Новые направления в искусстве 20 21 веков. Выставка «Всегда современное. Искусство XX–XXI вв. «Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах»

Время идет быстротечно. Одна эпоха незаметно сменяет другую. На дворе 21 век - «век скоростей», «век интеграции», «век информации», век новых технологий, мобильных телефонов, Интернета и новой прогрессивной молодежи. Век новых современных людей, чья жизнь все время в движении. Человек 21 века - человек информации. Он пытается постичь все сферы жизни, стремится к свободе, через искусство перекраивает несущую действительность, выходит за рамки, меняет жизнь и достигает гармонии и свободы.

Искусство 21 века - это некое отражение нашей сегодняшней жизни, которое передает настроение, проблемы, желания определенной эпохи людей. Что же представляет собой искусство 21? В чем его особенность? Чтобы ответить на эти вопросы, предлагаю проанализировать нескольких художников и скульпторов, которые непосредственно своими произведениями отражают нашу эпоху.

Искусство или магия?

Искусство, которое граничит с магией и реальность, которую можно запросто принять за мираж, иллюзию, обман зрения, - такой эффект производят на неподготовленного и неискушенного зрителя шедевры художницы Корнелии Конрадс. Ее инсталляции украшают городские парки и скверы Германии и каждый раз удивляют прохожих, причем не только приезжих, но и местных. Корнелия создает свои шедевры в стиле лэнд-арт. Лэнд-арт — относительно новое направление в искусстве. Оно возникло в Соединенных Штатах лишь в последней трети 20 века. Тем не менее, оно уже успевшее приобрести значительную популярность и найти своих последователей на Западе. Художественной платформой для мастеров этого жанра служит, преимущественно, природный ландшафт и отдельные его элементы. Корнелия Конрадс — один из ярчайших представителей лэнд-арта. Она нашла свое призвание в украшении привычных пейзажей парков и садов плодами своей фантазии. Надо сказать, большинство ее идей весьма необычны, но несмотря на это они довольно быстро пришлись по вкусу невольным зрителям — горожанам.

На эту и на ту, набью себе тату!

В 21 веке живопись уже давно вышла за рамки холста. Начиная с 1960-х годов роспись по телу начала развиваться и на Западе, как часть изменения общественной морали в сторону больших свобод. Возродившийся на Западе, боди пейнтинг ошибочно считается молодым искусством. Известные художники использовали боди-арт для своих выставок и перформансов. Постепенно боди-арт стал использоваться и в коммерческих целях - для промо акций, рекламы. Сейчас татуировку имеет каждый второй. Цель «сделать себе татушку» у всех разная: кто-то по глупости пытается доказать родителям что уже вырос, кто-то набивает себе наколку на плече с именем своей возлюбленной, ну а у девушек не убывает популярность в татуировках на кобчике с дельфинчиками и сердечками.

Мастер тату и фотограф Брайан Каммингс считает, что татуировка - это одна из форм изобразительного искусства, а тело это просто еще один холст. Работы Брайана весьма интересны. Он делает татуировки, а затем фотографии, которые бы украшали и подчеркивали данное творение. Как художник, он тянется к контрасту. Контрасту светлого и темного, черного и белого, драмы и комедии, и т.д. Брайан вытягивает все возможное из двух крайностей. Художник заинтересован в максимальном разрыве между двумя противоположными точками.
«Как вид искусства, татуировки делают это за меня. С одной стороны, для некоторых это нечто запретное. С другой стороны, это вид искусства, имеющий давние традиции, связанный с красотой и личностным смыслом» - рассказывает Брайан.

Чувственное жизненное пространство

Глядя на белоснежное рельефное мозаичное панно молодой российской художницы Ирины Жук, невольно становишься свидетелем белого шума. Следуя за названием этой работы, шум сначала слегка шуршит, а затем нарастает в ушах. К нему так и тянет прикоснуться пальцами. Ощутить шероховатость слепяще-белой теплой древесины и застывшего холодного гипса. Как будто посредством твоего прикосновения эти белоснежные кнопки начнут подниматься и опускаться в хаотичном порядке.

Блестящее белое полотно из непрозрачного стекла с ярко-красным кругом в середине, символично заключающим в себе выпуклое лицо гейши, переносит посетителей выставки в Японию. Росчерк черного иероглифа в нижнем углу панно еще раз доказывает принадлежность работы к восточной тематике.

Ирина Жук сама охарактеризовывает себя как проводник жизненного пространства сегодня сквозь руку любого пользователя.

«Мое искусство вне ограничений физиологических, в котором жизненное пространство чувственно воспринимается посредством кожи и глаз. Прикосновение к искусству должно быть доступно каждому, это позволяет нам учиться друг у друга, обмениваться информацией и чувствовать энергию ближнего. Выход на одну ступень понимания и восприятия творчества объединяет и делает нас равными пользователями любого пространства. Этот культурный код для каждого всегда свой: контрастный, цветной, монохромный, но в моей философии, обязательно, тактильный» - повествует Ирина.

Подводя итог, могу сказать одно: искусство 21 века очень разнообразно, разнополюсно. Современное творчество отличается разнообразием стилей и направлений, многие из которых пока что не совсем понятны простому обывателю. Некоторые просто плюются и часами стоят у произведения, только догадываясь, что же хотел сказать автор. Произведения различных условных веков ярко передают чувства личного настроения. Эпоха средневековья - период войн, затем упадка. Эпоха Возрождения раскрывает цвет души и гармонии человека. А если барокко, то оно переполняет своей динамикой, ярким колоритом. Но в отличие от последних, современное искусство то вобрало в себя, а где-то и развеяло. Эти ощущения покинули почти совсем незаметно следует эхо древних традиций. Люди научились видеть красоту в новом образе. Кто-то изображает простые сюжеты, а кое-кто требует сложных философских представлений о мире. Важным остается идея духовности человека.

Даже капля на листе расскажет гораздо больше, чем сложная многофигурная композиция. Искусство не требует лишнего. Как и в архитектуре, является лишь основа и необходимые элементы. Все и везде неповторимое. Не существуют такие вещи, которые невозможно различить. Техника и материал - все играет важную роль в этом отражении. И это говорит о приближении к идеалу. Творить прекрасное может каждый. Главное - понять и уверенно идти к поставленной цели. Только благодаря искусству мы можем передать, как и в песне, свои лучшие чувства, оставив личный, неповторимый след в его истории.

Мне нравится

Реферат по учебной дисциплине "Культурология"

на тему: "Русская живопись XX-XXI веков".

План

1. Введение.

2. Основные направления в живописи XX века и яркие их представители.

3. История создания ГМИИ А. С. Пушкина.

4. Живопись России XXI века.

5. Заключение.

6. Список литературы.

1. Введение.

Русская живопись ХХ - XXI веков - чрезвычайно сложное явление, в котором переплелись различные направления, жанры, имена, события, объединения. Всё вместе это составляет довольно пёструю картину, отражающую все те перемены и тенденции, которые происходили в российском обществе.

Отечественная живопись - это целая панорама, несущая в себе не только внешнее эстетическое изображение, но и внутреннее духовному богатству. Каждый из значимых представителей отечественной живописи заслуживает своего зрителя и своего исследователя. И даже картины соцреализма, которые сегодня ввиду перемены идеологии могут показаться чуждыми современному человеку, не должны исключаться из изучения и эстетической программы по нескольким причинам. Они оказываются свидетелем и воплощением исторических событий недавнего прошлого. Но также эти полотна ценны и по своим художественным качествам. Этого нельзя отрицать и перечёркивать.

Всплеск интересных явлений в живописи 70 - 80 гг. свидетельствует о том, что в отечественное искусство таило в себе немалый потенциал, который, несмотря на все препоны и запреты, сумел прорваться наружу.

Всеобщий упадок 90-х годов тоже не стал полным препятствием для развития живописи. Множество наносного и бездарного со временем начало уходить, а 2000-е, благодаря коренному перелому, получили возрождённые меценатские и духовные традиции. Сегодня для развития живописи есть все условия: отсутствие запретов, множество учебных заведений, возобновлённая практика частных заказов, огромное количество галерей, в которых можно выставляться. Главное слово у новой российской живописи ещё впереди.

2. Основные направления в живописи XX века и яркие их представители.
Закат Российской империи сопровождался - в широком смысле - противодействием светлого и тёмного начал. Культура, являясь своеобразным индикатором на перемены в обществе, немедленно откликнулась на происходящее в стране.

Вместе с произведениями эпохи Серебряного века, которые обладали несомненной эстетической и художественной значимостью, было немалое количество ничего не значащих картин. Очень часто эксперименты в области живописи буквально переходили грань, за которой терялись нравственные ориентиры и создавались произведения, по сути своей враждебные человеку.

Во избежание путаницы в многочисленных модных тенденциях, возникших в начале ХХ века, их разделили на два основных направления - авангард и модернизм.

Начало ХХ века - это торжество Серебряного века, наступление которого ознаменовалось рождением художественного объединения «Мир искусства». В него вошла элита того времени, лучшие критики, публицисты, музыканты и, конечно, художники этого периода: А.Н. Бенуа (1870 - 1960), М.В. Добужинский (1857 - 1957), Л.С. Бакст (1866 - 1924), К.А. Сомов (1869 - 1939), Е.Е. Лансере (1875 - 1946) и другие - каждый из них привносил в эту группу единомышленников что-то своё. Их стали называть «мирискусниками», подчёркивая и принадлежность к содружеству, в котором они состоялись, и одновременно отдавая им должное как создателям феерии бесконечных фантазий, стилизаций импровизаций.

Деятельность «мирискусников» была направлена против творчества передвижников. Они считали их традиции отжившими. К главным фигурам объединения принадлежал и С.П. Дягилев (1872 - 1929), несмотря на то, что он не был художником. Однако благодаря именно ему организовывались регулярные выставки участников «Мира искусств», а позже начал издаваться и одноимённый журнал, каждый номер из который можно назвать шедевром. Концепция «Мира искусства» - это соединение старых дворянских традиций и культуры разночинцев. Диапазон их деятельности был широк, он включал в себя и иконопись, и современную живопись.

Другой гранью русского искусства начала ХХ века был символизм. Художники этого содружества были объединены в группу, носившую название «Голубая роза» - по названию своей выставки в 1907 году. Свою цель символисты видели в напоминании людям о другой жизни - высокой, недоступной, той, что находится в горнем мире. Задачей символистов было приобщение своих зрителей к этой жизни, олицетворяющей прекрасное. Участниками содружества были С.Ю. Судейкин (1882 - 1964), Н.П. Феофилактов (1878 - 1941), М.А. Борисов-Мусатов (1870 - 1905), М.А. Врубель (1856 - 1910), М.С. Сарьян (1880 - 1972) и другие.

Ещё одним крупным художественным явлением следует назвать содружество «Бубновый валет». Представители объединения - московские художники - объединились вместе для того, чтобы осуществить поиски истинного искусства, заключавшегося, по их мнению, в постимпрессионистском пути. При этом они допускали и поддерживали и другие направления в искусстве - фовизм, кубизм, примитивное народное искусство, в том числе, и русский лубок. Организатором «Бубнового валета» следует назвать М.П. Ларионова (1881 - 1964), а самыми выдающимися участниками - П.П. Кончаловского (1876 - 1956), А.В. Куприна (1880 - 1960), братьев Бурлюков, И.И. Машкова (1881 - 1964), Р.Р. Фалька (1856 - 1958), А.В. Лентулова (1882 - 1943).

Вызов всем направлениям бросили авангардисты, которые стремились к отказу от всех предыдущих правил и норм. Цвет русской авангардной живописи - это М. Ларионов, Н. Гончарова, В. Кандинский, К. Малевич, П. Филонов. Провозгласив новое свободное искусство, они с энтузиазмом устраивали шумные встречи в московском Политехническом музее, где происходили их горячие дискуссии по поводу искусства.

Представители авангардизма каждый по-своему создавали сложный калейдоскоп из цветовых пятен, распадавшихся на углы, линии, яркие точки фигур, всё дальше уходя от реального мира и узнаваемого изображения. Парящие над городом люди на картинах М. Шагала, кубистские настроения Р. Фалька, конструирующие свои портреты и натюрморты на объёмных, преломлённых на плоскости форм; карта Северного полушария под потолком Исаакиевского собора П. Филонова - все эти опыты свидетельствовали об отказе от привычных изображений, стремлении к беспредметности [Соловьёв; 606 - 607].

Несмотря на все эти яркие проявления новых стилей и направлений, нельзя сказать, что реализм остановился в своём развитии. В начале века всё ещё продолжали творить И.Е. Репин (1844 - 1930), В.А. Серов (1865 - 1911). Уникальнейшими мастерами того времени, навсегда вошедших в историю искусства, являются М.А. Врубель (1856 - 1910), в картинах которого магическим образом переданы красота мира, тайна жизни человека и величие его духа; К.А. Коровин (1861 - 1939), сумевший на своих полотнах мастерски передать неуловимое, мгновенно промелькнувшее и ускользающее впечатление игры и света; В.Э. Борисов-Мусатов (1870 - 1905) - представитель символизма и певец созерцательности, мягкой грусти и поэтичности.

Корифеем русской живописи является Б.М. Кустодиев (1878 - 1927), на картинах которого навеки запечатлён быт российской провинции и роковые последствия революционных событий. Со вкусом и сочностью написанные сцены из жизни купцов и мещан производят невероятное впечатление своей свежестью и праздничностью.

Значительный вклад в развитие живописи внесло объединение под названием «Союз русских художников», в состав которого входили А.Е. Архипов (1862 - 1930), К.А. Коровин (1861 - 1939), Л.В. Туржанский (1875 - 1945), С.А. Виноградов (1869 - 1938), К.Ф. Юон (1875 - 1958), С.Ю. Жуковский (1873 - 1944) и другие. Участники этого объединения предпочтение отдавали пейзажу, органично продолжая традиции этого жанра, тянущиеся из XIX века.

Логичным было появление и объединения, являющегося порождением эпохи. В 1922 году была образована АХРР - Ассоциация художников революционной России. Назначение своё они видели, согласно декларации, в живописном документировании процесса становления и формирования Советской России в реалистическом ключе. Ассоциация отвергала авангардные и иные изыскания. В Ассоциацию входили П.А. Радимов (1887 - 1967), Е.А. Кацман (1890 - 1976), Г.К. Савицкий (1887 - 1949), Е.М. Чепцов (1874 - 1950), И.И. Бродский (1884 - 1939), Ф.С. Богородский (1895 - 1959), А.М. Герасимов (1881 - 1963) и другие.

В дальнейшем это направление станет главенствующим на долгие годы. Ассоциация просуществовала до 1929 года, но её распад не означал окончание «документирования» советской жизни, а напротив, её активное продолжение. В 30-х гг. ХХ века укоренился соцреализм. О неофициальных течениях в живописи уже не было и речи. Более того, искусство теперь проходило отбор и по идейно-идеологическим критериям. Главным в нём стало не стиль, манера, художественный язык, а партийность и выражение социалистической идеи построения общества.

В этот период выдвигаются такие художники, как А.А. Дейнека (1899 - 1969), Б.В. Иогансон (1893 - 1973), Ю.И. Пименов (1903 - 1977). Среди направлений главенствующим делается станковая и монументальная живопись. Однако отвоёвывает себе место и исторический жанр (С. Герасимов), и народная тема (А. Пластов), и бытовой жанр (Ю.И. Пименов), и портретный (П.П. Кончаловский, М.В. Нестеров, П.Д. Корин). Однако по-прежнему в русской живописи остаются уникальные мастера, находящиеся в непрерывном поиске (К.С. Петров-Водкин, 1878 - 1939).

В 40-е годы развитие живописи, как и других видов искусств, подчинено основному трагическому событию этого времени - Великой Отечественной войны. В этот период развивается не только живопись на героическую тематику, но и карикатура, плакат (ярчайшие представители - Кукрыниксы), а также художники, вошедшие в студию военных художников имени М.Б. Грекова (1882 - 1934). Батальная живопись находит в их работах достойное воплощение (А.А. Дейнека, А.А. Пластов, К.Ф. Юон, П.Д. Корин, А.П. Бубнов).

В 1930-х. гг. развитие соцреализма продолжается. Наиболее крупные художники этого периода предпочитают исторические темы, вследствие чего на первый план выходит историко-революционный жанр. Прошедшая война обострила патриотические чувства художников, чем и объясняется их интерес к истории отечества и её сюжетам.

Находит своё отражение ленинская тема (В.А. Серов «Ходоки у Ленина»; коллективная работа под руководством Б. Иогансона «Выступление В.И. Ленина на III съезде комсомола»).

Отмечается интересный синтез бытового и исторического жанров (Б.М. Неменский, Ю.М. Непринцев, А.И. Лактионов). Как особое проявление жизни советских людей, переживших войну и отвоевавших победу, возникает тема мирного труда и мирной жизни. Эти полотна наполнены светом, счастьем, тихой радостью. Таковы картины А.А. Пластова, Т.Н. Яблонской, С.А. Чуйкова.

Установление мирной жизни позволило вновь обратиться к радостям жизни, красоте родной природы, вследствие чего приобретает своё первоначальное значение пейзажный жанр в своём лирическом прочтении (в противовес фоновой функции на батальных полотнах времён Великой Отечественной войны). В этом плане талантливо проявляют себя Г.Г. Нисский, Н.М. Ромадин, В.В. Мешков. В портретном жанре по-прежнему лидирует П. Корин. Период 40-х гг. знаменателен ещё и тем, что на живописном поприще практически не появляются, и все достижения базируются на опыте и мастерстве уже устоявшихся художников.

50 - 60-е гг. - это формирование новых тенденций в живописи. Художники с прогрессивными взглядами стремятся к новизне, идеологических оков, парадности, помпезности. Целью мастеров нового поколения становится адекватная передача действительности, однако не в грубой и прямой форме, а посредством через гражданственно-романтический флёр. Им важно было передать свои идеи через индивидуально-образное воплощение.

На живописной арене совместно действовали как молодые художники, стремящиеся к импрессионистскому началу в своих работах, ярко выраженной непосредственности, так и старые мастера, проявившие себя в предыдущие десятилетия. Среди новшеств 60-х гг. - появление т.н. «сурового стиля», представители которого в своём творчестве отражали суровую действительность, но опять-таки через романтическую призму. Таковы полотна А. и П. Смолиных («Полярники», «Стачка»), П.Ф. Никонова («Стачка»), Н. Андронов «Плотогоны».

Не остаётся без внимания и портретный жанр. В этом плане примечательны имена Т.Т. Салахова, И.А. Серебряного, Д.Д. Жилинского и, конечно, П.Д. Корина.

Историческая тема в 60-е годы начинает звучать в современном воплощении. Здесь крупнейшим художником оказывается Г.М. Коржев (1925 - 2012), творчеству которого присущи обострённость чувств и драматизм.

Примечательно творчество В.Е. Попкова (1932 - 1974), который отличался не только особым, гражданственным настроем своих картин, но и постоянными творческими поисками («Двое», «Ой, как всех мужей побрали на войну», «Мой день»).

Деревенская тема расцветает в творчестве В.И. Иванова (р.1924), гармонично соединившего в своих произведениях тонкий лиризм и композиционную чёткость. Тема деревни находит своё продолжение и в живописи 70-х гг., как и монументальное направление в живописи, которое было свойственно и шестидесятым и семидесятым годам. Без монументальной живописи невозможно было себе представить различные новые постройки, комплексы и другие урбанистические объекты.

70 - 80-е гг. - время выхода на авангардные позиции искусства ряда новых мастеров, среди которых выделяется имя Т.Г. Назаренко (р. 1944), которая вошла в советское искусство вслед за такими крупными живописцами, как Виктор Попков, Гелий Коржев, Виктор Иванов. Назаренко продолжила развитие современной тенденции реализма в изобразительном искусстве. В широком спектре разнообразных творческих устремлении живописцев этого периода заметна её тяготение к традициям прошлого и особенно к живописи раннего Возрождения и фольклору. Среди новых имён 70-х - А.Н. Волков, О.В. Булгакова, А.Г. Ситников, Н.И. Нестерова, В.С. Орлов.

В живописи 70 - 80-гг. наблюдается разностилье, тяготение к символистическому выражению, отказ от строгих правил и канонов, размывание жанровых границ. Интересным проявлением этих годов является развитие неофициального искусства, андеграунда. Работы представителей этого жанра зачастую экспонировались за рубежом. Это искусство не признавалось властями, подвергалось преследованию со стороны официальных кругов.

Неофициальное искусство в основу свою положило сложный художественный язык. От зрителя требовались интеллектуальные усилия, чтобы понять такое искусство. Ярким носителем такой альтернативной культуры явилось течение под названием соц-арт, представителями которого традиционно считаются В.А. Комар, А.Д. Меламид, В.С. Орлов, Л.П. Соков, А.С. Косолапов, Д.А. Пригов.

Во второй половине 80-х гг. противостояние официальной и альтернативной культур достигает своего пика. Несмотря на эти тенденции, продолжают своё активное развитие традиционных жанров: портрета, пейзажа, натюрморта. Крупнейшими мастерами портретного жанра являются И.Я. Глазунов (р. 1930), который, впрочем, проявил себя и в историческом и других жанрах; А.М. Шилов (р. 1943).

Эти же имена продолжают звучать и в живописи 90-х гг. В этот период происходит смена ориентиров практически на официальном уровне. Общественная проблематика, тема труда и деревни уходят в прошлое. На их реалистического направления и свойственных ему жанров: натюрморта, пейзажа, бытовых изображений, портреты. Начинает возрождаться живопись на заказ, в том числе, и частный. В этом контексте особенно активно проявляет себя Н.С. Сафронов (р. 1956).

Можно отметить и возвращение на полотна в качестве героев «запрещённых» исторических личностей - царской семьи, святых, различных исторических деятелей, представителей русской православной церкви, генералов-белогвардейцев.

Открываются новые галереи, в том числе, и частные (например, галерея М. Гельмана). В этих учреждениях получают возможность выставляться как молодые художники, так и уникальные коллекции, собираемые веками.

Таким образом, можно сказать, что русская живопись ХХ века совершила своеобразный круговорот: от разнообразия стилей, имён, жанров и противоречий она прошла сквозь официоз советского периода для того, чтобы в конце ХХ - начале XXI века вернуться к спорам, противоречиям и поискам.

3. История создания ГМИИ А. С. Пушкина.

ГМИИ А.С. Пушкина - это осуществление всероссийской мечты об общедоступном музее. Его история началась в 1886 году с момента объявления о конкурсе на лучший проект здания, предназначенного для музея изящных искусств. Важнейшая заслуга в задумке и осуществлению этого проекта принадлежит И.В. Цветаеву (1847 - 1913). Первой премии конкурса был удостоен Г.Д. Гримм (1865 - 1942).

Строительство здания музея осуществлялось по новейшим достижениям техники в этой области. Было решено придать будущему музею облик античного храма. Кроме того, музей этот, по концепции И.В. Цветаева, должен был нести не только эстетическую, но и познавательную функцию.

Музей изящных искусств был открыт в 1912 году. Дата открытия была рассчитана специально, ведь в этом году отмечалось столетие Отечественной войны 1812 года. Рождение «цветаевского» музея вывело важность русских музеев на совершенно иной - социальный уровень. Кроме того, дело Цветаева содержало в себе важнейшее нравственное и идейное начало, ведь музей был создан не по личной прихоти, а на основе научной мысли, с расчётом на будущие поколения. На открытии музея присутствовала императорская чета.

Цветаев сам подготовил и руководителей музея в лице своих учеников - Н.И. Романова (1867 - 1948) и В.К. Мальберга (1860 - 1921), которые не изменяли научной концепции своего учителя и развивали учреждение именно в этом ключе. В 20-х гг. именно Романов осуществил реорганизацию музея, способствующую его преобразованию из университетского собрания коллекций в музей мирового уровня.

Ещё с университетских времён, когда музей ещё существовал на основе Кабинета изящных искусств, в его собрании имелась великолепная коллекция античных предметов: монеты, скульптуры, вазы и т.д. Приход Цветаева способствовал тому, что кабинетная коллекция выросла до уровня музея изящных искусств. До определённого момента музей базировался именно на античном искусстве, коллекция которого активно пополнялась Цветаевым, которые заказывал слепки с оригиналов из разных стран мира.

Параллельно с этим шёл и другой важный процесс - формирование коллекции из произведений живописи, графики, скульптуры, декоративного искусства. Во многом её пополнение происходило за счёт частный коллекций (В.С. Голенищева, М.С. Щёкина, С.С. Пенского, А.А. Бобринского, Д.А. Хомякова и даже великой княгини Елизаветы Фёдоровны).

Благодаря этим дарителям, коллекция музея обогатилась экспонатами различных жанров, принадлежащих европейскому и русскому искусству. Пополнение коллекций происходило параллельно с расширением и реконструкцией здания музея. Благотворителями проекта выступали крупнейшие меценаты, предприниматели и коллекционеры.

Музей изящных искусств среди других выделяло принципиальное новшество, а именно - чтение курса по истории искусств, связанное с содержанием музейных коллекций. Впоследствии кафедра истории искусств Московского университета превратилась отделение искусств, а сам предмет приобрёл самостоятельность.

Музей стал очень популярным у публики практически с первых дней открытия. Примечательно, что И.В. Цветаев оставался директором музея вплоть до своей смерти в 1911 году. В период его правления музей процветал.

С приходом советской власти музея коснулись ожидаемые перемены. Влияние новой идеологии не обошло ни одно из учреждений культуры. Произошло перераспределение ценностей, в том числе и из других музеев (например, из ликвидируемого Румянцевского музея). Частные коллекции Д.И. Щукина, Г.А. Брокара активно вливались в фонды цветаевского музея. На этой основе Н.И. Романов и создал новую экспозицию музея, базирующуюся на научных принципах. 10 ноября 1924 года состоялось открытие первых залов.

При этом процесс передачи в галерею экспроприированных и национализированных коллекций продолжался до 1930 года. Поступали экспонаты и из других музеев - Третьяковки, Исторического, Эрмитажа и других. Таким образом, собралась великолепная и практически не имеющая аналогов коллекция. В 1932 году произошло новое переименование музея, который стал Государственным музеем изобразительных искусств, а в 1937 году ему было добавлено имя А.С. Пушкина.

В период Великой Отечественной войны экспонаты музея большей частью были перевезены в Новосибирск. К сожалению, само здание было частично разрушено бомбёжками, и в 1944 году начались работы по его восстановлению. После войны сотрудники музея продолжили научную деятельность, начатую его основателями. Они вели работу по популяризации искусства, и археологические раскопки. В 50-е гг. фонды музея пополнялись во многом за счёт археологических находок.

В 1949 году был закрыт ГМНЗИ, и его экспонаты были направлены в фонд Пушкинского музея. Это больше восьмисот скульптурных работ мастеров Западной Европы и США, а также больше трёхсот живописных полотен художников различных стран. Это обстоятельство ещё более укрупнило статус музея. Однако широкий зритель получил возможность увидеть эту уникальную коллекцию лишь в 1974. В период с 1949 по 1953 гг. большая часть залов была занята подарками И.В. Сталину. После смерти вождя постоянная экспозиция, значительно обновившись, вновь стала открытой для посетителей. С этого момента начинают проводиться одна за другой выставки отечественного и зарубежного искусства.

Весьма крупными событиями, произошедшими в Пушкинском музее во второй половине ХХ века, считаются экспозиция спасённых полотен Дрезденской галереи и выставка П.Д. Корина, а также создание Отдела личных коллекций (по инициативе И.А. Антоновой).

Сегодня в музее имени А.С. Пушкина существует четыре основных вида экспозиций: слепков, античности, эпохи Средних веков и Возрождения - первый; оригиналы древнего искусства - второй; непосредственно картинная галерея, включающая полотна XVIII - ХХ веков, ровно, как и скульптуру - третий; и личные коллекции - четвёртый.

Музей ведёт активную просветительскую и учебную работу, в том числе, для детей и юношества; содержит в себе библиотеку. Всего в этом культурно-просветительском заведении насчитывается больше шестисот семидесяти тысяч произведений искусства. Это предметы живописи, графики, декоративного искусства, скульптуры, нумизматики, археологических памятников, художественной фотографии. Сегодня ГМИИ им. А.С. Пушкина включён в число особо значимых и ценных культурных объектов.

4. Живопись России XXI века .

О современной живописи XXI века ещё рано делать заключения и подводить итоги. Можно отметить одну общую тенденцию - современная живопись активно развивается по регионам, и практически в каждой области есть когорта мастеров, представляющих интерес для искусства.

Живописные направления представлены во всём своём многообразии. Помимо традиционных направлений, появились совсем новые, связанные с развитием компьютерных технологий или с другими проявлениями современности. Имеются в виду такие новаторские проявления, как фантастический реализм, минимал-арт, фотореализм, различные ответвления абстракционизма, стакизм, оптическая живопись, метафизическая живопись, наивное искусство.

Трудность заключается в том, что времена строгого отбора прошли. Сегодня не образование, не исключительный талант являются гарантией пропуска в мир искусства, а эпатаж и вызов. Зачастую за картинами современных художников, во главу угла ставящих именно эти принципы, ничего не стоит (ситуация напоминает противоречия Серебряного века).

Живопись XXI века содержит в себе очень много имён - представителей перечисленных направлений, но их значимость ещё предстоит оценить.

5. Заключение.

На основании всего вышесказанного можно сделать ряд заключений. Начало ХХ века ещё охватывает Серебряный век - последний пышный расцвет русской культуры перед мрачным засильем революционной идеологии. Серебряный век дарует искусству живописи множество гениальных имён, направлений, активное развитие жанров.

Начало советского период делит живопись на два конфликтующих лагеря - авангард и соцреализм. Последний период выходит из этой борьбы победителем и на долгие годы остаётся им. Однако назвать этот лагерь однородным нельзя. Входящие в Ассоциацию художников революционной России живописцы были очень талантливы и оставили после себя достойное наследие. То же самое можно сказать и о советских художниках-живописцах. При этом среди представителей соцреализма было немало и противоположных примеров.

В дальнейшем каждый исторический этап влиял на живопись и её развитие. 30-е гг. - это время воспевания социалистического строя; 40-е - отражение героической борьбы советского народа, развитие исторического и батального жанров; 50 - 60-е гг. характеризуются активизацией художественной жизни, воспеванием мирной жизни и труда. 70 - 80-е гг. - период обострения конфликта между официальной и неофициальной живописи, активизация неформальных художников-авангардистов, желающих сказать своё слово в искусстве, несмотря на запреты.

90 - 2000-е гг. отличаются как множеством событий и перемен, так и кризисным состоянием, наступившим в живописи. На сегодняшний момент наблюдается переизбыток имён, среди которых есть и талантливые представители и конъюнктурщики. Но история показала, что потенциал отечественного искусства неисчерпаем, и оно способно развиваться в любых условиях. Следовательно, история российской живописи ещё не дописана до конца.

6. Список литературы .

1. Гордеева М. Художественное объединение «Бубновый валет». Т.94./М. Гордеева. - М.: Директ-Медиа, 2011. - 48 с.

2. Гордеева М. Художественное объединение «Голубая роза». Т.95./М. Гордеева. - М.: Директ-Медиа, 2011. - 48 с.

3. Гришина Е. Союз художников России. Т.100/Е. Гришина. - М.: Директ-Медиа, 2011. - 48 с.

4. Гришина Е. Художественное объединение «Мир искусства». Т.92/ Е. Гришина. - М.: Директ-Медиа, 2011. - 48 с.

5. История русского искусства: В 2-х томах. - М.: Белый город, 2007. - 889 с.

6. История русского искусства. В 2-х т./ Под ред. М.Г. Неклюдовой. - М.: Изобразительное искусство, 1980. - 634 с.

7. Каган Ю.М. И.В. Цветаев. Жизнь, деятельность, личность/Ю.М. Каган. - М.: Наука, 1987. - 192 с.

8. Кравченко А.Н. Культурология /А.Н Кравченко. - М.: Академический Проект; Трикста, 2003. - 496 с.

9. Морозов А.И. Татьяна Назаренко/А.И. Морозов. - Л.: Аврора, 1988. - 69 с.

10. Перова Д. Ассоциация художников революционной России. Т.97/Д. Перова. - М.: Директ-Медиа, 2011. - 48 с.

11. Соловьёв В.М. Русская культура. С древнейших времён до наших дней/В.М. Соловьёв. - М.: Белый город, 2004. - 736 с.

12. 50 лет советского искусства. Живопись. - М.: Советский художник, 1967. - 474 с.

В недавно реконструированном павильоне № 66 «Культура» на ВДНХ выставкой «Всегда современное. Искусство XX-XXI вв.» открылась Галерея РОСИЗО. Экспозиция познакомит зрителей с наиболее знаковыми произведениями отечественных художников, среди которых имена как признанных классиков начала прошлого века, так и культовых современников наших дней.

Несмотря на то, что представленные картины принадлежат к разным стилистическим направлениям и написаны в разные периоды истории России, организаторы подчеркивают, что работы «не только не противоречат друг другу, но напротив — вступают в диалог». А произведения наших дней продолжают художественные традиции предыдущих поколений.

Экспозиция включает в себя три раздела: искусство первой половины ХХ века, 1960-1980-е годы и творчество наших современников. В центре внимания каждого периода — стилевые поиски и художественные решения, запросы времени и ответы на них художников.

Первый раздел представит зрителям произведения русского авангарда, которые совершили революцию в представлении о задачах искусства. Здесь можно будет увидеть работы в стиле неоимпрессионизма в версии Александры Экстер, сезаннизма («Натюрморт» Ивана Малютина), кубофутуризма («Портрет актера» Михаила Ле-Дантю), кубизма («Городской вид» Алексея Грищенко, «Композиция. Кубизм» Георгия Носкова), супрематизма («Супрематизм» Ивана Клюна) и других направлений.

Второй раздел выставки расскажет о произведениях художников 1960-1980-х годов. В советском искусстве этого времени одновременно с соцреализмом (скульптуры Николая Томского, Льва Кербеля) существовали и его стилистические модификации — например «суровый стиль» («В чулане» Гелия Коржева, «Апшеронский интерьер» Таира Салахова). Посетители здесь смогут увидеть и такие направления живописного искусства, как фотореализм («Смена» Леонида Семейко, «Эксперимент в космосе» Лемминга Нагеля), экспрессионизм («Персонажи, качающиеся на качелях» Натальи Нестеровой), фантастический реализм, сюрреализм («Золотой век» Александра Ситникова, «Семья. Мои современники» Ольги Булгаковой) и другие.

Третий раздел представит работы современных авторов начиная с конца ХХ века и до сегодняшних дней. Экспозиция этого раздела покажет, как в наше время разные стили в живописи стали инструментами художественного языка, а художники, формируя его, цитируют известные работы своих предшественников и используют уже узнаваемые приемы. Искусство XXI века представлено произведениями таких культовых художников, как Эрик Булатов, Игорь Макаревич, Георгий Гурьянов, Ирина Нахова и др.

Гости ВДНХ также познакомятся с картинами из собраний Государственного музейно-выставочного центра «РОСИЗО», Ярославского художественного музея, Серпуховского историко-художественного музея, Государственного центрального музея современной истории России, Всероссийской творческой общественной организации «Союз художников России», а также из частных коллекций и ряда московских галерей.

Справка о «РОСИЗО»

Государственный музейно-выставочный центр «РОСИЗО» ведет свою историю с 1959 года, когда при Министерстве культуры РСФСР была учреждена Дирекция художественных фондов и проектирования памятников. С 1977 по 1994 год существовал Республиканский центр художественных выставок и пропаганды изобразительного искусства «Росизопропаганда». Центр устраивал передвижные выставки и распределял произведения искусства по музеям СССР. С 1 января 2010 года ГМВЦ «РОСИЗО» обрел статус музея. Учредителем центра является Министерство культуры Российской Федерации. Это многопрофильная организация, которая занимается разработкой и реализацией выставочных проектов в партнерстве с ведущими мировыми музейными и культурными учреждениями. В настоящее время фонд «РОСИЗО» насчитывает около 40 000 единиц хранения.

1.Искусство России конца 20 века. Последнее десятилетие 20 века в России было насыщенным политическими и экономическими событиями, кардинально изменившими ситуацию в стране. Распад Союза в 1991 г. и смена политического курса, переход к рыночным отношениям и явная ориентация на западную модель экономического развития, наконец, ослабление, вплоть до полной отмены, идеологического контроля – все это в начале 90-х годов способствовало тому, что культурная среда стала стремительно изменяться. Либерализация и демократизация страны способствовали развитию и становлению новых тенденций и направлений в отечественном искусстве. Эволюция искусства в 1990-х годах в России происходит с появлением тенденций присущих постмодернизму, с появлением нового поколения молодых художников, работающих в таких направлениях как, концептуализм, компьютерная графика, неоклассицизм связанных с развитием компьютерных технологий в России. Возникнув из классической эклектики, «Новый русский неоклассицизм» стал «многогранным бриллиантом», соединив в себе различные направления, которые никак не относились к «классике» до эпохи модернизм. Неоклассицизм - это направление в искус­стве, в котором художники возрождают классические традиции живописи, графики, скульптуры, но вместе с этим они активно исполь­зуют новей­шие технологии. Британский историк и теоретик искусства Эдвард Люси Смит назвал русский неоклассицизм "первым ярким явлением русской культуры, оказавшим влияние на мировой художественный процесс после Казимира Малевича". Неоклассицизм требовал иного, чем у классицистов, отношения к античности. Исторический взгляд на греческую культуру делал античные произведения не абсолютным, а конкретно-историческим идеалом, поэтому подражание грекам получило иной смысл: в восприятии античного искусства на первый план вышла не его нормативность, а свобода, обусловленность правил, которые позже станут каноном, реальной жизнью народа. Д.В. Сарабьянов находит неоклассицизм своеобразным «осложнением» модерна. С одинаковой вероятностью неоклассицизм можно считать и поздним модерном и самостоятельным направлением. В творчестве «новых художников» нет чистого модерна или отдельного неоклассицизма, они всегда выступают взаимосвязано, художники новой академии объединили сразу несколько течений в изобразительном искусстве: авангард, постмодернизм, классицизм в «коллажном пространстве». Работы «новых художников» эклектичны, сочетают в себе компьютерную графику офорт, живопись и фотографию. Художники переводили в цифровой формат готовые произведения, выделяли нужные фрагменты и создавали коллажи, виртуозно восстанавливая костюмы и декор древности. Сочетание традиционных методов с возможностями компьютерных графических программ расширили творческий потенциал художников. Из сканированного материала, собирали коллажи, применяли к ним художественные спецэффекты, деформировали, создавая иллюзорные композиции. Наиболее яркими представителями Петербуржского неоклассицизма начала 90-х годов были О. Тоберлутс, Е. Андреева, А. Хлобыстин, О. Туркина, А. Боров­ский, И. Чечот, А. Небольсин, Е.Шефф. Неоклассицизм Тоберлутс является одним из проявлений романтизма. Ее произведения олицетворяют чувства человек, мечты, благородство, нечто восторженное и обращенное к несбыточному идеалу. Художница сама становится героиней своих произведений. По стилистики творчество О.Тоберлутс можно определить как неоклассицизм, пропущенный через постмодернистское сознание, как эклектичный мир, в котором изображены античные храмы, интерьеры эпохи ренессанс, голландские мельницы и костюмы от дизайнера К. Гончарова как штрих современности. Безграничные возможности компьютерной графики придают работам О.Тобрелутс фантастичность и сверхъестественность. С помощью компьютерных технологий Е.Шефф возвращается то в древнюю Грецию, то в древний Рим, создавая в своих коллажах образы античной мифологии. В серии «Мифы Людвига» художник использовал фотографии греческих скульптур, архитектурных сооружений, накладывая на них эффекты старины. С помощью компьютерных технологий художник восстанавливает первозданность Колизея, проводя по нему увлекательные экскурсии. Цифровая живопись Шутова представляет собой эмоциональный эквивалент его многочисленных увлечений. В ней можно найти и греческую классику, и отголоски этнографических изысканий, а также элементы молодежной субкультуры.Таким образом, можно отметить, что конец 20 века был переломным периодом не только в политической и экономической жизни России, но и в искусстве. В 90-е годы было заложено мощное направление в изобразительном искусстве «новый русский неоклассицизм». Развитие компьютерных технологий в России расширило творческий потенциал художников, новые художники, используя новые технологии, создавали классические произведения. Главное не техника и технология, а эстетика. Клас­сическим может быть и современное искусство.2.Искусство России начала 21 в. Особенностью изобразительного искусства рубежа 20 – 21 веков является то, что оно стало свободно от цензурного гнета, от влияния государства, но не от рыночной экономики. Если в советское время профессиональные художники были обеспечены пакетом социальных гарантий, их картины закупались в национальные выставки и галереи, то теперь они могут рассчитывать только на свои силы. Но русская живопись не умерла и не превратилась в подобие западноевропейского и американского искусства, она продолжает развиваться на основе русских традиций. Современное искусство экспонируется галереями современного искусства, частными коллекционерами, коммерческими корпорациями, государственными художественными организациями, музеями современного искусства, арт-студиями или самими художниками в artist-run space. Современные художники получают финансовую поддержку за счёт грантов, наград и премий, а также получают средства от продаж своих работ. Российская практика несколько отличается в этом смысле от западной. Музеи, Биеннале, фестивали и ярмарки современного искусства постепенно становятся инструментами привлечения капитала, инвестиций в туристический бизнес или частью государственной политики. Частные коллекционеры оказывают большое влияние на всю систему современного искусства. В России одной из самых крупных коллекций работ современного искусства обладает негосударственный музей современного искусства Эрарта в Санкт-Петербурге. Направления в искусстве современности: Нонспектакулярное искусство - направление в современном искусстве, отвергающее зрелищность и театральность. Примером такого искусства является перформанс польского художника Павла Альтхамера «Script Outline», на выставке «Manifesta» в 2000 году. В России свой вариант нонспектакулярного искусства предлагал Анатолий Осмоловский.Стрит-арт (англ. Street art - уличное искусство) - изобразительное искусство, отличительной особенностью которого является ярко выраженный урбанистический стиль. Основной частью стрит арта является граффити (иначе спрей-арт), но нельзя считать, что стрит-арт это и есть граффити. К стрит-арту также относятся постеры (некоммерческие), трафареты, различные скульптурные инсталляции и т. п. В уличном искусстве важна каждая деталь, мелочь, тень, цвет, линия. Художник создает свой стилизованный логотип - «уникальный знак» и изображает его на участках городского ландшафта. Самое главное в стрит-арте - не присвоить территорию, а вовлечь зрителя в диалог и показать различную сюжетную программу. Последнее десятилетие отмечает разнообразие направлений, которые выбирает стрит-арт. Восхищаясь старшим поколением, молодые райтеры отдают себе отчёт в важности разрабатывания собственного стиля. Таким образом возникают всё новые ответвления, предсказывающие движению богатое будущее. Новые разнообразные формы стрит-арта подчас превосходят по своему размаху всё, что было создано до этого. Аэрография - одна из живописных техник изобразительного искусства, использующая аэрограф в качестве инструмента для нанесения жидкого или порошкообразного красителя при помощи сжатого воздуха на какую-либо поверхность. Также может быть использован баллончик с краской. В связи с широким распространением аэрографии и появлении большого количества различных красок и составов, аэрография получила новый толчок развития. Сейчас аэрографию применяют для создания живописных полотен, ретуши фотоснимков, таксидермии, моделизма, росписи текстиля, настенной росписи, боди-арта, росписи ногтей, росписи сувенирной продукции и игрушек, росписи посуды. Часто применяется для нанесения рисунков на автомобили, мотоциклы, другую технику, в полиграфии, в дизайне и т. д. Благодаря тонкому слою краски и возможности плавного распыления её на поверхности, возможно достичь превосходных декоративных эффектов, таких как плавные переходы цвета, объёмность, фотографическая реалистичность получаемого изображения, имитацию грубой фактуры при идеальной гладкости поверхности.

Темы и вопросы семинарских занятий;

Тема 1 . Основные понятия искусствоведения и истории искусства.

Вопросы:

1.Проблема классификации видов искусств.

2. Понятие «произведение искусства». Возникновение и задача художественного произведения. Произведение и искусство.

3. Сущность, цели, задачи искусства.

4.Функции и смысл искусства.

5. Понятие «стиль». Художественный стиль и его время.

6.Классификация искусств.

7. История возникновения и становления искусствоведения.

Вопросы для обсуждения:

1. Известны 5 определений искусства. Что характерно для каждого из них? Какого из определений Вы придерживаетесь? Можете ли Вы сформулировать Ваше определение искусства?

2. В чем состоит назначение искусства?

3. Как можно определить произведение искусства? Как сосуществуют «произведение искусства» и «художественное произведение»? Объясните процесс возникновения художественного произведения (по И. Тэну). В чем заключается задача художественного произведения (по П.П. Гнедичу)?

4. Перечислите 4 основные функции искусства (по И.П. Никитиной) и четыре

возможных понимания смысла искусства.

5.Определите смысл понятия «стиль». Какие Вам известны стили в европейском искусстве? Что такое «художественный стиль», «художественное пространство»?

6. Перечислите и дайте краткую характеристику видам искусства: пространственные, временные, пространственно-временные и зрелищные искусства.

7. Что является предметом изучения истории искусства?

8. Как Вы думаете, какова роль музеев, выставок, галерей, библиотек для изучения произведений истории искусства?

9. Особенности античной мысли об искусстве: Сохранившиеся сведения о первых образцах литературы об искусстве («Каноне» Поликлета, трактатах Дуриса, Ксенократа). «Топографическое» направление в литературе об искусстве: «Описание Эллады» Павсания. Описание художественных произведений у Лукиана. Пифагорейская концепция «космоса» как стройного целого, подчиненного законам «гармонии и числа» и ее значение для начал теории архитектуры. Идея порядка и соразмерности в архитектуре и градостроительстве. Образы идеального города в сочинениях Платона (шестая книга «Законов», диалог «Критий») и Аристотеля (седьмая книга «Политики»). Понимание искусства в Древнем Риме. «Естественная история» Плиния Старшего (I в. н. э.) как главный источник сведений по истории античного искусства. Трактат Витрувия: систематическое изложение классической архитектурной теории.

10. Судьба античных традиций в эпоху средневековья и особенности средневековых представлений об искусстве: Эстетические воззрения Средневековья (Августин, Фома Аквинский), ведущая эстетическая идея: Бог – источник красоты (Августин) и ее значение для художественной теории и практики. Идея «первообраза». Особенности средневековой литературы об искусстве. Практически-технологические, рецептурные руководства: «Руководство живописцев» с горы Афаонской Дионисия Фурнаграфиота, «О красках и искусствах римлян» Гераклия, «Схедула» (Schedula – Ученьице) Теофила. Описание памятников архитектуры в хрониках и житиях святых.

11.Ренессанс как поворотный этап в истории развития европейского искусства и искусствознания. Новое отношение к античности (изучение памятников античности). Развитие светского мировоззрения и возникновение экспериментальной науки. Формирование тенденции к исторической и критической интерпретации явлений искусства: «Комментарии» Лоренцо Гиберти Трактаты по специальным вопросам – градостроительству (Филарете), пропорциям в архитектуре (Франческо ди Джорджо), перспективе в живописи (Пьеро дела Франческа). Теоретическое осмысление ренессансного перелома в развитии искусства и опыта гуманистического изучения античного наследия в трактатах Леона Батиста Альберти («О статуе», 1435, «О живописи», 1435-36, «О зодчестве»), Леонардо да Винчи («Трактат о живописи», опубл. посмертно), Альбрехта Дюрера («Четыре книги о пропорциях человека», 1528). Критика архитектурной теории Витрувия в «Десяти книгах о зодчестве» (1485) Леона Батиста Альберти. Витрувианская «Академия доблести» и ее деятельность по изучению и переводу труда Витрувия. Трактат Джакомо да Виньолы «Правило пяти ордеров архитектуры» (1562). «Четыре книги об архитектуре» (1570) Андреа Палладио – классический эпилог в истории архитектуры эпохи Возрождения. Роль Палладио в развитии архитектурных идей барокко и классицизма. Палладио и палладианство.

12.Основные этапы становления исторического искусствознания в Новое время: от Вазари к Винкельману: «Жизнеописания наиболее выдающихся живописцев, ваятелей и зодчих» Джорджо Вазари (1550, 1568) как этапный труд в истории становления искусствоведческой науки. «Книга о художниках» Карела Ван Мандера как продолжение жизнеописаний Вазари на материале нидерландской живописи.

13. Мыслители 18 века о проблемах стилеобразования в искусстве, о художественных методах, месте и роли художника в обществе: Рационализм в искусствознании. Классицистическая теория Никола Пуссена. Теоретическая программа классицизма в «Поэтическом искусстве» Никола Буалло (1674) и «Беседах о наиболее знаменитых живописцах, старых и новых» А. Фелибена (1666-1688).

14. Век Просвещения (18 в.) и теоретико-методологические проблемы искусства. Формирование национальных школ в рамках общей теории искусства. Развитие художественной критики во Франции. Роль Салонов во французской, художественной жизни. Обзоры Салонов как ведущие формы критической литературы об изобразительном искусстве. Споры о задачах художественной критики (оценка творчества или просвещение публики). Особенности немецкого искусствознания. Вклад в теорию изобразительного искусства Готхольда Эфраима Лессинга. Трактат «Лаокоон» (1766) и проблема границ живописи и поэзии. Введение понятия «изобразительные искусства» вместо «изящные искусства» (перенос акцента с красоты на правду и выделение изобразительно-реалистической функции искусства). Значение деятельности Иоганна Иоахима Винкельмана для развития исторической науки об искусстве. Винкельмановская концепция античного искусства и периодизация его развития.

15. Истоки отечественной мысли об искусстве. Сведения о художниках и художественных памятниках в русских средневековых летописных и эпистолярных источниках. Постановка вопросов об искусстве в общественно-политической жизни 16 в. (Стоглавый собор 1551 г. и др. соборы) как свидетельство пробуждения критического мышления и борьбы различных идейных направлений.

16. Коренной перелом в русском искусстве 17 в.: формирование зачатков светского мировоззрения и первое знакомство с европейскими формами художественной культуры. Становление художественно - теоретической мысли. Глава «Об иконном писании» в «Житии» Аввакума. «Сочинение об искусстве» Иосифа Владимирова (1665-1666) и «Слово к люботщательному иконного писания» Симона Ушакова (1666-1667) – первые русские сочинения по теории искусства.

17. Активное формирование новых светских форм культуры в 18 в. Записки

Я.фон Штелина – первая попытка создания истории русского искусства.

18. Новое романтическое понимание искусства в критических статьях К.Н. Батюшкова, Н.И. Гнедича, В. Кюхельбекера, В.Ф. Одоевского, Д.В. Веневитинова, Н.В. Гоголя.

19. Искусствознание конца 19 - 20 вв.: Попытки синтеза достижений формальной школы с концепциями ее критиков – «структурная наука» о художественных стилях. Семиотический подход в искусствознании. Особенности семиотического исследования произведений изобразительного искусства в работах Ю.М. Лотмана, С.М. Даниэля, Б.А. Успенского. Многообразие методов исследования искусства в современной отечественной науке. Принципы анализа художественного произведения и проблемный подход к исследованию истории искусства в трудах М. Алпатова («Художественные проблемы искусства Древней Греции», «Художественные проблемы итальянского Возрождения»). Синтез методологических подходов (формально-стилистического, иконографического, иконологического, социологического) у В. Лазарева. Сравнительно-исторический метод исследования в работах Д. Сарабьянова («Русская живопись 19 века среди европейских школ. Опыт сравнительного исследования»). Системный подходк искусству и его особенности.

1.Алексеев В.В. Что такое искусство? О том, как изображают мир живописец, график и скульптор. – М.: Искусство, 1991.

2.Валери П. Об искусстве. Сборник. – М.: Искусство, 1993.

3.Виппер Б.Р. Введение в историческое изучение искусства. – М.: Изобразительное искусство, 1985.

4.Власов В.Г. Стили в искусстве.- СПб.: 1998.

5.Зись А.Я. Виды искусства. – М.: Знание, 1979.

6.Кон-Винер. История стилей изобразительных искусств. – М.: Сварог и К, 1998.

7.Мелик-Пашаев А.А. Современный словарь-справочник по искусству. – М.: Олимп – АСТ, 2000.

8.Янсон Х.В. Основы истории искусств. – М.: Искусство, 2001.

Тема 2 . Искусство Древнего мира. Искусство эпохи первобытнообщинного строя и Древнего Востока.

Вопросы:

1.Периодизация искусства первобытного общества. Характеристика первобытного искусства эпохи: палеолита, мезолита, неолита, бронзы.

2.Понятие синкретизма в первобытном искусстве, его примеры.

3.Общие закономерности и принципы искусства Древнего Востока.

4.Искусство Древней Месопотамии.

5.Искусство древних шумеров.

6. Искусство древней Вавилонии и Ассирии.

Вопросы для обсуждения:

1. Дайте краткий обзор периодизации первобытного искусства. В чём особенности искусства каждого периода?

2. Охарактеризуйте основные черты первобытного искусства: синкретизм, фетишизм, анимизм, тотемизм.

3.Сравните каноны в изображении человека в художественном творчестве древнего Востока (Египет и Месопотамия).

4. В чём особенности изобразительного искусства Древней Месопотамии?

5.Расскажите об архитектуре Месопотамии на примере конкретных памятников:

зиккурта Этеменнигуру в Уре и зиккурата Этеменанки в Новом Вавилоне.

6.Расскажите о скульптуре Месопотамии на примере конкретных памятников: стенах вдоль дороги Процессий, воротах Иштар, рельефах из дворца Ашшурнасирпала в

7.Какова тематика скульптурных рельефных изображений Месопотамии?

8. Как назывались первые вавилонские памятники архитектуры? Каково было их

назначение?

9. Какова особенность космогонии шумеро – аккадской культуры?

10. Перечислите достижения в искусстве шумеро – аккадской цивилизации.

1.Виноградова Н.А. Традиционное искусство Востока. – М.: Искусство, 1997.

2.Дмитриева Н.А. Краткая история искусств. Вып. 1: От древнейших времен по XVI век. Очерки. – М.: Искусство, 1985.

3. Искусство Древнего Востока (Памятники мирового искусства). – М.: Искусство, 1968.

4.Искусство Древнего Египта. Живопись, скульптура, архитектура, прикладное искусство. – М.: Изобразительное искусство, 1972.

5.Искусство Древнего Мира. – М.: 2001.

6.История искусства. Первые цивилизации. – Барселона-Москва: ОСЭАНО – Бета-Сервис, 1998.

7.Памятники мирового искусства. Выпуск III, первая серия. Искусство Древнего Востока. – М.: Искусство, 1970.

8.Померанцева Н.А. Эстетические основы искусства Древнего Египта. – М.: Искусство, 1985.

9.Столяр А.Д. Происхождение изобразительного искусства. – М.: Искусство, 1985.

Современным искусством принято называть всевозможные художественные течения, сложившиеся в конце XX века. В послевоенный период оно являлось своеобразной отдушиной, вновь научившей людей мечтать и изобретать новые жизненные реалии.

Устав от оков суровых правил прошлого, молодые художники решили разорвать прежние художественные нормы. Они стремились к созданию новых, до этих неизвестных практик. Противопоставляя себя модернизму, они обратились к новым способам раскрытия своих сюжетов. Художник и концепция, стоящая за его творением, стали гораздо важнее самого итога творческой деятельности. Желание отойти от воздвигнутых рамок привело к возникновению новых жанров.

Среди художников начали возникать споры о смысле искусства и способах его выражения. Что такое искусство? Какими средствами можно добиться неподдельного искусства? Концептуалисты и минималисты нашли ответ для себя во фразе: «Если искусство может быть всем, то может быть и ничем». Для них уход от привычных изобразительных средств вылился в проведение различных акций, хеппененгов и перформансов. В чем же особенность современного искусства в 21 веке? Об этом мы и поведем речь в статье.

Трехмерная графика в искусстве XXI века

Славится искусство 21 века в 3D графике. С развитием компьютерных технологий художники получили доступ к новым средствам создания своего искусства. Суть трехмерной графики состоит в создании изображений при помощи моделирования объектов в трехмерном пространстве. Если рассмотреть большинство форм современного искусства в 21 веке, создание трехмерных изображений окажется наиболее традиционным. 3D графика имеет множество сторон, в прямом смысле этого слова. Ее используют при создании программ, игр, изображений и видео на компьютере. Но ее также можно заметить прямо под ногами - на асфальте.

Трехмерная графика перебралась на улицы несколько десятилетий назад и с этого времени остается одной из важнейших форм уличного искусства. Многие художники рисуют на своих «картинах» объемные изображения, способные поразить своей реалистичностью. Эдгар Мюллер, Эдуардо Ролеро, Курт Уеннер и многие другие современные художники сегодня создают искусство, способное удивить любого.

Уличное искусство 21 века

Раньше занятие уделом состоятельных людей. Оно веками было укрыто стенами специальных заведений, куда был закрыт доступ непосвященным. Очевидно, что его грандиозная сила не могла вечно томиться внутри душных зданий. Именно тогда оно выбралось наружу - на серые мрачные улицы. Выбралось, чтобы изменить свою историю навсегда. Хотя поначалу все не было так просто.

Его рождению были рады не все. Многие считали его следствием неудачного опыта. Некоторые и вовсе отказывались обращать внимание на его существование. Между тем детище продолжало расти и развиваться.

Уличных художников ждали трудности на своем пути. При всем своем многообразии форм, уличное искусство порой было сложно отличить от вандализма.

Началось все в 70-х годах прошлого века в Нью-Йорке. В это время уличное искусство находилось в зачаточном состоянии. А поддерживали его жизнь Julio 204 и Taki 183. Они оставляли надписи в разных местах своего района, после расширяя территорию распространения. Соперничать с ними решили другие ребята. Тут-то и началось самое интересное. Задор и желание показать себя вылилось в битву креативности. Каждый стремился открыть для себя и других более оригинальный способ оставить свой след.

В 1981 году уличному искусству получилось преодолеть океан. В этом ему помог уличный художник из Франции BlekleRat. Он считается одним из первых художников граффити в Париже. Его также называют отцом трафаретного граффити. Его фирменным штрихом являются рисунки крыс, что отсылает к имени их создателя. Автор заметил, что после перестановки букв в слове rat (крыса) получается art (искусство). Blek однажды отметил: «Крыса является единственным свободным животным в Париже, которое распространяется повсюду, прямо как уличное искусство».

Самым знаменитым уличным художником является Бэнкси, который называет BlekleRat своим главным учителем. Злободневные работы этого талантливого британца способны заставить замолчать каждого. В своих рисунках, созданных с использованием трафаретов, он обличает современное общество с его пороками. Бэнкси свойственен традиционный позволяющий оставить еще большее впечатление на аудиторию. Интересным является тот факт, что до сих пор личность Бэнкси окутана тайной. Никому еще не удалось раскрыть загадку личности художника.

Тем временем искусство улиц стремительно набирает обороты. Когда-то отброшенный к маргинальным течениям, стрит-арт взошел на подмостки аукционов. Работы художников продаются за баснословные суммы теми, кто когда-то отказывался о нем говорить. Что это, живительная сила искусства или веяния мейнстрима?

Формы

На сегодняшний день выделяют несколько довольно интересных проявлений современного искусства. Обзор самых необычных форм современного искусства будет представлен вашему вниманию далее.

Реди-мейд

Термин реди-мейд происходит от английского, что означает «готовый». По сути, целью данного направления не является создание чего-либо материального. Основной идеей здесь служит то, что в зависимости от окружения того или иного предмета меняется восприятие человеком и самого предмета. Родоначальником течения является Марсель Дюшан. Наиболее знаменитой его работой является «Фонтан», представляющий собой писсуар с автографом и датой.

Анаморфозы

Анаморфозами называют технику создания изображений таким образом, что полностью разглядеть их возможно лишь под определенным углом. Одним из ярких представителей этого течения является француз Бернард Прас. Он создает инсталляции с использованием того, что попадется под руку. Благодаря своему мастерству ему удается создавать удивительные произведения, увидеть которые, однако, можно лишь под определенным углом.

Биологические жидкости в искусстве

Одним из самых спорных течений в современном искусстве 21 века является рисунок, написанный человеческими жидкостями. Часто последователи данной формы современного искусства используют кровь и мочу. Цвет картин в этом случае часто приобретает мрачный, пугающий вид. Герман Нич, к примеру, использует кровь животных и мочу. Автор объясняет использование столь неожиданных материалов трудным детством, которое пришло на время Второй мировой войны.

Живопись XX-XXI века

Краткая история живописи содержит сведения, что конец XX века стал отправной точкой для многих культовых художников современности. В тяжелые послевоенные годы сфера пережила свое перерождение. Художники стремились открыть новые грани своих возможностей.

Супрематизм

Создателем супрематизма принято считать Казимира Малевича. Будучи главным теоретиком, он провозгласил супрематизм способом очищения искусства от всего лишнего. Отказавшись от привычных способов передачи изображения, художники стремились освободить искусство от внехудожественного. Важнейшей работой в данном жанре служит знаменитый «Черный квадрат» Малевича.

Поп-арт

Поп-арт берет свои истоки в США. В послевоенные годы общество пережило глобальные изменения. Люди теперь могли себе позволить больше. Потребление стало важнейшей частью жизни. Людей начали возводить в культ, а продукты потребления - в символы. Джаспер Джонс, Энди Уорхолл и другие последователи течения стремились использовать эти символы в своих картинах.

Футуризм

Футуризм был открыт в 1910 году. Основной идеей этого течения служило стремление к новому, разрушение рамок прошлого. Это стремление художники изображали при помощи особой техники. Резкие штрихи, наплывы, соединения и пересечения - признаки футуризма. Наиболее известными представителями футуризма являются Маринетти, Северини, Карра.

Современное искусство в России XXI века

Современное искусство в России (21 век) плавно перетекло из подпольного, «неофициального» искусства СССР. Молодые художники 90-х искали новые способы реализации своих художественных амбиций в новой стране. В это время зародился московский акционизм. Его последователи бросали вызов прошлому и его идеологии. Разрушение границ (в прямом и переносном смысле слова) позволило изобразить отношение молодого поколения к ситуации в стране. Современное искусство 21 века стало экспрессивным, пугающим, шокирующим. Таким, от которого так долго закрывалось общество. Акции Анатолия Осмоловского («Маяковский - Осмоловский», «Против всех», «Баррикада на Большой Никитской»), движения «ЭТИ» («ЭТИ-текст»), Олега Кулика («Пятачок раздает подарки», «Бешенный Пес или Последнее табу, охраняемое одиноким Цербером»), Авдея Тер-Оганьяна(«Поп-арт») навсегда изменили историю современного искусства.

Новое поколение

Слава ПТРК - современный художник из Екатеринбурга. Кому-то его работы могут напомнить творчество Бэнкси. Однако работы Славы несут в себе идеи и чувства, знакомые только российскому гражданину. Одним из наиболее заметных его работ является акция «Страна возможностей». Художник создал надпись из костылей на здании заброшенной больницы Екатеринбурга. Костыли Слава скупал у жителей города, которые однажды ими пользовались. Об акции художник сообщил на странице в социальной сети, дополнив обращением к согражданам.

Музеи современного искусства

Возможно, когда-то современное изобразительно искусство 21 века казалось средой маргинальной, но сегодня все больше людей стремятся приобщиться к новой сфере искусства. Все больше музеев открывают свои двери для новых средств выражения. Нью-Йорк является рекордсменом в области современного искусства. Здесь же находятся два музея, являющиеся одними из лучших в мире.

Первый - MoMA, являющийся хранилищем полотен Матисса, Дали, Уорхола. Второй - музей Необычная архитектура здания соседствует с творениями Пикассо, Марка Шагала, Кандинского и многих других.

Европа также знаменита своими великолепными музеями современного искусства 21 века. Музей KIASMA в Хельсинки позволяет трогать предметы выставки. Центр в столице Франции поражает необычной архитектурой и работами художников современности. Стеделейкмюсеум в Амстердаме хранит в своих стенах крупнейшее собрание картин Малевича. в столице Великобритании обладает огромным количеством арт-объектов современности. Венский музей современного искусства обладает работами Энди Уорхолла и прочих талантливых творцов современности.

Современное искусство 21 века (живопись) - загадочное, непонятное, завораживающее, навсегда изменило вектор развития не только отдельной сферы, но и всей жизни человечества. Оно отражает и создает современность в одно и то же время. Постоянно изменяясь, искусство современности позволяет на мгновение остановиться постоянно спешащему человеку. Остановиться, чтобы вспомнить о чувствах, кроющихся глубоко внутри. Остановиться, чтобы вновь набрать темп и спешить в вихрь событий и дел.