользуйтесь цветовым кругом. Впишите в него равносторонний треугольник. Его углы будут указывать на три основных цвета, хорошо сочетающихся друг с другом. В качестве дополнительных цветов можно взять оттенки, которые находятся по бокам от основных.
Подберите подходящий фон. Можно разложить натюрморт на драпировке или непокрытой поверхности. Важно, чтобы по цвету она была нейтральной (если оттенки предметов насыщенные) или сочеталась со всей композицией. В любом случае фон не должен забирать на себя львиную долю внимания зрителя.
Переходим к заключительной стадии этой серии постов о жанре натюрморта. Он будет посвящен творчеству художников России.
Начнем пожалуй с Федора Петровича Толстого (1783-1873). Натюрмортная графика Ф.П. Толстого, известного русского скульптора, медальера, рисовальщика и живописца, наверно, наиболее выдающаяся и ценная часть его творческого наследия, хотя сам художник говорил, что создавал эти произведения “в свободное от серьезных занятий время”.
Главное свойство натюрмортных рисунков Толстого — их иллюзорность. Художник тщательно копировал натуру. Он пытался, по его собственным словам, “со строгой отчетливостью передать с натуры на бумагу копируемый цветок так, как он есть, со всеми малейшими подробностями, принадлежащими этому цветку”. Чтобы ввести зрителя в заблуждение, Толстой использовал такие иллюзионистские приемы, как изображение капелек росы или полупрозрачная бумага, прикрывающая рисунок и помогающая обмануть зрение.
Илья Ефимофич Репин (1844-1930) также не раз обращался к такому мотиву натюрморта, как цветы. К таким произведениям можно отнести картину “Осенний букет” (1892, Третьяковская галерея, Москва), где художник с равным вниманием изображает осенний пейзаж, молодую женщину, стоящую на фоне золотистых деревьев, и скромный букет из желтых и белых цветов в ее руках.
И. Репин. Осенний букет. Портрет Веры Репиной. 1892, Третьяковская галерея
История картины “Яблоки и листья” несколько необычна. Натюрморт, сочетавший фрукты и листья, был поставлен для ученика Репина, В.А. Серова. Предметная композиция настолько понравилась учителю, что он решил сам написать такой натюрморт. Цветы и плоды привлекали многих художников, предпочитавших из других вещей именно эти, наиболее поэтично и красиво показывающие мир природы. Даже И.Н. Крамской, пренебрежительно относившийся к подобному жанру, также отдал дань натюрморту, создав эффектную картину “Букет цветов. Флоксы” (1884, Третьяковская галерея, Москва).
Валентин Александрович Серов (1865-1911) известен большинству из нас как художник, уделявший в своем творчестве внимание в области пейзажа, портрета и исторической живописи. Однако, следует заметить, что предмет в его творчестве всегда играл важную роль и нередко занимал такое же равноправное положение, как и другие элементы композиции. Чуть выше я уже упомянул его ученическую работу "Яблоки на листьях", 1879 года, выполненный под руководством Репина. Если сравнить эту работу с произведением, написанным на ту же тему Репиным, можно увидеть, что натюрморт Серова отличается большей этюдностью, чем полотно его учителя. Начинающий художник использовал низкую точку зрения, поэтому первый и второй планы совмещены, а фон уменьшен.
Известная всем с детства картина "Девочка с персиками" выходит за рамки портретного жанра и не случайно названа она “Девочка с персиками”, а не “Портрет Веры Мамонтовой”. Мы можем видеть, что здесь соединились черты портрета, интерьера и натюрморта. Художник уделяет равное внимание изображению девочки в розовой кофточке и немногочисленным, но умело сгруппированным предметам. На белой скатерти лежат нежно-желтые персики, кленовые листья и блестящий нож. Любовно выписаны и другие вещи, находящиеся на дальнем плане: стулья, большая фарфоровая тарелка, украшающая стену, фигурка игрушечного солдата, подсвечник на подоконнике. Солнечный свет, льющийся из окна и ложащийся на предметы яркими бликами, придает изображению поэтическое очарование.
Михаил Александрович Врубель (1856-1910) писал: “И опять меня обдает, нет, не обдает, а слышится мне та интимная национальная нотка, которую мне так хочется поймать на холсте и в орнаменте. Это музыка цельного человека, не расчлененного отвлечениями упорядоченного, дифференцированного и бледного Запада”.
В Академии художеств любимым преподавателем Врубеля был Павел Чистяков, учивший молодого живописца "рисовать формой" и утверждавший, что объемные формы не следует создавать в пространстве тушевкой и контурами, их следует строить линиями. Благодаря ему Врубель научился не просто показывать натуру, а словно вести с ней задушевную, почти любовную беседу. В таком духе выполнен чудесный натюрморт мастера “Шиповник” (1884).
На фоне изысканной драпировки с цветочными мотивами художник разместил изящную округлую вазочку, расписанную восточными узорами. Отчетливо выделяется нежный белый цветок шиповника, оттененный сине-зеленой тканью, а листья растения почти сливаются с тускло мерцающим черным горлышком вазы. Эта композиция исполнена невыразимой прелести и свежести, которой зритель просто не может не поддаться.
В период болезни Врубель стал больше писать с натуры, причем его рисунки отличаются не только чеканностью формы, но и совершенно особенной одухотворенностью. Кажется, что каждое движение руки художника выдает его страдания и страсти.
Особенно примечателен в этом отношении рисунок “Натюрморт. Подсвечник, графин, стакан”. Это сокрушительный триумф яростной объективности. Каждый предмет натюрморта несет в себе скрытую взрывчатую силу. Материал, из которого изготовлены вещи, будь то бронза подсвечника, стекло графина или матовый отблеск свечи, ощутимо дрожит от колоссального внутреннего напряжения. Пульсация передается художником короткими перекрещивающимися штрихами, из-за чего фактура приобретает взрывчатость и напряженность. Таким образом, предметы приобретают невероятную заостренность, в которой и заключается истинная суть вещей
.
Большого мастерства в создании натюрмортов-“обманок” достигли Г.Н. Теплов и Т. Ульянов. Чаще всего они изображали дощатую стенку, на которой были прорисованы сучки и прожилки дерева. На стенках развешаны или заткнуты за прибитые гвоздями тесемочки разнообразные предметы: ножницы, гребешки, письма, книги, нотные тетради. На узких полочках расставлены часы, чернильницы, флаконы, подсвечники, посуда и другие мелкие вещицы. Кажется, что подобный набор предметов совершенно случаен, но на самом деле это далеко не так. Глядя на такие натюрморты, можно догадаться об интересах художников, занимавшихся музицированием, чтением, увлекавшихся искусством. Мастера любовно и старательно изображали дорогие им вещи. Эти картины трогают своей искренностью и непосредственностью восприятия натуры.
Борис Михайлович Кустодиев (1878-1927) также много уделял в своем творчестве жанру натюрморта. На его жизнерадостных полотнах можно увидеть яркие атласные ткани, сверкающие медью самовары, блеск фаянса и фарфора красные ломти арбуза, виноградные грозди, яблоки, аппетитные кексы. Одной из его замечательных картин является "Купчиха за чаем", 1918 г. Невозможно не восхищаться ярким великолепием показанных на полотне предметов. Сверкающий самовар, ярко-красная мякоть арбузов, глянцевые яблоки и прозрачный виноград, стеклянная вазочка с вареньем, позолоченная сахарница и чашка, стоящие перед купчихой, — все эти вещи вносят в изображение праздничное настроение.
В жанре натюрморта большое внимание уделялось так называемым "натюрмортам-обманкам". Многие натюрморты-“обманки”, несмотря на то, что их главной задачей было введение зрителя в заблуждение, обладают несомненными художественными достоинствами, особенно заметными в музеях, где, развешанные по стенам, такие композиции, конечно же, не могут обмануть публику. Но есть здесь и исключения. Например, “Натюрморт с книгами”, выполненный П.Г. Богомоловым, вставлен в иллюзорный “книжный шкаф”, и посетители не сразу догадываются, что это всего лишь картина.
Очень хорош “Натюрморт с попугаем” (1737) Г.Н. Теплова. С помощью ясных, четких линий, переходящих в мягкие, плавные контуры, легких, прозрачных теней, тонких цветовых нюансов художник показывает разнообразные предметы, развешанные на дощатой стене. Виртуозно передана древесина, голубоватые, розовые, желтоватые оттенки которой помогают создать почти реальное ощущение свежего запаха только что выструганного дерева.
Г.Н. Теплов. “Натюрморт с попугаем”, 1737, Государственный музей керамики, усадьба Кусково
Русские натюрморты-“обманки” XVIII века свидетельствуют о том, что художники еще недостаточно умело передают пространство и объемы. Более важно для них показать фактуру предметов, словно перенесенных на холст из реальной действительности. В отличие от голландских натюрмортов, где вещи, поглощенные световой средой, изображены в единстве с ней, в картинах русских мастеров предметы, выписанные очень тщательно, даже мелочно, живут как бы сами по себе, вне зависимости от окружающего пространства.
В начале XIX века большую роль в дальнейшем развитии натюрморта сыграла школа А.Г. Венецианова, выступавшего против строгого разграничения жанров и стремившегося научить своих воспитанников целостному видению натуры.
А.Г.Венецианов. Гумно, 1821-23 г.
Венециановская школа открыла новый для русского искусства жанр — интерьер. Художники показывали различные помещения дворянского дома: гостиные, спальни, кабинеты, кухни, классные комнаты, людские и т.п. В этих произведениях важное место отводилось изображению различных предметов, хотя сам по себе натюрморт почти не интересовал представителей круга Венецианова (во всяком случае, сохранилось очень немного натюрмортов, выполненных учениками знаменитого живописца). Тем не менее, Венецианов призывал своих воспитанников тщательно прорабатывать не только лица и фигуры людей, но и окружающие их вещи.
Предмет в живописи Венецианова не является аксессуаром, он неразрывно связан с остальными деталями картины и часто является ключом к пониманию образа. Например, подобную функцию выполняют серпы в картине “Жнецы” (вторая половина 1820-х, Русский музей, Санкт-Петербург). Вещи в венециановском искусстве кажутся вовлеченными в неспешную и безмятежную жизнь персонажей.
Хотя Венецианов, по всей вероятности, не писал собственно натюрмортов, он включал этот жанр в свою обучающую систему. Художник писал: “Неодушевленные вещи не подлежат тем разнообразным изменениям, кои свойственны предметам одушевленным, они стоят, держатся перед неопытным художником смирно, неподвижно и дают ему время точнее и рассудительнее вникнуть, всмотреться в отношения одной части к другой как в линиях, так в свете и тени самим цветом, кои зависят от места, занимаемого предметами ”.
Конечно, натюрморт играл большую роль и в педагогической системе Академии художеств в XVIII-XIX столетиях (в учебных классах воспитанники делали копии с натюрмортов голландских мастеров), но именно Венецианов, призывавший молодых художников обращаться к натуре, ввел в свою программу первого года обучения натюрморт, составленный из таких вещей, как гипсовые фигуры, посуда, подсвечники, разноцветные ленты, фрукты и цветы. Предметы для учебных натюрмортов Венецианов подбирал так, чтобы они были интересны начинающим живописцам, понятны по форме, красивы по цвету.
В картинах, созданных талантливыми учениками Венецианова, вещи переданы правдиво и свежо. Таковы натюрморты К. Зеленцова, П.Е. Корнилова. В творчестве венециановцев есть и работы, которые по своей сути не являются натюрмортами, но, тем не менее, роль вещей в них огромна. Можно назвать, например, полотна “Кабинет в Островках” и “Отражение в зеркале” Г.В. Сороки, хранящиеся в собрании Русского музея в Санкт-Петербурге.
Г.В. Сорока. “Кабинет в Островках”. Фрагмент, 1844, Русский музей, Санкт-Петербург
Натюрморты в этих произведениях выступают не самостоятельно, а как своеобразно скомпонованные мастером части интерьера, соответствующие общему композиционному и эмоциональному строю картины. Главным связующим элементом здесь является свет, мягко переходящий от одного предмета к другому. Глядя на полотна, понимаешь, насколько интересен окружающий мир художнику, любовно изобразившему каждый предмет, каждую самую мелкую вещицу.
Натюрморт, представленный в “Кабинете в Островках”, хотя и занимает небольшое место в общей композиции, кажется необыкновенно значительным, выделенным благодаря тому, что автор отгородил его от остального пространства высокой спинкой дивана, а слева и справа обрезал рамой. Кажется, что Сорока настолько увлекся лежащими на столе предметами, что почти забыл об остальных деталях картины. Мастер тщательно выписал все: гусиное перо, карандашик, циркуль, транспортир, перочинный ножик, счеты, листы бумаги, свечу в подсвечнике. Точка зрения сверху позволяет рассмотреть все вещи, ни одна из них не загораживает другой. Такие атрибуты, как череп, часы, а также символы “земной суеты” (статуэтка, бумаги, счеты), позволяют некоторым исследователям причислить натюрморт к типу vanitas, хотя такое совпадение чисто случайно, скорее всего, крепостной художник воспользовался тем, что лежало на столе его хозяина.
Известным мастером предметных композиций первой половины XIX столетия был художник И.Ф. Хруцкий, написавший множество прекрасных картин в духе голландского натюрморта XVII века. Среди самых лучших его работ — “Цветы и плоды” (1836, Третьяковская галерея, Москва), “Портрет жены с цветами и фруктами” (1838, Художественный музей Белоруссии, Минск), “Натюрморт” (1839, Музей Академии художеств, Санкт-Петербург).
В первой половине XIX века в России большой популярностью пользовался “ботанический натюрморт”, пришедший к нам из Западной Европы. Во Франции в это время выходили сочинения ботаников с прекрасными иллюстрациями. Большую известность во многих европейских странах получил художник П.Ж. Редуте, который считался “самым прославленным живописцем цветов своего времени”. “Ботанический рисунок” был значительным явлением не только для науки, но и для искусства и культуры. Подобные рисунки преподносились в подарок, украшали альбомы, что таким образом ставило их в один ряд с другими произведениями живописи и графики.
Во второй половине XIX века большое внимание изображению предметов уделял П.А. Федотов. Хотя он не писал собственно натюрмортов, мир вещей, созданный им, восхищает своей красотой и правдивостью.
Предметы в произведениях Федотова неотделимы от жизни людей, они принимают самое непосредственное участие в драматических событиях, изображенных художником.
Глядя на картину “Свежий кавалер” (“Утро после пирушки”, 1846), поражаешься обилию предметов, тщательно выписанных мастером. Настоящий натюрморт, удивляющий своей немногословностью, представлен на знаменитой картине Федотова “Сватовство майора” (1848). Осязаемо реально передано стекло: фужеры на высоких ножках, бутылка, графин. Тончайшее и прозрачное, оно как будто издает нежный хрустальный звон.
Федотов П.А. Сватовство майора. 1848—1849. ГТГ
Федотов не отделяет предметы от интерьера, поэтому вещи показаны не только достоверно, но и живописно тонко. Каждый самый обычный или не слишком привлекательный предмет, занимающий свое место в общем пространстве, кажется удивительным и красивым.
Хотя Федотов не писал натюрмортов, он проявлял несомненный интерес к этому жанру. Чутье подсказывало ему, как расположить тот или иной предмет, с какой точки зрения его представить, какие вещи будут выглядеть рядом не только логически обоснованно, но и выразительно.
Мир вещей, помогающий показывать жизнь человека во всех ее проявлениях, наделяет произведения Федотова особой музыкальностью. Таковы картины “Анкор, еще анкор” (1851-1852), “Вдовушка” (1852) и многие другие.
Во второй половине XIX века жанр натюрморта практически перестал интересовать художников, хотя многие жанристы охотно включали элементы натюрморта в свои композиции. Большое значение приобретают вещи в картинах В.Г. Перова (“Чаепитие в Мытищах”, 1862, Третьяковская галерея, Москва), Л.И. Соломаткина (“Славильщики-городовые”, 1846, Государственный исторический музей, Москва).
Натюрморты представлены в жанровых сценах А.Л. Юшанова (“Проводы начальника”, 1864), М.К. Клодта (“Больной музыкант”, 1855), В.И. Якоби (“Разносчик”, 1858), А.И. Корзухина (“Перед исповедью”, 1877; “В монастырской гостинице”, 1882), К.Е. Маковского (“Алексеич”, 1882). Все эти полотна ныне хранятся в собрании Третьяковской галереи.
К.Е. Маковский. “Алексеич”, 1882, Третьяковская галерея, Москва
В 1870-1880-х годах ведущим жанром в русской живописи оставался бытовой, хотя пейзаж и портрет также занимали важное место. Огромную роль для дальнейшего развития русского искусства сыграли передвижники, стремившиеся показать в своих произведениях правду жизни. Художники стали придавать большое значение работе с натуры и потому все чаще обращались к пейзажу и натюрморту, хотя многие из них считали последний напрасной тратой времени, бессмысленным увлечением формой, лишенной внутреннего содержания. Так, И.Н. Крамской упоминал об известном французском живописце, не пренебрегавшем натюрмортами, в письме к В.М. Васнецову: “Не станет же талантливый человек тратить время на изображение, положим, тазов, рыб и пр. Это хорошо делать людям, имеющим уже все, а у нас дела непочатый угол”.
Тем не менее, многие русские художники, не писавшие натюрмортов, восхищались ими, глядя на полотна западных мастеров. Например, В.Д. Поленов, находившийся во Франции, писал И.Н. Крамскому: “Посмотришь, как тут дело идет, словно по маслу, работает каждый в своем роде, в самых различных направлениях, что кому по душе, и все это ценится и оплачивается. У нас главным образом значение имеет, что сделано, а тут — как сделано. Например, за медный таз с двумя рыбами платят по двадцати тысяч франков, да еще в придачу считают сего медных дел мастера первым живописцем, и, пожалуй, не без резону”.
Побывавший в 1883 году на выставке в Париже В.И. Суриков восторгался пейзажами, натюрмортами и картинами с изображением цветов. Он писал: “Хороши рыбы Гиберта. Рыбья склизь передана мастерски, колоритно, тон в тон замешивал”. Есть в его письме к П.М. Третьякову и такие слова: “А рыбы Жильберта — чудо что такое. Ну совсем в руки взять можно, до обмана написано”.
И Поленов, и Суриков могли бы стать прекрасными мастерами натюрморта, о чем свидетельствуют виртуозно написанные предметы в их композициях (“Больная” Поленова, “Меншиков в Березове” Сурикова).
В.Д. Поленов. “Больная”, 1886, Третьяковская галерея
Большая часть натюрмортов, созданных известными русскими художниками в 1870-1880-х годах, представляет собой произведения этюдного характера, показывающие стремление авторов передать особенности вещей. Некоторые подобные работы изображают необычные, редкие предметы (например, этюд с натюрмортом для картины И.Е. Репина “Запорожцы пишут письмо турецкому султану”, 1891). Самостоятельного значения такие произведения не имели.
Интересны натюрморты А.Д. Литовченко, выполненные как подготовительные этюды к большому полотну “Иван Грозный показывает свои сокровища послу Горсею” (1875, Русский музей, Санкт-Петербург). Художник показал роскошные ткани из парчи, оружие, инкрустированное драгоценными камнями, золотые и серебряные изделия, хранящиеся в царских сокровищницах.
Более редкими в то время были этюдные натюрморты, представляющие обычные бытовые предметы. Такие произведения создавались с целью изучения строения вещей, а также являли собой результат упражнения в живописной технике.
Важную роль натюрморт играл не только в жанровой, но и в портретной живописи. Например, в картине И.Н. Крамского “Некрасов в период „Последних песен” (1877-1878, Третьяковская галерея, Москва) предметы выполняют функцию аксессуаров. С.Н. Гольдштейн, занимавшийся исследованием творчества Крамского, пишет: “В поисках общей композиции произведения он стремится к тому, чтобы воссоздаваемый им интерьер, несмотря на его собственно бытовой характер, способствовал прежде всего осознанию духовного облика поэта, неувядаемого значения его поэзии. И действительно, отдельные аксессуары этого интерьера — тома “Современника”, беспорядочно уложенные на столике у постели больного, лист бумаги и карандаш в его ослабевших руках, бюст Белинского, висящий на стене портрет Добролюбова — приобрели в этом произведении значение отнюдь не внешних признаков ситуации, но реликвий, тесно связанных с образом человека”.
Среди немногочисленных натюрмортов передвижников главное место занимают “букеты”. Интересен “Букет” В.Д. Поленова (1880, Музей-усадьба Абрамцево), по манере исполнения немного напоминающий натюрморты И.Е. Репина. Непритязательный по своему мотиву (мелкие полевые цветы в простой стеклянной вазе), он, тем не менее, восхищает своей свободной живописью. Во второй половине 1880-х годов похожие букеты появятся в живописи И.И. Левитана.
По-иному демонстрирует зрителю цветы И.Н. Крамской. Многие исследователи полагают, что две картины — “Букет цветов. Флоксы” (1884, Третьяковская галерея, Москва) и “Розы” (1884, собрание Р.К. Викторовой, Москва) — были созданы мастером во время работы над полотном “Неутешное горе”.
Два “букета” Крамской продемонстрировал на XII Передвижной выставке. Эффектные, яркие композиции, изображающие садовые цветы на темном фоне, нашли покупателей еще до открытия выставки. Обладателями этих произведений стали барон Г.О. Гинцбург и императрица.
На IX Передвижной выставке 1881-1882 годов внимание публики привлекла картина К.Е. Маковского, названая в каталоге “Nature morte” (теперь она находится в Третьяковской галерее под названием “В мастерской художника”). На большом полотне изображены лежащая на ковре огромная собака и ребенок, тянущийся из кресла к фруктам на столе. Но эти фигуры — всего лишь детали, нужные автору для того, чтобы оживить натюрморт — множество роскошных вещей в мастерской художника. Написанная в традициях фламандского искусства, картина Маковского все же трогает душу зрителя. Художник, увлекшийся передачей красоты дорогих вещей, не сумел показать их индивидуальность и создал произведение, главная цель которого — демонстрация богатства и роскоши.
Все предметы на картине словно собраны для того, чтобы поразить зрителя своим великолепием. На столе лежит традиционный для натюрморта набор фруктов — крупные яблоки, груши и виноград на большом красивом блюде. Здесь же большая серебряная кружка, украшенная орнаментом. Рядом стоит бело-синий фаянсовый сосуд, возле которого располагается богато украшенное старинное оружие. О том, что это мастерская художника, напоминают кисти, помещенные в широкий кувшин на полу. У золоченого кресла — шпага в роскошных ножнах. Пол устилает ковер с ярким орнаментом. Украшением служат и дорогие ткани — парча, отороченная густым мехом, и бархат, из которого сшит занавес. Колорит полотна выдержан в насыщенных оттенках с преобладанием алого, голубого, золотистого.
Из всего вышесказанного ясно, что во второй половине XIX столетия натюрморт не играл существенной роли в русской живописи. Он был распространен лишь как этюд к картине или учебная штудия. Многие художники, исполнявшие натюрморты в рамках академической программы, в самостоятельном творчестве больше к этому жанру не возвращались. Натюрморты писали в основном непрофессионалы, создававшие акварели с цветами, ягодами, фруктами, грибами. Крупные мастера не считали натюрморт достойным внимания и использовали предметы только для того, чтобы убедительно показать обстановку и украсить изображение.
Первые зачатки нового натюрморта можно обнаружить в живописи художников, работавших на рубеже XIX-XX столетий: И.И. Левитана, И.Э. Грабаря, В.Э. Борисова-Мусатова, М.Ф. Ларионова, К.А. Коровина. Именно в то время в русском искусстве натюрморт появился как самостоятельный жанр.
Но это был весьма своеобразный натюрморт, понимаемый художниками, работавшими в импрессионистической манере, не как обычная замкнутая предметная композиция. Мастера изображали детали натюрморта в пейзаже или интерьере, и им была важна не столько жизнь вещей, сколько само пространство, световая дымка, растворяющая очертания предметов. Большой интерес представляют также графические натюрморты М.А. Врубеля, отличающиеся неповторимой самобытностью.
В начале XX века большую роль в развитии русского натюрморта сыграли такие художники, как А.Я. Головин, С.Ю. Судейкин, А.Ф. Гауш, Б.И. Анисфельд, И.С. Школьник. Новое слово в этом жанре сказал и Н.Н. Сапунов, создавший целый ряд картин-панно с букетами цветов.
В 1900-х годах к натюрморту обратилось множество художников самых разных направлений. Среди них были т.н. московские сезаннисты, символисты (П.В. Кузнецов, К.С. Петров-Водкин) и др. Важное место предметные композиции занимали в творчестве таких известных мастеров, как М.Ф. Ларионов, Н.С. Гончарова, А.В. Лентулов, Р.Р. Фальк, П.П. Кончаловский, А.В. Шевченко, Д.П. Штеренберг, сделавшие натюрморт полноправным среди других жанров в русской живописи XX века.
Одно перечисление русских художников, которые в своем творчестве использовали элементы натюрморта заняло бы немало места. Поэтому ограничимся приведенным здесь материалом. Желающие могут ознакомиться более подробно по ссылкам, приведенным в первой части этой серии постов о жанре натюрморта.
Предыдущие сообщения: Часть 1 –
Часть 2 –
Часть 3 –
Часть 4 –
Часть 5 –
мертвая природа - жанр изобразительного искусства, главным образом станковой живописи, посвященной изображению неодушевленных предметов: цветов, фруктов, битой дичи, рыбы, атрибуты какой-либо деятельности.
Отличное определение
Неполное определение ↓
НАТЮРМОРТ
франц. nature morte – мертвая природа), один из жанров живописи. В натюрмортах изображаются дары природы (плоды, цветы, рыба, дичь), а также вещи, сделанные руками человека (столовая утварь, вазы, часы и т. д.). Иногда неодушевленные предметы соседствуют с живыми существами – насекомыми, птицами, животными и людьми.
Натюрморты, включенные в сюжетные композиции, встречаются уже в живописи Древнего мира (настенные росписи в Помпеях). Сохранилось предание о том, что древнегреческий художник Апеллес столь искусно изобразил виноград, что птицы приняли его за настоящий и стали клевать. Как самостоятельный жанр натюрморт сложился в 17 в. и тогда же пережил свой яркий расцвет в творчестве голландских, фламандских и испанских мастеров.
В Голландии существовало несколько разновидностей натюрморта. «Завтраки» и «десерты» художники писали так, что казалось, будто человек где-то рядом и сейчас вернется. На столе дымится трубка, скомкана салфетка, не допито вино в бокале, надрезан лимон, надломлен хлеб (П. Клас, В. Хеда, В. Калф). Популярны были также изображения кухонных принадлежностей, ваз с цветами и, наконец «Vanitas» («суета сует»), натюрморты на тему бренности жизни и ее кратковременных радостей, призывавшие помнить об истинных ценностях и позаботиться о спасении души. Любимые атрибуты «Vanitas» – череп и часы (Ю. ван Стрек. «Суета сует»). Для голландских натюрмортов, как и вообще для натюрморта 17 в., характерно присутствие скрытого философского подтекста, сложная христианская или любовная символика (лимон был символом умеренности, собачка – верности и т. д.) Вместе с тем художники с любовью и восторгом воссоздавали в натюрмортах многообразие мира (переливы шелков и бархата, тяжелые ковровые скатерти, мерцание серебра, сочные ягоды и благородное вино). Композиция натюрмортов проста и устойчива, подчинена диагонали или форме пирамиды. В ней всегда выделен главный «герой», например бокал, кувшин. Мастера тонко выстраивают взаимоотношения между предметами, противопоставляя или, наоборот, сопоставляя их цвет, форму, фактуру поверхности. Тщательно выписаны мельчайшие детали. Небольшие по формату, эти картины рассчитаны на пристальное рассматривание, долгое созерцание и постижение их скрытого смысла.
Фламандцы, напротив, писали крупные, порой огромные полотна, предназначенные для украшения дворцовых зал. Их отличают праздничное многоцветье, обилие предметов, сложность композиции. Такие натюрморты называли «лавками» (Я. Фейт, Ф. Снейдерс). В них изображали столы, заваленные дичью, дарами моря, хлебами, а рядом – хозяев, предлагающих свой товар. Изобильная снедь, словно не умещаясь на столах, свисала, вываливалась прямо на зрителей.
Испанские художники предпочитали ограничиваться небольшим набором предметов и работали в сдержанной цветовой гамме. Посуда, фрукты или раковины на картинах Ф. Сурбарана и А. Переды степенно расставлены на столе. Их формы просты и благородны; они тщательно вылеплены светотенью, почти осязаемы, композиция строго уравновешена (Ф. Сурбаран. «Натюрморт с апельсинами и лимонами», 1633; А. Переда. «Натюрморт с часами»).
В 18 в. к жанру натюрморта обратился французский мастер Ж.-Б. С. Шарден. Его картины, изображающие простую, добротную утварь (миски, медный бак), овощи, немудреную снедь, наполнены дыханием жизни, согреты поэзией домашнего очага и утверждают красоту повседневного бытия. Шарден писал также аллегорические натюрморты («Натюрморт с атрибутами искусств», 1766).
В России первые натюрморты появились в 18 в. в декоративных росписях на стенах дворцов и картинах-«обманках», в которых предметы воспроизводились настолько точно, что казались настоящими (Г. Н. Теплов, П. Г. Богомолов, Т. Ульянов). В 19 в. традиции обманки были переосмыслены. Натюрморт переживает подъем в первой пол. 19 в. в творчестве Ф. П. Толстого, переосмыслившего традиции «обманок» («Ягоды красной и белой смородины», 1818), художниковвенециановской школы, И. Т. Хруцкого. В обыденных предметах художники стремились увидеть красоту и совершенство.
Новый расцвет жанра наступает в кон. 19 – нач. 20 в., когда натюрморт становится лабораторией творческих экспериментов, средством выражения индивидуальности художника. Натюрморт занимает значительное место в творчестве постимпрессионистов – В. Ван Гога, П. Гогена и прежде всего П. Сезанна. Монументальность композиции, скупые линии, элементарные, жесткие формы в картинах Сезанна призваны выявить конструкцию, основу вещи и напомнить о незыблемых законах мироустройства. Художник лепит форму цветом, подчеркивая ее материальность. В то же время неуловимые переливы цветовых оттенков, особенно холодного голубого, сообщают его натюрмортам ощущение воздуха и простора. Линию сезаннистского натюрморта продолжили в России мастера «Бубнового валета» (И. И. Машков, П. П. Кончаловский и др.), соединив ее с традициями русского народного творчества. Художники «Голубой розы» (Н. Н. Сапунов, С. Ю. Судейкин) создавали ностальгические, стилизованные под старину композиции. Философскими обобщениями проникнуты натюрморты К. С. Петрова-Водкина. В 20 в. в жанре натюрморта решали свои творческие задачи П. Пикассо, А. Матисс, Д. Моранди. В России крупнейшими мастерами этого жанра были М. С. Сарьян, П. В. Кузнецов, А. М. Герасимов, В. Ф. Стожаров и др.
Отличное определение
Неполное определение ↓
