Лучшие картины современных художников 21 века. Живопись маслом: интересные художники XXI века. Минимальный арт. это направление авангардизма. использует простые формы и исключает любые ассоциации
Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.
Wojciech Babski
Войцех Бабски – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с . В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.
Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях. Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.
Warren Chang
Уоррен Чанг – современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области . В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.
Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.
Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.
Aurelio Bruni
Аурелио Бруни – итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно “возводил дом знаний” на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет. В настоящее время живёт и работает в Умбрии.
Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей. Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.
Alekasander Balos
Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной . Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.
В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу. Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.
После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.
Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.
Alyssa Monks
Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.
Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.
“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.
Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.
Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.
Antonio Finelli
Итальянский художник – “Наблюдатель времени ” – Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.
Рисунки карандашом “Наблюдателя времени ” Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.
Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио определяет свои произведения одним, общим названием: “Автопортрет”, потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.
Flaminia Carloni
Фламиния Карлони – итальянская художница 37-ми лет, дочь дипломата. У нее трое детей. Двенадцать лет жила в Риме, три года в Англии и Франции. Получила диплом в области истории искусства в школе искусств BD. Затем получила диплом по специальности реставратор произведений искусства. Прежде чем найти свое призвание и полностью посвятить себя живописи, она работала как журналист, колорист, дизайнер, актриса.
Страсть к живописи у Фламинии возникла ещё в детстве. Её основная среда – масло, потому что она любит “coiffer la pate” и также играть с материалом. Подобную технику она узнала в работах художника Паскаля Торюа. Фламиния вдохновлена великими мастерами живописи, такими как Бальтюса, Хоппер, и Франсуа Легран, а так же и различными художественными движениями: стрит-арт, китайский реализм, сюрреализм и реализм эпохи Возрождения. Её любимый художник Караваджо. Её мечта открыть терапевтическую силу искусства.
Denis Chernov
Денис Чернов – талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина. После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.
Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на “Кристис”.
Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом – один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.
- 23.08.2019 Статистика продаж на завершившихся торгах - 12 из 20 лотов
- 19.08.2019 Традиционные двадцать лотов AI Аукциона - это восемь живописных работ, восемь листов оригинальной и два - печатной графики и две работы в смешанной технике
- 16.08.2019 В этот раз, напомню, кроме 20 лотов регулярных торгов, мы выставляли дополнительно 11 произведений в рамках кураторских торгов «Русская классика»
- 13.08.2019 17 августа в «АртЛитфонде» на Винзаводе состоится очередной аукцион современного искусства, в котором примут участие 136 художников и их 200 живописных, графических и скульптурных работ
- 13.08.2019 Традиционные двадцать лотов AI Аукциона - это десять живописных работ, пять листов оригинальной и один - печатной графики, три работы в смешанной технике и одна фарфоровая тарелка. Плюс 11 лотов «Русской классики»!
- 13.08.2019 Краткие выдержки и основные цифры из традиционного обзора портала Artprice о состоянии мирового арт-рынка
- 09.08.2019 По следам новости об отправке в музей «Новый Иерусалим» изъятых властями картин Жанны Буллок было несколько звонков с вопросом: «А почему именно в этот музей?» Действительно, почему?
- 13.06.2019 Купить за пять долларов и продать за миллион. Страстное желание вытянуть лотерейный билет преследует многих неопытных покупателей. Не морочьте мне голову со своими книжками да музеями! Ответьте просто: как купить шедевр на блошином рынке?
- 06.06.2019 Предчувствие не подвело. Покупатели были в хорошем настроении, и торги прошли здорово. В первый же день «русской недели» был обновлен топ-10 аукционных результатов для русского искусства. За Петрова-Водкина заплатили почти $12 млн
- 04.06.2019 Не разобравшись еще с «миллениалами», профессионалы мирового арт-рынка принялись делить шкуру следующего поколения 7–22-летних - тех, кого коротко называют Gen Z. Зачем? На кону слишком большие деньги, чтобы перестать лезть к молодежи с советами
«Игроки в карты»
Автор
Поль Сезанн
Страна Франция
Годы жизни 1839–1906
Стиль
постимпрессионизм
Художник родился на юге Франции в небольшом городке Экс-ан-Прованс, но живописью стал заниматься в Париже. Настоящий успех пришел к нему после персональной выставки, организованной коллекционером Амбруазом Волларом. В 1886 году, за 20 лет до своего ухода, он перебрался на окраину родного города. Поездки к нему молодые художники называли «паломничеством в Экс».
130х97 см
1895 год
стоимость
$250 млн
продана в 2012 году
на частных торгах
Творчество Сезанна понять легко. Единственным правилом художника была прямая передача предмета или сюжета на холст, поэтому его картины не вызывают недоумения зрителя. Сезанн соединил в своем искусстве две главные французские традиции: классицизм и романтизм. С помощью красочной фактуры он придавал форме предметов удивительную пластичность.
Серия из пяти картин «Игроки в карты» написана в 1890–1895 годах. Сюжет их одинаков – несколько людей увлеченно играют в покер. Отличаются работы только количеством игроков и размерами холста.
Четыре картины хранятся в музеях Европы и Америки (Музей д’Орсе, Метрополитен-музей, Фонд Барнса и Институт искусств Курто), а пятая до недавнего времени была украшением частной коллекции греческого миллиардера-судовладельца Георга Эмбирикоса. Незадолго до своей смерти, зимой 2011 года, он решил выставить ее на продажу. Потенциальными покупателями «свободной» работы Сезанна стали арт-дилер Уильям Аквавелла и галерист с мировым именем Ларри Гагосян, предлагавшие за нее около 220 млн долларов. В результате картина досталась королевской семье арабского государства Катар за 250 млн. Крупнейшая арт-сделка в истории живописи была закрыта в феврале 2012 года. Об этом в Vanity Fair сообщила журналистка Александра Пирс. Она узнала стоимость картины и имя нового владельца, а затем информация проникла в СМИ всего мира.
В 2010 году в Катаре открылись Арабский музей современного искусства и Катарский национальный музей. Сейчас их коллекции пополняются. Возможно, пятая версия «Игроков в карты» приобретена шейхом с этой целью.
Самая дорогая картина в мире
Владелец
Шейх Хамад
бин Халифа аль-Тани
Династия аль-Тани правит Катаром более 130 лет. Около полувека назад здесь были обнаружены огромные запасы нефти и газа, что вмиг сделало Катар одним из богатейших регионов мира. Благодаря экспорту углеводородов в этой маленькой стране зафиксирован самый большой ВВП на душу населения. Шейх Хамад бин Халифа аль-Тани в 1995 году, пока отец находился в Швейцарии, при поддержке членов семьи захватил власть. Заслуга действующего правителя, по мнению экспертов, в четкой стратегии развития страны, создании успешного имиджа государства. Сейчас в Катаре появились конституция и премьер-министр, а женщины получили право голоса на парламентских выборах. Кстати, именно эмир Катара основал новостной канал «Аль-Джазира». Огромное внимание власти арабского государства уделяют культуре.
2
«Номер 5»
Автор
Джексон Поллок
Страна США
Годы жизни 1912–1956
Стиль
абстрактный экспрессионизм
Джек Разбрызгиватель – такое прозвище Поллоку дала американская публика за особую технику живописи. Художник отказался от кисти и мольберта, а краску разливал по поверхности холста или фибролита во время непрерывного движения вокруг и внутри них. С ранних лет он увлекался философией Джидду Кришнамурти, главный посыл которой – истина открывается во время свободного «излияния».
122х244 см
1948 год
стоимость
$140 млн
продана в 2006 году
на аукционе
Sotheby’s
Ценность работ Поллока – не в результате, а в процессе. Автор не случайно называл свое искусство «живописью действия». С его легкой руки оно стало главным достоянием Америки. Джексон Поллок смешивал краску с песком, битым стеклом, а писал куском картона, мастихином, ножом, совком. Художник был настолько популярен, что в 1950-х подражатели нашлись даже в СССР. Картина «Номер 5» признана одной из самых странных и дорогих в мире. Один из создателей компании DreamWorks Дэвид Геффен приобрел ее для частной коллекции, а в 2006 году продал на аукционе Sotheby`s за 140 млн долларов мексиканскому коллекционеру Дэвиду Мартинесу. Однако вскоре юридическая фирма от имени своего клиента выпустила пресс-релиз, где сообщалось, что Дэвид Мартинес не является владельцем картины. Доподлинно известно только одно: мексиканский финансист действительно в последнее время коллекционировал произведения современного искусства. Вряд ли он упустил бы такую «крупную рыбу», как «Номер 5» Поллока.
3
«Женщина III»
Автор
Виллем де Кунинг
Страна США
Годы жизни 1904–1997
Стиль
абстрактный экспрессионизм
Выходец из Нидерландов, он эмигрировал в США в 1926 году. В 1948-м состоялась персональная выставка художника. Арт-критики оценили сложные, нервные черно-белые композиции, признав в их авторе великого художника-модерниста. Большую часть жизни он страдал алкоголизмом, но радость создания нового искусства чувствуется в каждой работе. Де Кунинга отличает импульсивность живописи, широкие мазки, из-за чего порой изображение не умещается в границах холста.
121х171 см
1953 год
стоимость
$137 млн
продана в 2006 году
на частных торгах
В 1950-х на картинах де Кунинга появляются женщины с пустыми глазами, массивной грудью, уродливыми чертами лица. «Женщина III» стала последней работой из этой серии, участвующей в торгах.
С 1970-х годов картина хранилась в Тегеранском музее современного искусства, однако после введения жестких правил морали в стране от нее стремились избавиться. В 1994-м работа была вывезена из Ирана, а еще через 12 лет ее владелец Дэвид Геффен (тот самый продюсер, который продал полотно Джексона Поллока «Номер 5») уступил картину миллионеру Стивену Коэну за 137,5 млн долларов. Интересно то, что Геффен в один год стал распродавать свою коллекцию живописи. Это породило массу слухов: например, что продюсер решил купить газету Los Angeles Times.
На одном из арт-форумов было высказано мнение о сходстве «Женщины III» с картиной Леонардо да Винчи «Дама с горностаем». За зубастой улыбкой и бесформенной фигурой героини ценитель живописи разглядел грацию особы королевских кровей. Об этом говорит и плохо прорисованная корона, венчающая голову женщины.
4
«Портрет Адели Блох-Бауэр I»
Автор
Густав Климт
Страна Австрия
Годы жизни 1862–1918
Стиль
модерн
Густав Климт родился в семье художника-гравера и был вторым из семи детей. Три сына Эрнеста Климта стали художниками, а прославился на весь мир только Густав. Большую часть детства он провел в бедности. После смерти отца на него легла ответственность за всю семью. Именно в это время Климт развивает свой стиль. Перед его картинами замирает любой зритель: под тонкими мазками золота отчетливо виден откровенный эротизм.
138х136 см
1907 год
стоимость
$135 млн
продана в 2006 году
на аукционе Sotheby’s
Судьба картины, которую называют «Австрийской Моной Лизой», легко может стать основой для бестселлера. Работа художника стала причиной конфликта целого государства и одной пожилой дамы.
Итак, на «Портрете Адели Блох-Бауэр I» изображена аристократка, жена Фердинанда Блоха. Ее последней волей было передать картину австрийской государственной галерее. Однако Блох в своем завещании отменил дарение, и полотно экспроприировали нацисты. Позже галерея с трудом выкупила «Золотую Адель», но тут объявилась наследница – Мария Альтман, племянница Фердинанда Блоха.
В 2005 году начался громкий процесс «Мария Альтман против Австрийской республики», по итогам которого картина «уехала» вместе с ней в Лос-Анджелес. Австрия приняла беспрецедентные меры: велись переговоры о займах, население жертвовало деньги, чтобы выкупить портрет. Добро так и не победило зло: цену Альтман подняла до 300 млн долларов. На момент разбирательства ей было 79 лет, и она вошла в историю как человек, изменивший волю Блох-Бауэр в пользу личных интересов. Картина была приобретена Рональдом Лаудерем, владельцем «Новой галереи» в Нью-Йорке, где и находится по сей день. Не для Австрии, для него Альтман снизила цену до 135 млн долларов.
5
«Крик»
Автор
Эдвард Мунк
Страна Норвегия
Годы жизни 1863–1944
Стиль
экспрессионизм
Первая картина Мунка, ставшая известной во всем мире, – «Больная девочка» (существует в пяти экземплярах) – посвящена сестре художника, умершей от туберкулеза в возрасте 15 лет. Мунка всегда интересовала тема смерти и одиночества. В Германии его тяжелая, маниакальная живопись даже спровоцировала скандал. Однако, несмотря на депрессивные сюжеты, его картины обладают особым магнетизмом. Взять хотя бы «Крик».
73,5х91 см
1895 год
стоимость
$119,992 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s
Полное название картины – Der Schrei der Natur (в переводе с немецкого – «крик природы»). Лицо то ли человека, то ли инопланетянина выражает отчаяние и панику – эти же эмоции испытывает зритель при взгляде на картину. Одно из ключевых произведений экспрессионизма предупреждает темы, ставшие острыми в искусстве XX века. По одной из версий, художник создал ее под влиянием психического расстройства, которым страдал всю жизнь.
Картина дважды была украдена из разных музеев, но ее возвращали. Получивший небольшие повреждения после кражи «Крик» отреставрировали, и он снова был готов к показу в Музее Мунка в 2008 году. Для представителей поп-культуры произведение стало источником вдохновения: Энди Уорхол создал серию его принтов-копий, а маска из фильма «Крик» сделана по образу и подобию героя картины.
На один сюжет Мунк написал четыре версии произведения: та, что находится в частной коллекции, выполнена пастелью. Норвежский миллиардер Петтер Олсен выставил ее на аукцион 2 мая 2012 года. Покупателем стал Леон Блэк, не пожалевший за «Крик» рекордной суммы. Основатель компаний Apollo Advisors, L.P. и Lion Advisors, L.P. известен своей любовью к искусству. Блэк – покровитель колледжа Дартмута, Музея современного искусства, Арт-центра Линкольна, Столичного музея искусств. Он обладает крупнейшей коллекцией картин современных художников и классических мастеров прошлых столетий.
6
«Обнаженная на фоне бюста и зеленых листьев»
Автор
Пабло Пикассо
Страна Испания, Франция
Годы жизни 1881–1973
Стиль
кубизм
По происхождению он испанец, а по духу и месту жительства – настоящий француз. Собственную художественную студию Пикассо открыл в Барселоне, когда ему было всего 16 лет. Потом он уехал в Париж и провел там большую часть жизни. Именно поэтому в его фамилии двойное ударение. В основе стиля, придуманного Пикассо, лежит отрицание мнения, что изображенный на холсте предмет можно рассматривать только под одним ракурсом.
130х162 см
1932 год
стоимость
$106,482 млн
продана в 2010 году
на аукционе Christie’s
Во время своей работы в Риме художник встретил танцовщицу Ольгу Хохлову, ставшую вскоре его женой. Он покончил с бродяжничеством, переехал вместе с ней в роскошную квартиру. К тому времени признание нашло героя, а вот брак был разрушен. Одна из самых дорогих картин мира создана почти случайно – по большой любви, которая, как всегда у Пикассо, была недолгой. В 1927 году он увлекся юной Мари-Терез Вальтер (ей было 17 лет, ему – 45). Втайне от жены уехал с любовницей в городок под Парижем, где и написал портрет, изобразив Мари-Терез в образе Дафны. Полотно приобрел нью-йоркский дилер Поль Розенберг, а в 1951 году продал его Сидни Ф. Броуди. Супруги Броуди показали картину миру всего однажды и только потому, что художнику исполнялось 80 лет. После смерти мужа госпожа Броуди в марте 2010 года выставила произведение на торги в доме Christie’s. За шесть десятилетий цена выросла более чем в 5000 раз! Неизвестный коллекционер приобрел ее за 106,5 млн долларов. В 2011 году в Британии состоялась «выставка одной картины», где она увидела свет во второй раз, а вот имя владельца до сих пор неизвестно.
7
«Восемь Элвисов»
Автор
Энди Уорхол
Страна США
Годы жизни 1928-1987
Стиль
поп-арт
«Секс и вечеринки – это единственные места, где нужно появляться собственной персоной», – говорил культовый художник поп-арта, режиссер, один из основателей журнала Interview, дизайнер Энди Уорхол. Он работал с Vogue и Harper`s Bazaar, оформлял обложки пластинок, придумал обувь для компании I.Miller. В 1960-х появились картины с изображением символов Америки: супа Campbell`s и Coca-Cola, Пресли и Монро – сделавшие его легендой.
358х208 см
1963 год
стоимость
$100 млн
продана в 2008 году
на частных торгах
Уорхоловские 60-е – так называли эпоху поп-арта в Америке. В 1962 году он работал на Манхэттене в студии «Фабрика», где собиралась вся богема Нью-Йорка. Яркие ее представители: Мик Джаггер, Боб Дилан, Трумен Капоте и другие известные в мире личности. В то же время Уорхол опробовал технику шелкографии – многократного повтора одного изображения. Этот метод он использовал и при создании «Восьми Элвисов»: зритель словно видит кадры из кино, где звезда оживает. Здесь есть все, что так любил художник: беспроигрышный публичный образ, серебряный цвет и предчувствие смерти как главный посыл.
Есть два арт-дилера, продвигающих сегодня творчество Уорхола на мировом рынке: Ларри Гагосян и Альберто Муграби. Первый в 2008 году потратил 200 млн долларов на приобретение более 15 работ Уорхола. Второй покупает и продает его картины как рождественские открытки, только дороже. Но не они, а скромный французский арт-консультант Филипп Сегало помог римскому ценителю искусства Аннибале Берлингьери продать неизвестному покупателю «Восемь Элвисов» за рекордную для Уорхола сумму – 100 млн долларов.
8
«Оранжевый, красный, желтый»
Автор
Марк Ротко
Страна США
Годы жизни 1903–1970
Стиль
абстрактный экспрессионизм
Один из создателей живописи цветового поля родился в Двинске, Россия (сейчас – Даугавпилс, Латвия), в многодетной семье еврейского фармацевта. В 1911 году они эмигрировали в США. Ротко обучался на художественном факультете Йельского университета, добился стипендии, но антисемитские настроения вынудили его оставить учебу. Несмотря ни на что, арт-критики боготворили художника, а музеи преследовали всю жизнь.
206х236 см
1961 год
стоимость
$86,882 млн
продана в 2012 году
на аукционе Christie’s
Первые художественные опыты Ротко были сюрреалистической направленности, но со временем он упростил сюжет до цветовых пятен, лишив их всякой предметности. Сначала они имели яркие оттенки, а в 1960-е налились коричневым, фиолетовым, сгустившись до черного ко времени смерти художника. Марк Ротко предостерегал от поиска любого смысла в своих картинах. Автор хотел сказать ровно то, что сказал: только цвет, растворяющийся в воздухе, и ничего больше. Он рекомендовал смотреть на произведения с расстояния 45 см, чтобы зрителя «затягивало» в цвет, как в воронку. Осторожно: просмотр по всем правилам может привести к эффекту медитации, то есть постепенно приходят осознание бесконечности, полная погруженность в себя, расслабление, очищение. Цвет в его картинах живет, дышит и оказывает сильнейшее эмоциональное воздействие (говорят, иногда – целительное). Художник заявлял: «Зритель должен плакать, глядя на них», – и такие случаи действительно были. По теории Ротко, в этот момент люди проживают тот же духовный опыт, что и он в процессе работы над картиной. Если вы сумели понять его на таком тонком уровне, то не удивитесь тому, что эти произведения абстракционизма критики часто сравнивают с иконами.
Работа «Оранжевое, красное, желтое» выражает всю суть живописи Марка Ротко. Ее начальная стоимость на аукционе Christie’s в Нью-Йорке 35–45 млн долларов. Неизвестный покупатель предложил цену, вдвое превышающую эстимейт. Имя счастливого обладателя картины, как это часто бывает, не разглашается.
9
«Триптих»
Автор
Фрэнсис Бэкон
Страна
Великобритания
Годы жизни 1909–1992
Стиль экспрессионизм
Приключения Фрэнсиса Бэкона, полного тезки и к тому же дальнего потомка великого философа, начались, когда отец отрекся от него, не в силах принять гомосексуальных наклонностей сына. Бэкон уехал сначала в Берлин, потом в Париж, а затем его следы путаются по всей Европе. Еще при жизни его работы экспонировались в ведущих культурных центрах мира, среди которых Музей Гуггенхайма и Третьяковская галерея.
147,5х198 см (каждый)
1976 год
стоимость
$86,2 млн
продан в 2008 году
на аукционе Sotheby’s
Престижные музеи стремились обладать картинами Бэкона, а вот чопорная английская публика не спешила раскошелиться на такое искусство. Легендарный премьер-министр Великобритании Маргарет Тэтчер говорила о нем: «Человек, который рисует эти ужасающие картины».
Отправным периодом в своем творчестве сам художник считал послевоенное время. Вернувшись со службы, он вновь занялся живописью и создал главные шедевры. До участия «Триптиха, 1976» в торгах самой дорогой работой Бэкона был «Этюд к портрету Папы Иннокентия X» (52,7 млн долларов). В «Триптихе, 1976» художник изобразил мифический сюжет преследования Ореста фуриями. Разумеется, Орест – это сам Бэкон, а фурии – его терзания. Более 30 лет картина находилась в частной коллекции и не участвовала в выставках. Этот факт придает ей особую ценность и, соответственно, повышает стоимость. Но что такое несколько миллионов для ценителя искусства, да еще и по-русски щедрого? Роман Абрамович начал создавать свою коллекцию в 1990-х годах, в этом на него значительно повлияла подруга Даша Жукова, ставшая в современной России модной галеристкой. По неофициальным данным, в личном владении бизнесмена есть работы Альберто Джакометти и Пабло Пикассо, купленные за суммы, превышающие 100 млн долларов. В 2008 году он стал обладателем «Триптиха». Кстати, в 2011 году была приобретена еще одна ценная работа Бэкона – «Три наброска к портрету Люсьена Фрейда». Скрытые источники говорят, что покупателем вновь стал Роман Аркадьевич.
10
«Пруд с кувшинками»
Автор
Клод Моне
Страна Франция
Годы жизни 1840–1926
Стиль
импрессионизм
Художник признан родоначальником импрессионизма, «запатентовавшим» этот метод в своих полотнах. Первой значительной работой стала картина «Завтрак на траве» (оригинальная версия произведения Эдуарда Мане). В юности он рисовал карикатуры, а настоящей живописью занялся во время своих путешествий по побережью и на открытом воздухе. В Париже вел богемный образ жизни и не оставил его даже после службы в армии.
210х100 см
1919 год
стоимость
$80,5 млн
продана в 2008 году
на аукционе Christie’s
Кроме того, что Моне был великим художником, он еще и увлеченно занимался садоводством, обожал живую природу и цветы. В его пейзажах состояние природы сиюминутно, предметы как будто размыты движением воздуха. Впечатление усиливается за счет крупных мазков, с определенного расстояния они становятся незаметными и сливаются в фактурное, объемное изображение. В живописи позднего Моне особое место занимает тема воды и жизни в ней. В местечке Живерни у художника был собственный пруд, где он выращивал кувшинки из семян, специально привезенных им из Японии. Когда их цветки распускались, он приступал к рисованию. Серия «Кувшинки» состоит из 60 работ, которые художник писал на протяжении почти 30 лет, до самой смерти. Его зрение с возрастом ухудшалось, но он не останавливался. В зависимости от ветра, времени года и погоды вид пруда постоянно менялся, эти перемены и хотел запечатлеть Моне. Через тщательную работу к нему приходило понимание сути природы. Некоторые из полотен серии хранятся в ведущих галереях мира: Национальный музей западного искусства (Токио), Оранжери (Париж). Версия очередного «Пруда с кувшинками» ушла в руки неизвестного покупателя за рекордную сумму.
11
False Start
Автор
Джаспер Джонс
Страна США
Год рождения 1930
Стиль поп-арт
В 1949 году Джонс поступил в дизайнерскую школу в Нью-Йорке. Наравне с Джексоном Поллоком, Виллемом де Кунингом и другими он признан одним из главных художников XX века. В 2012 году получил «Президентскую медаль свободы» – высшую гражданскую награду США.
137,2х170,8 см
1959 год
стоимость
$80 млн
продана в 2006 году
на частных торгах
Как и Марсель Дюшан, Джонс работал с реальными предметами, изображая их на холсте и в скульптуре в полном соответствии с оригиналом. Для своих работ он использовал простые и понятные всем предметы: пивную бутылку, флаг или карты. В картине False Start нет четкой композиции. Художник словно играет со зрителем, часто «неверно» подписывая цвета на картине, переворачивая само понятие цвета: «Я хотел найти способ изобразить цвет так, чтобы он мог быть определен каким-то другим методом». Его самая взрывная и «неуверенная в себе», по мнению критиков, картина была приобретена неизвестным покупателем.
12
«Сидящая обнаженная на диване»
Автор
Амедео Модильяни
Страна Италия, Франция
Годы жизни 1884–1920
Стиль экспрессионизм
Модильяни с самого детства часто болел, во время лихорадочного бреда он распознал свое предназначение художника. Учился рисованию в Ливорно, Флоренции, Венеции, а в 1906 году уехал в Париж, где и расцвело его искусство.
65х100 см
1917 год
стоимость
$68,962 млн
продана в 2010 году
на аукционе Sotheby’s
В1917 году Модильяни встретил 19-летнюю Жанну Эбютерн, которая стала его моделью, а потом и женой. В 2004-м один из ее портретов был продан за 31,3 млн долларов, что стало последним рекордом перед продажей «Сидящей обнаженной на диване» в 2010 году. Картину приобрел неизвестный покупатель за максимальную для Модильяни на данный момент цену. Активные продажи работ начались только после смерти художника. Он умер в нищете, больной туберкулезом, а на следующий день с собой покончила и Жанна Эбютерн, пребывавшая на девятом месяце беременности.
13
«Орел на сосне»
Автор
Ци Байши
Страна Китай
Годы жизни 1864–1957
Стиль гохуа
Интерес к каллиграфии привел Ци Байши к живописи. В 28 лет он стал учеником художника Ху Циньюаня. Министерство культуры Китая присвоило ему титул «Великого художника китайского народа», в 1956 году он получил Международную премию мира.
10х26 см
1946 год
стоимость
$65,4 млн
продана в 2011 году
на аукционе China Guardian
Ци Байши интересовался теми проявлениями окружающего мира, которым многие не придают значения, и в этом его величие. Человек без образования стал профессором и выдающимся творцом в истории. Пабло Пикассо говорил о нем: «Я боюсь ехать в вашу страну, ведь в Китае есть Ци Байши». Композиция «Орел на сосне» признана самым крупным произведением художника. Кроме полотна, она включает в себя два иероглифических свитка. Для Китая сумма, за которую куплено произведение, представляет рекорд – 425,5 млн юаней. Только свиток древнего каллиграфа Хуан Тинцзяня был продан за 436,8 млн.
14
«1949-A-№1»
Автор
Клиффорд Стилл
Страна США
Годы жизни 1904–1980
Стиль абстрактный экспрессионизм
В 20 лет посетил Метрополитен-музей в Нью-Йорке и был разочарован. Позже записался на курс студенческой лиги искусств, но ушел через 45 минут после начала занятия – оказалось «не его». Первая персональная выставка вызвала резонанс, художник нашел себя, а вместе с этим и признание
79х93 см
1949 год
стоимость
$61,7 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s
Все свои работы, а это более 800 холстов и 1600 произведений на бумаге, Стилл завещал американскому городу, где будет открыт музей его имени. Таким городом стал Денвер, но только строительство обходилось властям дорого, и для его завершения четыре работы были выставлены на аукцион. Произведения Стилла вряд ли будут участвовать в торгах когда-либо еще, что заранее повысило их цену. Картина «1949-A-No.1» продана за рекордную для художника сумму, хотя эксперты прогнозировали продажу максимум за 25–35 млн долларов.
15
«Супрематическая композиция»
Автор
Казимир Малевич
Страна Россия
Годы жизни 1878–1935
Стиль супрематизм
Малевич учился живописи в Киевской художественной школе, затем в Московской академии искусств. В 1913 году начал писать абстрактно-геометрические картины в стиле, который назвал супрематизмом (от лат. «доминирование»).
71х 88,5 см
1916 год
стоимость
$60 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s
В городском музее Амстердама картина хранилась около 50 лет, но после 17-летнего спора с родственниками Малевича музей отдал ее. Художник написал эту работу в один год с «Манифестом супрематизма», поэтому на Sotheby`s еще до торгов объявили, что менее чем за 60 млн долларов она не уйдет в частную коллекцию. Так и случилось. Смотреть на нее лучше сверху: фигуры на полотне напоминают вид на землю с воздуха. Кстати, несколькими годами ранее те же самые родственники экспроприировали у музея МоМА другую «Супрематическую композицию», чтобы продать ее на аукционе Phillips за 17 млн долларов.
16
«Купальщицы»
Автор
Поль Гоген
Страна Франция
Годы жизни 1848–1903
Стиль постимпрессионизм
До семи лет художник жил в Перу, затем с семьей вернулся во Францию, но детские воспоминания постоянно подталкивали его к путешествиям. Во Франции он начал писать красками, дружил с Ван Гогом. Он даже провел с ним несколько месяцев в Арле, до того момента, как Ван Гог во время ссоры отрезал себе ухо.
93,4х60,4 см
1902 год
стоимость
$55 млн
продана в 2005 году
на аукционе Sotheby’s
В 1891 году Гоген устроил распродажу своих картин, чтобы на вырученные деньги отправиться вглубь острова Таити. Там он создал работы, в которых чувствуется тонкая связь природы и человека. Гоген жил в соломенной хижине, а на его полотнах расцветал тропический рай. Его женой стала 13-летняя таитянка Техура, что не помешало художнику вступать в беспорядочные связи. Заболев сифилисом, он уехал во Францию. Однако там Гогену было тесно, и он вернулся на Таити. Этот период называют «вторым таитянским» – именно тогда была написана картина «Купальщицы», одна из самых роскошных в его творчестве.
17
«Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах»
Автор
Анри Матисс
Страна Франция
Годы жизни 1869–1954
Стиль фовизм
В 1889 году у Анри Матисса случился приступ аппендицита. Когда он оправлялся от операции, мать купила ему краски. Сначала Матисс со скуки копировал цветные открытки, потом – произведения великих живописцев, что видел в Лувре, а в начале XX века придумал стиль – фовизм.
65,2х81 см
1911 год
стоимость
$46,4 млн
продана в 2009 году
на аукционе Christie’s
Картина «Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах» долгое время принадлежала Иву Сен-Лорану. После смерти кутюрье вся его коллекция искусства перешла в руки его друга и любовника Пьера Берже, который решил выставить ее на аукционе Christie’s. Жемчужиной проданной коллекции стала картина «Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах», написанная на обыкновенной скатерти вместо холста. Как образец фовизма, она наполнена энергией цвета, краски словно взрываются и кричат. Из известной серии картин, написанных на скатерти, сегодня эта работа единственная, которая находится в частной коллекции.
18
«Спящая девушка»
Автор
Рой Ли
хтенштейн
Страна США
Годы жизни 1923–1997
Стиль поп-арт
Художник родился в Нью-Йорке, а окончив школу, уехал в Огайо, где пошел на курсы по искусству. В 1949 году Лихтенштейн получил степень магистра изящных искусств. Интерес к комиксам и умение иронизировать сделали из него культового художника прошлого века.
91х91 см
1964 год
стоимость
$44,882 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s
Однажды в руки Лихтенштейну попала жевательная резинка. Он перерисовал картинку со вкладыша на холст и стал знаменитым. В этом сюжете из его биографии заключен весь месседж поп-арта: потребление – новый бог, и в фантике от жвачки не меньше красоты, чем в «Моне Лизе». Его картины напоминают комиксы и мультфильмы: Лихтенштейн просто увеличивал готовое изображение, прорисовывал растры, использовал трафаретную печать и шелкографию. Картина «Спящая девушка» почти 50 лет принадлежала коллекционерам Беатрис и Филиппу Герш, чьи наследники продали ее на аукционе.
19
«Победа. Буги-вуги»
Автор
Пит Мондриан
Страна Нидерланды
Годы жизни 1872–1944
Стиль неопластицизм
Свою настоящую фамилию – Корнелис – художник сменил на Мондриан, когда в 1912 году переехал в Париж. Вместе с художником Тео ванн Дусбургом основал движение «неопластицизм». В честь Мондриана назван язык программирования Piet.
27х127 см
1944 год
стоимость
$40 млн
продана в 1998 году
на аукционе Sotheby’s
Самый «музыкальный» из художников XX века зарабатывал на жизнь акварельными натюрмортами, хотя прославился как неопластический художник. В США перебрался в 1940-х и провел там остаток жизни. Джаз и Нью-Йорк – вот что вдохновляло его больше всего! Картина «Победа. Буги-Вуги» – лучший тому пример. «Фирменные» аккуратные квадраты получались благодаря использованию липкой ленты – любимого материала Мондриана. В Америке его назвали «самым знаменитым иммигрантом». В шестидесятых Ив Сен-Лоран выпустил известные на весь мир платья «Мондриан» с принтом в крупную цветную клетку.
20
«Композиция № 5»
Автор
Василий Кандинский
Страна Россия
Годы жизни 1866–1944
Стиль авангардизм
Художник родился в Москве, а его отец был родом из Сибири. После революции он пытался сотрудничать с советской властью, но вскоре понял, что законы пролетариата созданы не для него, и не без сложностей эмигрировал в Германию.
275х190 см
1911 год
стоимость
$40 млн
продана в 2007 году
на аукционе Sotheby’s
Кандинский одним из первых полностью отказался от предметной живописи, за что и получил звание гения. Во время нацизма в Германии его картины были отнесены к «дегенеративному искусству» и нигде не выставлялись. В 1939 году Кандинский принял французское гражданство, в Париже он свободно участвовал в художественном процессе. Его картины «звучат», словно фуги, поэтому многие получили название «композиций» (первая написана в 1910 году, последняя – в 1939-м). «Композиция № 5» – одна из ключевых работ в этом жанре: «Слово “композиция” звучало для меня как молитва», – говорил художник. В отличие от многих последователей, он планировал то, что изобразит на огромном холсте, будто писал ноты.
21
«Этюд женщины в голубом»
Автор
Фернан Леже
Страна Франция
Годы жизни 1881–1955
Стиль кубизм-постимпрессионизм
Леже получил архитектурное образование, а затем был слушателем Школы изящных искусств в Париже. Художник считал себя последователем Сезанна, был апологетом кубизма, а в XX веке имел успех еще и как скульптор.
96,5х129,5 см
1912–1913 год
стоимость
$39,2 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s
Дэвид Норманн, президент интернационального отдела импрессионизма и модернизма Sotheby`s, считает огромную сумму, заплаченную за «Даму в голубом», вполне оправданной. Картина относится к знаменитой коллекции Леже (художник написал три картины на один сюжет, в частных руках сегодня – последняя из них. – Прим. ред.), и поверхность полотна сохранилась в первозданном виде. Автор сам отдал эту работу в галерею Der Sturm, потом она попала в коллекцию Херманна Ланга, немецкого собирателя модернизма, а теперь принадлежит неизвестному покупателю.
22
«Уличная сценка. Берлин»
Автор
Эрнст Людвиг Кирхнер
Страна Германия
Годы жизни 1880–1938
Стиль экспрессионизм
Для немецкого экспрессионизма Кирхнер стал знаковой персоной. Однако местные власти обвинили его в приверженности к «дегенеративному искусству», что трагически сказалось на судьбе его картин и на жизни художника, покончившего с собой в 1938 году.
95х121 см
1913 год
стоимость
$38,096 млн
продана в 2006 году
на аукционе Christie’s
После переезда в Берлин Кирхнер создал 11 зарисовок уличных сцен. Его вдохновляли суматоха и нервозность большого города. В картине, проданной в 2006 году в Нью-Йорке, особенно остро чувствуется тревожное состояние художника: люди на берлинской улице напоминают птиц – изящных и опасных. Она стала последней работой из знаменитой серии, проданной на аукционе, остальные хранятся в музеях. В 1937 году нацисты жестоко обошлись с Кирхнером: 639 его работ были изъяты из немецких галерей, уничтожены или проданы за границу. Художник не смог этого пережить.
23
«Отдыхающая танцовщица»
Автор
Эдгар Дега
Страна Франция
Годы жизни 1834–1917
Стиль импрессионизм
История Дега как художника началась с того, что он работал копировальщиком в Лувре. Он мечтал стать «знаменитым и неизвестным», и в итоге ему удалось это. В конце жизни оглохший и ослепший 80-летний Дега продолжал посещать выставки и аукционы.
64х59 см
1879 год
стоимость
$37,043 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s
«Балерины всегда были для меня лишь предлогом, чтобы изобразить ткани и ухватить движение», – говорил Дега. Сюжеты из жизни танцовщиц как будто подсмотрены: девушки не позируют художнику, а просто становятся частью атмосферы, пойманной взглядом Дега. «Отдыхающая танцовщица» была продана за 28 млн долларов в 1999 году, а меньше чем через 10 лет ее купили уже за 37 млн – сегодня это самая дорогая работа художника, когда-либо выставленная на торги. Большое внимание Дега уделял рамам, сам проектировал их и запрещал менять. Интересно, какая рама установлена на проданной картине?
24
«Живопись»
Автор
Хуан Миро
Страна Испания
Годы жизни 1893–1983
Стильабстрактное искусство
Во время гражданской войны в Испании художник был на стороне республиканцев. В 1937 году он бежал от фашистской власти в Париж, где жил в нищете вместе с семьей. В этот период Миро пишет картину «Помогите Испании!», обращая внимание всего мира на засилье фашизма.
89х115 см
1927 год
стоимость
$36,824 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s
Второе название картины – «Голубая звезда». Художник написал ее в том же году, когда объявил: «Я хочу убить живопись» и нещадно издевался над холстами, царапая краску гвоздями, приклеивая к полотну перья, покрывая работы мусором. Его целью было развенчать мифы о таинстве живописи, но, справившись с этим, Миро создал собственный миф – сюрреалистическую абстракцию. Его «Живопись» относится к циклу «картин-сновидений». На аукционе за нее бились четверо покупателей, однако один телефонный звонок инкогнито решил спор, и «Живопись» стала самой дорогой картиной художника.
25
«Голубая роза»
Автор
Ив Кляйн
Страна Франция
Годы жизни 1928–1962
Стиль монохромная живопись
Художник родился в семье живописцев, но обучался восточным языкам, мореходству, ремеслу золотильщика рам, дзен-буддизму и многому другому. Его личность и нахальные выходки были в разы интереснее монохромных картин.
153х199х16 см
1960 год
стоимость
$36,779 млн
продана в 2012 году
на аукционе Christie’s
Первая выставка однотонных желтых, оранжевых, розовых работ не вызвала интереса у публики. Кляйн обиделся и в следующий раз представил 11 одинаковых холстов, окрашенных ультрамарином вперемешку с особой синтетической смолой. Он даже запатентовал этот метод. В историю цвет вошел как «международный синий цвет Кляйна». Еще художник продавал пустоту, создавал картины, подставляя бумагу под дождь, поджигая картон, делая на холсте отпечатки тела человека. Словом, экспериментировал как мог. Для создания «Голубой розы» использовал сухие пигменты, смолы, гальку и натуральную губку.
26
«В поисках Моисея»
Автор
Сэр Лоуренс Альма-Тадема
Страна Великобритания
Годы жизни 1836–1912
Стиль неоклассицизм
Приставку «альма» к своей фамилии сэр Лоуренс добавил сам, чтобы в художественных каталогах значиться первым. В викторианской Англии его картины были настолько востребованы, что художнику присвоили рыцарское звание.
213,4х136,7 см
1902 год
стоимость
$35,922 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s
Главной темой творчества Альма-Тадемы была античность. На картинах он старался в мельчайших деталях изобразить эпоху Римской империи, для этого даже занимался археологическими раскопками на Апеннинском полуострове, а в своем лондонском доме воспроизвел исторический интерьер тех лет. Мифологические сюжеты стали для него еще одним источником вдохновения. Художник был крайне востребован при жизни, однако после смерти его быстро забыли. Сейчас интерес возрождается, о чем говорит и стоимость картины «В поисках Моисея», в семь раз превысившая предпродажную оценку.
27
«Портрет спящей обнаженной чиновницы»
Автор
Люсьен Фрейд
Страна Германия,
Великобритания
Годы жизни 1922–2011
Стиль фигуративная живопись
Художник – внук Зигмунда Фрейда, отца психоанализа. После установления фашизма в Германии его семья эмигрировала в Великобританию. Произведения Фрейда находятся в лондонском музее «Собрание Уоллеса», где ранее не выставлялся ни один современный художник.
219,1х151,4 см
1995 год
стоимость
$33,6 млн
продана в 2008 году
на аукционе Christie’s
Пока модные художники XX века создавали позитивные «цветовые пятна на стену» и продавали их за миллионы, Фрейд писал предельно натуралистичные картины и продавал их еще дороже. «Я запечатлеваю крики души и страдания увядающей плоти», – говорил он. Критики считают, что все это «наследство» Зигмунда Фрейда. Картины так активно выставлялись и успешно продавались, что у специалистов зародилось сомнение: а не обладают ли они гипнотическими свойствами? Проданный на аукционе «Портрет спящей обнаженной чиновницы», по информации издания Sun, приобрел ценитель прекрасного и миллиардер Роман Абрамович.
28
«Скрипка и гитара»
Автор
Х уан Грис
Страна Испания
Годы жизни 1887–1927
Стиль кубизм
Родился в Мадриде, где и окончил школу искусств и ремесел. В 1906 году переехал в Париж и вошел в круг самых влиятельных художников эпохи: Пикассо, Модильяни, Брака, Матисса, Леже, также работал с Сергеем Дягилевым и его труппой.
5х100 см
1913 год
стоимость
$28,642 млн
продана в 2010 году
на аукционе Christie’s
Грис, по собственным словам, занимался «плоскостной, цветной архитектурой». Его картины точно продуманы: он не оставлял ни одного случайного мазка, что роднит творчество с геометрией. Художник создал свой вариант кубизма, хотя очень уважал Пабло Пикассо, отца-основателя направления. Преемник даже посвятил ему свою первую работу в стиле кубизм «Дань уважения Пикассо». Картина «Скрипка и гитара» признана выдающейся в творчестве художника. При жизни Грис был известен, обласкан критиками и искусствоведами. Его работы выставлены в крупнейших мировых музеях, хранятся в частных коллекциях.
29
«Портрет Поля Элюара»
Автор
Сальвадор Дали
Страна Испания
Годы жизни 1904–1989
Стиль сюрреализм
«Сюрреализм – это я», – сказал Дали, когда его исключили из группы сюрреалистов. Со временем он стал самым известным художником-сюрреалистом. Творчество Дали повсюду, а не только в галереях. Например, это он придумал упаковку для «Чупа-Чупса».
25х33 см
1929 год
стоимость
$20,6 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s
В 1929 году навестить великого провокатора и скандалиста Дали приехали поэт Поль Элюар со своей русской женой Галой. Встреча стала началом истории любви, продолжавшейся более полувека. Картина «Портрет Поля Элюара» написана как раз во время этого исторического визита. «Я чувствовал, что на меня возложена обязанность запечатлеть лик поэта, с Олимпа которого я похитил одну из муз», – говорил художник. До знакомства с Галой он был девственником и испытывал отвращение при мысли о сексе с женщиной. Любовный треугольник существовал до смерти Элюара, после чего стал дуэтом Дали–Гала.
30
«Юбилей»
Автор
Марк Шагал
Страна Россия, Франция
Годы жизни 1887–1985
Стиль авангард
Мойша Сегал родился в Витебске, но в 1910 году эмигрировал в Париж, сменил имя, сблизился с ведущими авангардистами эпохи. В 1930-х при захвате власти фашистами уехал в США при помощи американского консула. Вернулся во Францию только в 1948 году.
80x103 см
1923 год
стоимость
$14,85 млн
продана в 1990 году
на аукционе Sotheby’s
Картина «Юбилей» признана одной из лучших работ художника. В ней есть все черты его творчества: стерты физические законы мира, сохраняется ощущение сказки в декорациях мещанского быта, а в центре сюжета – любовь. Шагал не рисовал людей с натуры, а только по памяти или фантазируя. На картине «Юбилей» запечатлен сам художник с женой Бэлой. Картина продана в 1990 году и с тех пор не участвовала в торгах. Интересно, что в нью-йоркском Музее современного искусства MoMA хранится абсолютно такая же, только под названием «День рождения». Кстати, написана она раньше – в 1915 году.
проект подготовила
Татьяна Паласова
рейтинг составлен
по списку www.art-spb.ru
журнал tmn №13
(май-июнь 2013)
Крупные международные аукционы все чаще включают современных русских художников в свои торги послевоенным и современным искусством. В феврале 2007 года Sotheby’s провел первые и ставшие почти сенсационными специализированные торги русским contemporary art, которые принесли 22 аукционных рекорда. «Артгид» решил выяснить, кто же из наших современных художников собрал самые большие суммы на международных аукционах и, составив топ-10 самых дорогих ныне живущих русских художников по результатам аукционных продаж, обнаружил некоторые любопытные закономерности. Все цены продаж приводятся по данным аукционных домов с учетом премии покупателя.
Александр Виноградов и Владимир Дубосарский. Ночной фитнес. Фрагмент. Courtesy авторы (www.dubossarskyvinogradov.com)
Разумеется, не могло быть никаких сомнений в том, кто именно стал лидером аукционной гонки: грандиозного «Жука» Ильи Кабакова, проданного в феврале 2008 года на Phillips de Pury почти за £3 млн, помнят, наверное, все, кто интересуется современным искусством. Забавный детский стишок, текст которого написан на деревянной панели с жуком, даже приобрел в искусствоведческо-рыночной интерпретации глубокомысленную интонацию: «Вырывается мой жук, прыгает, стрекочет, он в коллекцию мою попадать не хочет» — это метафорически означает азарт коллекционера современного искусства, за этого самого жука торгующегося. (Процитированный Кабаковым стих, сочиненный архитектором А. Масленниковой, поэтом-любителем из Воронежа, напечатан в детском сборнике стихов, считалок и загадок «Между летом и зимой», вышедшем в 1976 году в издательстве «Детская литература», — а Кабаков эту книжку иллюстрировал. Правда, того жука в его черно-белых иллюстрациях не было).
Следует добавить, что если бы мы составляли не топ-10 самых дорогих ныне живущих художников, а топ-10 их самых дорогих работ, то картины Кабакова заняли бы в этом списке первые три места. То есть три самых дорогих произведения ныне здравствующего русского художника принадлежат именно ему — помимо «Жука» это «Номер люкс» 1981 года (Phillips de Pury, Лондон, 21 июня 2007, £2,036 млн) и «Каникулы № 10» 1987 года (Phillips de Pury Лондон, 14 апреля 2011, £1,497 млн). Вдобавок ко всему, щедрый Кабаков «подарил» еще один рекорд венскому аукциону Dorotheum — год назад, 24 ноября 2011 года картина «В университете» ушла там за €754,8 тыс., став самым дорогим произведением современного искусства, когда-либо проданным на этом аукционе.
Серебряного призера, вероятно, многие также назовут без труда — это Эрик Булатов, чей холст «Слава КПСС» был продан за рекордную для художника сумму на том же самом аукционе Phillips de Pury, что и кабаковский «Жук».
А вот третье место нонконформиста Евгения Чубарова, чья поздняя работа «Без названия» ушла в июне 2007 года на Phillips de Pury за £720 тыс., можно было бы назвать неожиданностью, если бы не тот факт, что несколькими месяцами раньше, в феврале того же года Чубаров уже произвел сенсацию на Sotheby’s в Лондоне, на специализированных торгах российским современным искусством, где его работа с тем же названием (точнее, без него) была продана за £288 тыс. (при верхней границе эстимейта в £60 тыс.), не только побив предполагаемый топ-лот того аукциона, картину Булатова «Революция — Перестройка» (цена продажи £198 тыс.), но и став самым дорогим на тот момент произведением ныне живущего русского художника. Кстати, вот она, ирония колебания курсов валют: в ноябре 2000 года полиптих Гриши Брускина был продан в Нью-Йорке за $424 тыс., и тогда в фунтах стерлингов это составляло £296,7 тыс., а в феврале 2007 года, когда устанавливал свой первый рекорд Чубаров, — уже только £216,6 тыс.
Произведения обладателей четвертого места Виталия Комара и Александра Меламида — нередкие и довольно успешные лоты западных аукционов, хотя их эстимейты редко превышают £100 тыс. Вторая по цене работа дуэта — «Ялтинская конференция. Суд Париса» — была продана на аукционе Macdougall’s в 2007 году за £184,4 тыс. Но следует учесть, конечно, что картина, принесшая им четвертое место, принадлежит к довольно ранним и редко появляющимся на аукционах работам и что она экспонировалась в 1976 году на первой (и очень громкой) заграничной выставке Комара и Меламида в галерее Рональда Фельдмана в Нью-Йорке.
Следующие за Комаром и Меламидом Олег Васильев и Семен Файбисович стабильно держат на аукционах высокую планку. Васильев был третьим на том необыкновенно успешном аукционе Phillips de Pury 2008 года, который принес рекорды Илье Кабакову и Эрику Булатову, а Файбисович — четвертым. Тогда картина Васильева «Вариация на тему обложки журнала “Огонек”» 1980 года была продана за ₤356 тыс. при эстимейте ₤120 тыс., а «Еще один взгляд на Черное море» Файбисовича 1986 года — за £300,5 тыс. при эстимейте £60-80 тыс. Работы обоих художников часто приносят на аукционах шестизначные суммы.
Правда, аукционную славу Файбисовичу принесли вовсе не рекордные «Солдаты», а картина «Красавица», проданная на Sotheby’s 12 марта 2008 года — это были вторые по счету торги аукционного дома современным русским искусством, если не считать московского аукциона 1988 года. Картина (другое ее название — «Первое мая») ушла тогда за £264 тыс. при эстимейте £60-80 тыс., между покупателями за нее развернулось настоящее сражение. Еще одна картина Файбисовича «На московской улице» на том аукционе превысила эстимейт в два раза и была продана за £126 тыс. Добавим, что, по данным портала Artprice, Семен Файбисович — единственный из российских художников, вошедших в топ-500 самых продаваемых в 2011-2012 годах.
Примерно то же самое можно сказать и о занимающем восьмое место в топ-10 Олеге Целкове. Уже полвека назад нашедший свой стиль и тему, узнаваемый и авторитетный художник, он регулярно снабжает аукционы своими флуоресцентными круглыми рожами, имеющими неизменный успех. Вторая по цене картина Целкова «Пять лиц» продалась в июне 2007 на MacDougall’s за £223,1 тыс., третья, «Двое с жуками», — в ноябре того же года на том же аукционе (MacDougall’s всегда выставляют на торги нескольких Целковых разного ценового диапазона) за £202,4 тыс.
Грише Брускину в аукционной истории русского современного искусства выпала особая роль еще с 1988 года, с московского аукциона Sotheby’s под названием Russian Avant-Garde and Soviet Contemporary Art, где его «Фундаменталный лексикон» был продан за сенсационные £220 тыс., в 12 раз выше эстимейта. Примерно то же самое, а может быть, даже еще сенсационнее, произошло и с полиптихом «Логии. Часть I» в 2000 году на Christie’s в Нью-Йорке: полиптих ушел за $424 тыс., превысив верхнюю планку эстимейта в 21 (!) раз — уже одно это может считаться своеобразным рекордом. Вероятнее всего, эта необычайная покупка обусловлена не в последнюю очередь значимостью имени Брускина как героя легендарных московских торгов Sotheby’s, потому что никакие другие аукционные продажи Брускина даже близко не подходят к этим суммам.
Цена на Оскара Рабина не колеблются, а неуклонно и очень заметно растут, особенно на работы советского периода — все самые дорогие проданные на аукционах работы этого мастера написаны в конце 1950-х - начале 1970-х годов. Это (помимо его рекордного «Социалистического города») «Бани (Нюхайте одеколон “Москва”, 1966, Sotheby’s, Нью-Йорк, 17 апреля 2007, $336 тыс.) и «Скрипка на кладбище» (1969, Macdougall’s, Лондон, 27 ноября 2006, £168,46).
Десятку сильнейших замыкают представители более молодого поколения — Александр Виноградов и Владимир Дубосарский, чьи самые дорогие картины были проданы на Phillips de Pury (вторая по стоимости — «Последняя бабочка», 1997, Phillips de Pury, Нью-Йорк, $181 тыс.). Эти художники, в общем, продолжают тенденцию, довольно отчетливо заметную в рейтинге самых дорогих картин ныне живущих художников. О ней речь чуть ниже, а пока вот, наконец, список самых дорогих произведений ныне живущих русских художников.
Топ-10 произведений ныне живущих российских художников
1. Илья Кабаков (р. 1933). Жук. 1982. Дерево, эмаль. 226,5 x 148,5. Аукцион Phillips de Pury & Company, Лондон, 28 февраля 2008. Эстимейт £1,2-1,8 млн. Цена продажи £2,93 млн.
2. Эрик Булатов (р. 1933). Слава КПСС. 1975. Холст, масло. 229,5 х 229. Аукцион Phillips de Pury & Company, Лондон, 28 февраля 2008. Эстимейт £500-700 тыс. Цена продажи £1,084 млн.
3. Евгений Чубаров (р. 1934). Без названия. 1994. Холст, масло. 300 х 200. Аукцион Phillips de Pury & Company, Лондон, 22 июня 2007. Эстимейт £100-150 тыс. Цена продажи £720 тыс.
4. Виталий Комар (р. 1943) и Александр Меламид (р. 1945). Встреча Солженицына и Белля на даче у Ростроповича. 1972. Холст, масло, коллаж, золотая фольга. 175 х 120. Аукцион Phillips de Pury & Company, Лондон, 23 апреля 2010. Эстимейт £100-150 тыс. Цена продажи £657,25 тыс.
5. Олег Васильев (р. 1931). Перед закатом. 1990. Холст, масло. 210 x 165. Аукцион Sotheby’s, Лондон, 12 марта 2008. Эстимейт £200-300 тыс. Цена продажи £468,5 тыс.
6. Семен Файбисович (р. 1949). Солдаты. Из серии «Вокзалы». 1989. Холст, масло. 285,4 x 190,5. Аукцион Phillips de Pury & Company, Лондон, 13 октября 2007. Эстимейт £40-60 тыс. Цена продажи £311,2 тыс.
8. Олег Целков (р. 1934). Мальчик с воздушными шариками. Холст, масло. 103,5 х 68,5. Аукцион MacDougall’s, Лондон, 28 ноября 2008. Эстимейт £200-300 тыс. Цена продажи £238,4 тыс.
9. Оскар Рабин (р. 1928). Город и луна (Социалистический город). 1959. Холст, масло. 90 х 109. Аукцион Sotheby’s, Нью-Йорк, 15 апреля 2008. Эстимейт $120-160 тыс. Цена продажи $337 тыс. (£171,4 по курсу доллара к фунту стерлингов на апрель 2008 года).
10. Александр Виноградов (р. 1963) и Владимир Дубосарский (р. 1964). Ночная тренировка. 2004. Холст, масло. 194,9 x 294,3. Аукцион Phillips de Pury & Company, Лондон, 22 июня 2007. Эстимейт £15-20 тыс. Цена продажи £132 тыс.
Известно, что аукционные цены — вещь иррациональная и по ним нельзя судить об истинной роли и значимости художника в художественном процессе. Зато по ним и по топ-лотам можно примерно судить о коллекционерских предпочтениях. Каковы же они? Чтобы ответить на этот вопрос, не нужно быть экспертом. Они очевидны. Во-первых, все художники (разве что кроме Александра Виноградова и Владимира Дубосарского) — «живые классики» в летах, причем весьма солидных. Во-вторых, почти у каждого из них рекорды установили не работы последних лет, а намного более ранние, то есть закономерность «чем старше — тем лучше» актуальна и здесь. В-третьих, все без исключения произведения из топ-10 представляют собой станковые картины. В-четвертых, это все картины большого и очень большого размера. Более или менее «стандартными» в этом отношении можно считать разве что «Город и луну» Оскара Рабина и «Мальчика с воздушными шариками» Олега Целкова, все же остальные здорово превышают в высоту (даже не в ширину) человеческий рост. Наконец, для всех этих художников так или иначе актуальна тема советского (в частности, нонконформистского) прошлого, во многих случаях акцентированная в их работах. Похоже, наши коллекционеры испытывают острую ностальгию по этому самому советскому прошлому (общеизвестно, что русское искусство на Западе покупают именно русские собиратели).
Более молодые, чем остальные лидеры аукционных продаж, Александр Виноградов и Владимир Дубосарский несколько упрямо пытаются выломиться из десятки суровых нонконформистов, но это только на первый взгляд. На самом деле если представить себе, кто из следующего за Кабаковым, Булатовым, Рабиным, Васильевым, Целковым поколения наилучшим образом может соответствовать вышеперечисленным критериям покупаемости (станковые картины больших размеров, перепевы советских жанров, мотивов и стилистики), то, вероятно, это и окажутся Виноградов и Дубосарский, достойные наследники мэтров предшествующих десятилетий. По крайней мере если судить по аукционным продажам.
Существует очень большое количество современных русских художников, о деятельности которых известно лишь в определенных кругах - широкие же массы зачастую далеки от современного искусства и по инерции довольствуются знаниями лишь о творчестве русских классиков. Мы хотим исправить эту ситуацию, поэтому далее расскажем, что собой представляет российский современный художник на примере следующих пяти авторов.
Илья Кабаков
Этот современный художник является одним из самых значимых российских живописцев своего времени, который олицетворяет собой современное искусство , в частности, душу московского концептуализма. Одна из картин, «Жук», написанная в 1982 году, была продана в 2008 году на аукционе в Лондоне почти за шесть миллионов долларов и вошла в список самых дорогих картин, которые создали художники России. Современные картины Кабакова сейчас выставляются во многих музеях мира: в нью-йоркской Pace Gallery, московском Мультимедиа Арт Музее и других.
Я не знаю, как другие сопротивлялись этому ужасному комплексу: «Тебе уже 25 лет, а ты еще не Рафаэль!». Но для меня это является одним из самых страшных стимулирующих моментов. (Илья Кабаков )
Еще одна знаковая работа художника, «Праздники № 6», изображает типичную советскую иллюстрацию, украшенную сверху фантиками - они словно бы маскируют картину и таким образом представляют собой напускной оптимизм, который прячет за собой тоскливую действительность. В целом творчеству Ильи Кабакова присуща концепция эскапизма - побег от окружающей действительности и погружение в искусство.
Сергей Волков
Многие свои современные картины Сергей Волков писал под впечатлением от поездки в Германию, куда ему приходилось ездить в творческую командировку. Целая серия полотен посвящена немецкой архитектурной готике и фольклору и овеяна неким символизмом. После цикла «немецких» картин современный художник написал серию в тематике, посвященной североамериканским индейцам и представляющей портреты свободолюбивых индейских вождей.
А на сегодня основной темой творчества живописца является красота московских пейзажей: «Таганка», «Улица Станкевича», «Кадашевская набережная». Современная живопись Волкова - это импрессионистическое изображение простой, будничной столицы, такой, какая она есть, но при этом в ярких красках, которые проявляются в солнечных лучах, светофорах и красочных трамвайчиках.
Григорий Брускин
Григорий, или Гриша Брускин, как звучит его артистическое имя, восхищался профессией художника еще с детства. Обучаясь в художественной школе, он черпал вдохновение из работ французских живописцев эпохи Ренессанса.
Я могу себя называть счастливым человеком до тех пор, пока я могу работать. (Григорий Брускин )
В 80-е годы, когда Брускин находился в эмиграции, его творчество приобрело определенную структуру, с помощью которой ему удавалось упорядочивать различные символы, знаки и общественные мифы. Согласно такому подходу, современный художник объединял свои работы в целые серии или коллажи, где изображал предметы и надписи, являющиеся аллегорией на какое-либо понятие. Одна из таких картин, «Фундаментальный лексикон», впоследствии принесла ему славу, когда на одном из аукционов ее приобрел сам Милош Форман - оскароносный чешский и американский режиссер.
Семен Файбисович
Еще один именитый российский художник, работающий в популярном стиле фотореализм. Свои современные картины автор объединяет в серии: например, «Разгуляй», «Очевидность», «На вокзале». К последнему циклу работ относится самая дорогостоящая картина живописца - «Солдат», ушедшая с торгов на аукционе Phillips de Pury за целых 311 тысяч фунтов.
Как говорит и сам художник, ранее в своих работах он задавался вопросом о том, что именно мы видим вокруг себя, рисуя ситуации из повседневности: вот человек ждет прибытия электрички, вот едет в троллейбусе… Сейчас же Файбисовича интересует больше то, как мы видим: чтобы передать нужный эффект, будущие сюжеты современный художник снимает с помощью старенького мобильного телефона, а затем переносит на холст.
Валерий Кошляков
Современный художник Валерий Кошляков является одним из известнейших российских живописцев, который неоднократно был представителем страны на различных мировых биеннале. Лувр, Третьяковка, Центр Помпиду, Русский музей - всюду вы найдете его работы. Самым известным полотном автора стала картина «Версаль», в 2008 году проданная за 72,5 тысячи фунтов на знаменитом аукционе Sotheby"s.
Я современный только в том смысле, что ваш современник, а не в том, что делаю современное искусство. (Валерий Кошляков )
Памятники прошедших эпох - любимая тематика живописи художника. Современная живопись Кошлякова обладает собственной изюминкой, а именно - пристрастием к использованию не самых традиционных материалов для творчества: картона, ткани, упаковочных коробок и т. д., хотя в последние годы живописец нередко возвращается к холсту. В попытках добиться матовой поверхности российский художник избегает масляные краски, отдавая предпочтение акрилу и темпере.
Оценить палитру российского изобразительного искусства современности также можно, посмотрев следующий видеорепортаж с одной из выставок музея «Манеж»:
Забирай себе, расскажи друзьям!
Читайте также на нашем сайте:
Показать еще
Современное искусство многим кажется претенциозным и пустым, но это не меняет того, что немало художников XXI века получают за свои картины баснословные суммы. Какой современный художник успел заработать на своем творчестве больше всех и кто совсем немного от него отстает – узнайте в нашей статье.
